KUKJE GALLERY
October 2020
1 Haegue Yang, Kim Hong Joo, Lee Ufan, Park Seo-Bo, and Suki Seokyeong Kang participate in Art Plant Asia 2020 Hare Way Object 

Haegue Yang, Sonic Obscuring Hairy Hug, 2020
Photo: Tabial


Artists: Haegue Yang(양혜규), Kim Hong Joo(김홍주), Lee Ufan(이우환), Park Seo-Bo(박서보), Suki Seokyeong Kang(강서경)
Exhibition Dates: Oct 23, 2020 – Nov 22, 2020 
Exhibition Venue: Deoksugung Palace, Seoul, Korea
Website: http://artplantasia.org/

Haegue Yang, Kim Hong Joo, Lee Ufan, Park Seo-Bo, and Suki Seokyeong Kang are currently participating in Art Plant Asia 2020’s main exhibition Hare Way Object, which runs through November 22, 2020, at Deoksugung Palace, Seoul, Korea. The title of the exhibition—Hare Way Object—is an arbitrary combination of ‘Hare Way,’ an old term describing the Jeongdong area where Deoksugung Palace is located, and ‘Object,’ a word that describes all matters not mankind, representing the interrelated landscapes of the current Asian and Korean contemporary art scenes. A wide range of works by a roster of eleven painters from postwar and 1970s Korea, nineteen Korean contemporary artists, and three Asian contemporary artists are shown in harmony with one another in the main halls, corridors, and courtyards of Deoksugung Palace. Participating artists include important figures from Korea’s postwar era such as Kim Tschang-Yeul, Kim Whanki, Nam Kwan, and Yun Hyong-keun, followed by contemporary Korean and Asian artists including Lee Bul, Chung Heeseung, Ho Rui An, and Royce Ng. The exhibition aims to reflect upon and encompass the growth of Asian and Korean art throughout history. 

Displayed in the hallways of Hamnyeongjeon are works created by Korean painters between the 1950s and 1970s, reinterpreted within the traditional setting of Deoksugung Palace. In the ‘Modern and Contemporary Room 2,’ visitors encounter works including Lee Ufan’s signature From Line series and Park Seo-Bo’s Ecriture No. 21-75 (1975), showcased in tandem with Kim Hong Joo’s hyperrealistic portrait titled Untitled (1979). Such juxtaposition provides a striking visual contrast between Dansaekhwa paintings, which exerted a powerful influence on the local arts scene throughout the 1970s, and Kim’s hyperrealistic paintings characterized by his unique technique of using ultra-fine brushstrokes. Seen in the halls of Seogeodang, Junmyeongdang, Jeukjodang, and the outdoor courtyards are a series of contemporary artworks, one of which is Haegue Yang’s Sonic Obscuring Hairy Hug (2020) from the artist’s Sonic Sculptures (2013-) series, employing bells as the main material. The sculpture, covered with black brass- and nickel-plated bells and plastic twine, emits a unique energy as it hangs from the ceiling. At the corner of Hamnyeongjeon stands Suki Seokyeong Kang’s Narrow Meadow #18-04 (2013-2018) and Rove and Round #18-02 (2018-2019), marking a rare encounter between the modern and traditional by blending in with the serene backgrounds of the palace. Along with the exhibition, which runs for approximately a month, Art Plant Asia 2020 will be hosting a series of collateral programs such as Gallery Day along with local and international academic seminars. 


강서경, 김홍주, 박서보, 양혜규, 이우환, 아트 플랜트 아시아 2020 주제전 《토끼 방향 오브젝트》 참가

강서경, 김홍주, 박서보, 양혜규, 이우환이 참가 중인 아트 플랜트 아시아 2020 주제전 《토끼 방향 오브젝트》가 서울 덕수궁에서 11월 22일까지 열린다. 덕수궁이 위치한 정동 쪽을 의미하는 옛말 ‘묘방’(卯方)과 인간 외의 모든 사물을 뜻하는 단어 ‘오브젝트’가 순서 없이 나열된 후 조합된 스크래블 형식의 전시제목은, 한 단어로 정의하기엔 어려운 아시아 및 한국 미술의 복합적인 현재를 상징한다. 덕수궁의 전각, 행각, 야외를 배경으로 펼쳐지는 이번 행사는 근현대 작가 11인(팀), 한국 현대미술가 19명(팀), 아시아 작가 3인의 작품을 조화롭게 선보이며, 한국 및 아시아 현대미술의 역사와 흐름을 돌이켜본다. 전후 시대를 관통하여 활동했던 김창열, 김환기, 남관, 윤형근과 동시대 한국 및 아시아 작가인 이불, 정희승, 호루이안(Ho Rui An), 로이스응(Royce Ng) 등이 참가하고 있다. 

근현대 작품들이 주를 이루는 덕수궁 내 함녕전 행각에서는 1950년대부터 1970년대의 한국미술이 고궁이라는 전통적인 환경에서 재해석된다. 다양한 ‘방’들로 나뉘어져 있는 전시공간 중 근현대 방 2에서는 이우환의 <선으로부터> 시리즈 대표작과 박서보의 <묘법 No. 21-75>가 김홍주의 극사실주의 초상화 <무제>(1979)와 나란히 전시되어, 1970년대 미술계 주류를 형성한 단색화와 이와는 상반되는 세밀한 회화기법을 함께 만날 수 있다. 함녕전 행각에 이어 석어당, 준명당, 즉조당 등의 전각 및 야외 공간에서는 현대미술가들의 작품을 선보이는데, 대표적으로 방울을 전면적으로 활용한 <소리 나는 조각>(2013-) 연작에서 유래된 양혜규의 <소리나는 깜깜이 털투성이 포옹>(2020)이 있다. 검정 놋쇠 도금 방울과 검정색 털로 뒤덮인 작품은 방 안에 홀로 매달린 채 독특한 생명력을 발산한다. 함녕전 행각 한 켠을 차지한 강서경의 두 작품, <좁은초원 #18-04>(2013-2018)과 <둥근 유랑 #18-02>(2018-2019)은 고즈넉한 궁의 풍경과 자연스럽게 어우러지며 현실과 전통의 조우를 상상하게끔 한다. 약 한달 간 진행되는 이번 전시와는 별개로, 삼청동 일대의 갤러리들이 참여하는 ‘갤러리 데이’ 및 사물을 주제로 하는 국내외 세미나들로 구성된 전시 연계 프로그램도 같은 기간 동안 다수 진행될 예정이다.  


[Source from Art Plant Asia 2020 press release]
 
 
2 Bill Viola, Subject of a Major Solo Exhibition at the Busan Museum of Art(BMA), Korea

Bill Viola, The Quintet of the Astonished, 2000 © Bill Viola Studio 

Artist: 빌 비올라 (Bill Viola)
Exhibition Dates: October 21, 2020 – April 4, 2021 
Exhibition Venue: Busan Museum of Art (BMA)
Website: https://art.busan.go.kr/eng/03_display/display01.jsp?amode=view&id=202009281450331996

Bill Viola, the internationally acclaimed video artist who addresses fundamental and existential themes by portraying the sublime in universal experiences including life and death, presence and absence, along with human and nature, is the subject of a major solo exhibition titled Bill Viola: ENCOUNTER at the Busan Museum of Art (hereafter BMA), Korea, through April 4, 2021. The exhibition is held as part of the second edition of the museum’s annual program ‘Lee Ufan and His Friends,’ which was inaugurated in 2019. Viola’s artistic vocabulary, which combines Western methodology with Eastern philosophy, is considered to draw an art historical parallel with the work of Lee Ufan. Viola’s meditative yet innovative works, created throughout the past four decades, are presented across the main building of the BMA, as well as Space Lee Ufan. 

Upon entering the main building of the museum, visitors first encounter works created in between 1995 and 2014. These include The Greeting (1995), first showcased at the Venice Biennale in 1995, and Martyrs (2014), a series of four panels commissioned for a permanent installation in St. Paul’s Cathedral in London. Martyrs, in particular, received much attention across the global art scene at the time as it was unconventional for a cathedral to commission a video as opposed to a traditional painting. The 7-minute-long work, consisting of four plasma screens, reinterprets the ideas of martyrdom within a contemporary context by depicting four individual figures each enduring the excruciating pain caused by one of the four natural elements—earth, water, air, and fire. Displayed at Space Lee Ufan are some of Viola’s earlier works created in the 1970s such as Migration (1976) and The Reflecting Pool (1977-79), which demonstrate the artist’s contemplation on portraying vital themes including the underlying structure of human existence and relationship between mankind and the rest of the world through video.  


빌 비올라, 부산시립미술관에서 개인전 《빌 비올라, 조우》 개최

비디오아트의 거장 빌 비올라는 오는 2021년 4월 4일까지 열리는 부산시립미술관에서의 개인전을 통해 삶과 죽음, 존재와 부재, 물질과 정신, 인간과 자연 등 세계의 본질을 관통하는 작업세계를 펼쳐 보인다. 2019년부터 진행된 부산시립미술관 연례 기획인 ‘이우환과 그 친구들’의 일환으로 개최되는 이번 전시는 동양적인 사상 위에 서구적인 방법론을 가미한 빌 비올라의 작업 세계가 미학적 접근의 면에서 이우환 작가와 그 맥락을 함께 하고 있음을 보여준다. 전시는 미술관 본관과 이우환 공간을 아우르며 빌 비올라의 초기작부터 최근작까지, 지난 40여 년 간 이어져온 명상적이고도 실험적인 작업 등을 폭넓게 감상할 수 있는 기회를 제공한다. 

미술관 본관에서는 1995년부터 2014년에 거의 20여 년에 걸쳐 제작된 작품이 전시된다. 1995년 베니스 비엔날레에서 선보였던 <인사>(1995), 런던 세인트 폴 성당에 영구 설치된 <순교자>(2014) 연작 등 주요 전시작을 만날 수 있다. 특히 <순교자> 연작은 비올라가 세인트 폴 성당의 의뢰로 제작한 작업으로, 당시 전통 회화가 아닌 비디오아트라는 점에서 전세계 미술계의 큰 주목을 받은 바 있다. 물, 불, 흙, 공기 등 ‘자연의 4요소’가 가하는 극한의 고통을 견디는 인간상을 담은 7분짜리 네 가지 영상은 순교에 대한 현대적 해석을 제시한다. 이우환 공간에서 전시 중인 초기작 <이주>(1976), <투영하는 연못>(1977-79) 등은 1970년대 당시 작가가 비디오라는 매체를 통해 제기하고자 했던 ‘인간과 세계와의 관계와 본질적인 존재 구조’에 대한 고찰 그리고 이를 향한 예술적 고뇌를 증명한다. 


[Source from Busan Museum of Art(BMA) website]
 
 
 
3 Elmgreen & Dragset Install Van Gogh’s Ear at K11 MUSEA, Hong Kong

Elmgreen & Dragset, Van Gogh’s Ear, 2016. Installation view: K11 MUSEA, Hong Kong, 2020.
Courtesy of K11 MUSEA


Artist: 엘름그린 & 드라그셋 (Elmgreen & Dragset)
Exhibition Dates: October 7, 2020 – March 31, 2021 
Exhibition Venue: K11 MUSEA Art and Culture Centre 
Website: https://www.k11musea.com/art-and-culture/artwork/?target=van-gogh-s-ear/

The artist duo Elmgreen & Dragset’s large-scale installation, titled Van Gogh’s Ear (2016), will be on view at Victoria Dockside through the end of March 2021 in celebration of the first anniversary of the opening of K11 MUSEA. Internationally acclaimed for their subversive wit and underlying criticality, Elmgreen & Dragset reinterpret familiar spatial structures and question existing cultural stereotypes. Van Gogh’s Ear, which was previously showcased in 2016 at Rockefeller Center in New York, transforms the familiar cityscape faced by Hong Kong residents. The work, making a direct reference to Vincent van Gogh’s left ear which was severed in a fit of mania by the artist himself, provides a refreshing perspective on the structure of the installation, and wittily translates the visual and geometric concepts that prevail in today’s society. 

Van Gogh’s Ear, one of Elmgreen & Dragset’s iconic pieces that demonstrate the duo’s longstanding interest in the swimming pool motif, is an upright, nine-meter-high swimming pool that takes the form of an ear. While its vertical installation prevents it from carrying water, the work features a cyan blue interior (alluding to the presence of water) and a matte-white border, along with elements such as pool lamps, a diving board, and a stainless steel ladder that can easily identify the work as an actual swimming pool. Founded on the Minimalist reductive tradition and using geometric forms, the installation creates a surreal contrast against its hectic urban surroundings, bringing new energy to the city’s iconic neighborhood and challenging existing conventions for public art.  


엘름그린 & 드라그셋, 홍콩 K11 뮤제아(MUSEA)에 <Van Gogh’s Ear>(2016) 설치

작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)이 홍콩 K11 뮤제아(K11 MUSEA) 오픈 1주년을 기념하여 빅토리아 독사이드(Victoria Dockside) 부근 야외공간에서 대규모 설치 작품 <Van Gogh's Ear>(2016)를 2021년 3월 말까지 선보인다. 특유의 위트의 비판정신으로 무장한 채 일상과 도시의 문화구조에 질문을 제기하고 재해석해온 듀오는 2016년, 뉴욕 록펠러 센터에서 처음 공개한 이 작품을 홍콩 도심에 설치함으로써 익숙한 풍경을 바라보는 새로운 관점을 제시한다. 화가 빈센트 반 고흐가 잘라낸 귀를 언급하는 작품제목 역시 보는 이들로 하여금 작품 형태에 대한 색다른 시점의 이해를 권하는 동시에 현대의 시각기호학적 개념을 재치 있게 풀어낸다.  

엘름그린 & 드라그셋이 그간 선보여온 '수영장' 모티프 작업의 연장선에 있는 해당 작품에서 세로로 설치된 수영장은 귀 모양으로 구부러진 형태를 보인다. 쏟아질 수 밖에 없는 구조에 담겨있는 푸른색 물과 이를 둘러싸고 있는 무광 흰색 테두리, 그리고 이와 함께 수면 아래의 조명, 표면의 다이빙 보드, 스테인리스 스틸 소재의 사다리 등 수영장을 구성하는 전형적인 요소들은 일상에서 흔히 찾아볼 수 있는 보편적인 수영장 시설을 재현한다. 미니멀리즘적이고 기하추상적인 형태의 이 작품은 혼잡한 도심과 초현실적인 대비를 이루며, 일상 속 활기를 부여하는 공공미술의 새로운 역할을 자신의 방식대로 탐구한다. 


[Source from K11 MUSEA website]