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May 2026
Kukje Gallery’s Artists in the 61st International Art Exhibition of La Biennale di Venezia
Artists: 마이클 주, 갈라 포라스-김, 최재은, 이우환, 로터스 강, 아니쉬 카푸어 Michael Joo, Gala Porras-Kim, Jae-Eun Choi, Lee Ufan, Lotus L. Kang, Anish Kapoor
Dates: May 9 – November 22, 2026
Venues: 이탈리아 베니스 전역 Multiple locations in Venice, Italy
Website: https://www.labiennale.org/en/art/2026
Dates: May 9 – November 22, 2026
Venues: 이탈리아 베니스 전역 Multiple locations in Venice, Italy
Website: https://www.labiennale.org/en/art/2026
Artists represented by Kukje Gallery—Michael Joo, Gala Porras-Kim, Jae-Eun Choi, Lee Ufan, Lotus L. Kang and Anish Kapoor (in order mentioned)—are participating in the 61st International Art Exhibition of La Biennale di Venezia for approximately 6 months, as well as in various official collateral events and other exhibitions in the city. Under the theme of In Minor Keys, this year’s edition features the work of 110 artists and collectives from around the world, based on the vision and curatorial framework established by the late artistic director Koyo Kouoh, who passed away in May 2025. The title of the exhibition, “In Minor Keys,” refers to the musical notion that further suggests a journey of “collective scores” by bringing up the diverse voices that have been historically marginalized. Regarding this edition, the Biennale commented as follows: “It is an exhibition permeated with spirit, with a sacredness that puts the person, the human being, back at the heart of things, rediscovering the sense of being in the world by reacquiring a sense of proportion with respect to all earthly elements, and by looking at the sky once more.”
Michael Joo (b. 1966)
Title: In Minor Keys
Venue: Arsenale
Michael Joo showcases two large-scale installations in the Arsenale, where the main exhibition of the Venice Biennale unfolds. Working at the intersection of art and science, Joo has consistently explored perceptions, identity, and liminality through multifaceted practices. That Which Evaporates All Around Us (2026) is a large installation in a mobile structure assembled of massive fossil slabs collected over decades, which Joo describes as accumulated record of “deep time, the Anthropocene, and cultural stratification.” This work invites the viewers to physically experience condensed time and human existence in material form as bone-conducting transducers mounted on the underside of the fossil slabs convert sound into low-frequency vibrations. The vibrations pass through the stone, and the sound is “felt” by the body through spatial proximity.
Another work on view is Noospheres (OG: CR Venice) (2026), part of the long-term collaborative project Organic Growth: Crystal Reef (OG: CR), which combines blockchain technology, digital community, algorithms, and marine research. The project foregrounds the direct and active engagement between physical and digital ecosystems to address issues of ecology and community, further connecting the artist’s ongoing interest in crystalline sculptural motifs, community-driven art practices, and decentralized networks.
Joo represented the Korean Pavilion at the 2001 Venice Biennale, presenting a duo exhibition with Do Ho Suh, and also participated in the group exhibition at Palazzo Malta in celebration of the 30th anniversary of the Korean Pavilion.
Gala Porras-Kim (b. 1984)
Title: In Minor Keys
Venue: Applied Arts Pavilion, Arsenale
Gala Porras-Kim presents a range of works at the Applied Arts Pavilion in the Arsenale, organized in collaboration with the Victoria and Albert Museum (V&A), London. Porras-Kim has long examined the complex relationships between cultural artefacts, institutions, and museological systems. Her interest lies in how cultural artefacts are classified and acquire narrative within historical contexts, developed in the exhibition through drawings, sculptures, and video works produced in relation to the methods of conservation. In this context, the artist focuses on how various actors within art and cultural institutions—such as conservators and curators—actively shape the meanings and functions of artifacts. Porras-Kim also explores how decay and deterioration can be generative, bringing forth the object’s other functions and producing new forms. These inquiries resonate with the exhibition’s broader approach to viewing aslant at the archive. Porras-Kim’s presentation is a special collaborative project, selected by Kouoh and participating out of competition.
Jae-Eun Choi (b. 1953)
Title: Grass Babies, Moon Babies
Venue: Japan Pavilion, Giardini
Jae-Eun Choi is participating in the Japan Pavilion exhibition in the Giardini of the Biennale Arte 2026. The only two Asian national pavilions—Korea and Japan—collaborate for the first time in the Biennale Arte 2026. Ei Arakawa-Nash, the participating artist of the Japan Pavilion, has invited artists across genres such as contemporary art, architecture, literature, performance, and more, to present a central theme of “care” in their practice. The collection of their works reflects “care” not only as an emotional value but also as a socially distributed, historically gendered structure of labor.
Especially this year, the Japan Pavilion expands on the framework of the national pavilion through active collaborations with multiple voices rather than a singular national representation. In this context, Jae-Eun Choi introduces her video installation Cycle (1995/2007). The work presented is an extension of her World Underground Project, reconstructing the project in a video format. Since its conception in 1986, World Underground Project visualizes the invisible passage and the trajectory of time through the traces of nature, recorded on washi paper that had been buried underground all around the world. Choi previously presented Micro-Macro (1995), a photographic work derived from the same project, for the Japan Pavilion in 1995, celebrating the 100th year of biennale. Cycle is a video work that records, through microscopic imagery, the growth patterns of microorganisms and organic matter formed on washi paper buried at the foot of Mount Toham in Gyeongju, revealing the cyclical order and generative processes inherent in nature.
Lee Ufan (b. 1936)
Title: Lee Ufan
Venue: SMAC Venice
Lee Ufan, a pioneer of the Japanese Mono-ha movement and a central figure in Korean Dansaekhwa, is the subject of a large-scale solo exhibition, Lee Ufan at San Marco Art Center (SMAC) Venice, presented as an official collateral exhibition of the 61st International Art Exhibition. Curated in close collaboration with the artist, the exhibition traces the development of Lee’s visual language and philosophy over seven decades, featuring paintings, large-scale installations, and a newly commissioned site-specific work. Spanning eight spaces in the art center located at Procuratie in Piazza San Marco, the exhibition reflects the artist’s ongoing dialogue with architectural space, as well as his consistent commitment to shaping environments that evoke profound reflection and broaden perception. Almost in conjunction with the Venice presentation, another solo exhibition of Lee Ufan will take place in Dia Beacon, NY, showcasing new paintings and sculptures. The two exhibitions, unfolding across different continents, attest to his artistic achievements, which transcend genres and regions.
Lotus L. Kang (b. 1985)
Title: The face of desire is loss
Venue: Bvlgari Pavilion, Spazio Esedra, Giardini
Lotus L. Kang has been selected as the inaugural artist for the Bvlgari Pavilion, the official partner project of the Venice Biennale. Known for her complexly layered environments that meld organic, structural and metabolic languages, the work of Lotus L. Kang gives poetic form to reflections on themes spanning inheritance, impermanence, memory, and translation. For the Bvlgari Pavilion, Kang presents The face of desire is loss, an installation that continues her enduring engagement with time as unruly, sedimentary and non-linear. A series of unfixed photographic film anchor the exhibition, suspended from lengths of steel joist. This film will remain continuously sensitive to its environment, developing over the course of the Biennale as it is exposed to the light and humidity of the pavilion. Amidst the skins, Kang installs a series of new sculptural works, rendered from tatami mats, cast objects, spirits, and other changeable forms. Encasing the windows of the space with lengths of 35mm celluloid, Kang disperses the film's duration into a flat, simultaneous plane, as stage lights cast shifting hues of interstitial light across the installation.
Anish Kapoor (b. 1954)
Title: Anish Kapoor: Palazzo Manfrin
Venue: Palazzo Manfrin, Cannaregio
Anish Kapoor’s solo exhibition is taking place at Palazzo Manfrin, concurrently held with the Biennale Arte 2026. The 16th-century building, which houses the artist’s foundation, will open to the public for the second time on this occasion. The exhibition focuses on the past five decades of Kapoor’s oeuvre, bringing together existing and yet-to-be-realized projects, alongside more than 100 architectural models, large-scale installations, and stainless steel sculptures. The exhibition features works from both past and present, including a newly realized large-scale version of At the Edge of the World (1998) and his representative Descent into Limbo (1992), as well as his sculptural series using Vantablack and the cement work Ga Gu Ma (2012). Through his sustained investigation of light, color, and materiality, Kapoor proposes new perceptual experiences in which the viewer’s perception is transformed, using sculpture to expand and absorb space.
Michael Joo (b. 1966)
Title: In Minor Keys
Venue: Arsenale
Michael Joo showcases two large-scale installations in the Arsenale, where the main exhibition of the Venice Biennale unfolds. Working at the intersection of art and science, Joo has consistently explored perceptions, identity, and liminality through multifaceted practices. That Which Evaporates All Around Us (2026) is a large installation in a mobile structure assembled of massive fossil slabs collected over decades, which Joo describes as accumulated record of “deep time, the Anthropocene, and cultural stratification.” This work invites the viewers to physically experience condensed time and human existence in material form as bone-conducting transducers mounted on the underside of the fossil slabs convert sound into low-frequency vibrations. The vibrations pass through the stone, and the sound is “felt” by the body through spatial proximity.
Another work on view is Noospheres (OG: CR Venice) (2026), part of the long-term collaborative project Organic Growth: Crystal Reef (OG: CR), which combines blockchain technology, digital community, algorithms, and marine research. The project foregrounds the direct and active engagement between physical and digital ecosystems to address issues of ecology and community, further connecting the artist’s ongoing interest in crystalline sculptural motifs, community-driven art practices, and decentralized networks.
Joo represented the Korean Pavilion at the 2001 Venice Biennale, presenting a duo exhibition with Do Ho Suh, and also participated in the group exhibition at Palazzo Malta in celebration of the 30th anniversary of the Korean Pavilion.
Gala Porras-Kim (b. 1984)
Title: In Minor Keys
Venue: Applied Arts Pavilion, Arsenale
Gala Porras-Kim presents a range of works at the Applied Arts Pavilion in the Arsenale, organized in collaboration with the Victoria and Albert Museum (V&A), London. Porras-Kim has long examined the complex relationships between cultural artefacts, institutions, and museological systems. Her interest lies in how cultural artefacts are classified and acquire narrative within historical contexts, developed in the exhibition through drawings, sculptures, and video works produced in relation to the methods of conservation. In this context, the artist focuses on how various actors within art and cultural institutions—such as conservators and curators—actively shape the meanings and functions of artifacts. Porras-Kim also explores how decay and deterioration can be generative, bringing forth the object’s other functions and producing new forms. These inquiries resonate with the exhibition’s broader approach to viewing aslant at the archive. Porras-Kim’s presentation is a special collaborative project, selected by Kouoh and participating out of competition.
Jae-Eun Choi (b. 1953)
Title: Grass Babies, Moon Babies
Venue: Japan Pavilion, Giardini
Jae-Eun Choi is participating in the Japan Pavilion exhibition in the Giardini of the Biennale Arte 2026. The only two Asian national pavilions—Korea and Japan—collaborate for the first time in the Biennale Arte 2026. Ei Arakawa-Nash, the participating artist of the Japan Pavilion, has invited artists across genres such as contemporary art, architecture, literature, performance, and more, to present a central theme of “care” in their practice. The collection of their works reflects “care” not only as an emotional value but also as a socially distributed, historically gendered structure of labor.
Especially this year, the Japan Pavilion expands on the framework of the national pavilion through active collaborations with multiple voices rather than a singular national representation. In this context, Jae-Eun Choi introduces her video installation Cycle (1995/2007). The work presented is an extension of her World Underground Project, reconstructing the project in a video format. Since its conception in 1986, World Underground Project visualizes the invisible passage and the trajectory of time through the traces of nature, recorded on washi paper that had been buried underground all around the world. Choi previously presented Micro-Macro (1995), a photographic work derived from the same project, for the Japan Pavilion in 1995, celebrating the 100th year of biennale. Cycle is a video work that records, through microscopic imagery, the growth patterns of microorganisms and organic matter formed on washi paper buried at the foot of Mount Toham in Gyeongju, revealing the cyclical order and generative processes inherent in nature.
Lee Ufan (b. 1936)
Title: Lee Ufan
Venue: SMAC Venice
Lee Ufan, a pioneer of the Japanese Mono-ha movement and a central figure in Korean Dansaekhwa, is the subject of a large-scale solo exhibition, Lee Ufan at San Marco Art Center (SMAC) Venice, presented as an official collateral exhibition of the 61st International Art Exhibition. Curated in close collaboration with the artist, the exhibition traces the development of Lee’s visual language and philosophy over seven decades, featuring paintings, large-scale installations, and a newly commissioned site-specific work. Spanning eight spaces in the art center located at Procuratie in Piazza San Marco, the exhibition reflects the artist’s ongoing dialogue with architectural space, as well as his consistent commitment to shaping environments that evoke profound reflection and broaden perception. Almost in conjunction with the Venice presentation, another solo exhibition of Lee Ufan will take place in Dia Beacon, NY, showcasing new paintings and sculptures. The two exhibitions, unfolding across different continents, attest to his artistic achievements, which transcend genres and regions.
Lotus L. Kang (b. 1985)
Title: The face of desire is loss
Venue: Bvlgari Pavilion, Spazio Esedra, Giardini
Lotus L. Kang has been selected as the inaugural artist for the Bvlgari Pavilion, the official partner project of the Venice Biennale. Known for her complexly layered environments that meld organic, structural and metabolic languages, the work of Lotus L. Kang gives poetic form to reflections on themes spanning inheritance, impermanence, memory, and translation. For the Bvlgari Pavilion, Kang presents The face of desire is loss, an installation that continues her enduring engagement with time as unruly, sedimentary and non-linear. A series of unfixed photographic film anchor the exhibition, suspended from lengths of steel joist. This film will remain continuously sensitive to its environment, developing over the course of the Biennale as it is exposed to the light and humidity of the pavilion. Amidst the skins, Kang installs a series of new sculptural works, rendered from tatami mats, cast objects, spirits, and other changeable forms. Encasing the windows of the space with lengths of 35mm celluloid, Kang disperses the film's duration into a flat, simultaneous plane, as stage lights cast shifting hues of interstitial light across the installation.
Anish Kapoor (b. 1954)
Title: Anish Kapoor: Palazzo Manfrin
Venue: Palazzo Manfrin, Cannaregio
Anish Kapoor’s solo exhibition is taking place at Palazzo Manfrin, concurrently held with the Biennale Arte 2026. The 16th-century building, which houses the artist’s foundation, will open to the public for the second time on this occasion. The exhibition focuses on the past five decades of Kapoor’s oeuvre, bringing together existing and yet-to-be-realized projects, alongside more than 100 architectural models, large-scale installations, and stainless steel sculptures. The exhibition features works from both past and present, including a newly realized large-scale version of At the Edge of the World (1998) and his representative Descent into Limbo (1992), as well as his sculptural series using Vantablack and the cement work Ga Gu Ma (2012). Through his sustained investigation of light, color, and materiality, Kapoor proposes new perceptual experiences in which the viewer’s perception is transformed, using sculpture to expand and absorb space.
국제갤러리, 2026년 베니스비엔날레 제61회 국제미술전 참가
국제갤러리의 전속 작가인 마이클 주, 갈라 포라스-김, 최재은, 이우환, 로터스 강, 그리고 아니쉬 카푸어(이하 언급순)가 약 6개월 간 진행되는 2026년 베니스비엔날레 제61회 국제미술전(이하 베니스비엔날레)과 다양한 공식 병행전시 및 개별 전시에 참여 중이다. 이번 비엔날레의 본전시는 《In Minor Keys》라는 테마 아래, 지난해 5월에 별세한 총감독 고(故) 코요 쿠오(Koyo Kouoh)가 생전에 확립한 구상과 비전을 바탕으로 전세계 총 110명의 작가(팀)의 작품을 소개한다. 전시 제목인 ‘In Minor Keys’는 음악의 단조, 더 나아가서는 그간 소외되어온 다양한 목소리들을 모아 ‘집단적 악보’를 구성하는 하나의 여정이라는 개념을 담고 있다. 비엔날레 측은 “이번 행사는 정신성이 깃든 전시이자 인간을 다시 중심에 놓는다는 점에서 일종의 신성함을 띤다”며 “다른 모든 존재와의 균형감을 되찾고, 다시 하늘을 바라보며 세상 속에서 공존한다는 감각을 회복”하는 방향성을 제시하고자 한다고 밝혔다.
마이클 주(b. 1966)
전시명: 《In Minor Keys》
전시 장소: 아르세날레(Arsenale) 전시장
마이클 주는 베니스비엔날레 본전시가 열리는 아르세날레 공간에서 두 점의 대규모 설치작을 선보인다. 작가는 예술과 과학의 교차점에서 인식과 정체성, 그리고 경계성에 대한 관심과 탐구를 비전형적인 작업으로 구현해왔다. 전시작 중 하나인 〈That Which Evaporates All Around Us〉(2026)는 작가가 지난 수십 년 동안 수집해온 대형 석판을 여러 층의 거대한 모빌로 구성한 작업이다. 작가의 설명에 따르면 “퇴적, 균열, 그리고 지질학적 시간의 압축된 기록”인 이 석판은 응축된 시간과 인간의 존재를 매우 물리적인 방식으로 경험하도록 이끈다. 한편 화석 석판 하단에 장착된 골전도 변환기는 소리를 저주파 진동으로 변환하고 구리 금속을 통해 흐르게 함으로써, 소리를 단순히 ‘들리는 것’이 아닌 신체를 통해 ‘느껴지는 것’의 차원으로 바꾼다.
함께 선보이는 또 다른 설치작 〈Noospheres (OG: CR Venice)〉(2026)는 블록체인, 디지털 커뮤니티, 알고리즘, 그리고 해양 연구를 결합한 장기 프로젝트 ‘Organic Growth: Crystal Reef (OG: CR)’의 일환이다. 이 프로젝트는 물리적 생태계와 디지털 생태계 간의 직접적이고 능동적인 상호작용을 통해 생태와 공동체의 문제를 다루는데, 산호결정체 등에서 차용한 조형적 모티프와 공동체 기반의 예술, 탈중앙화 된 네트워크에 대한 작가의 관심을 연결한다. LED 스크린에 보여지는 영상과 파이프라인 형태의 요소로 구성된 본 작품은 해양 환경 및 공학 기술과 베니스라는 도시가 가진 해상 인프라를 이어내며 고유한 장소성을 부각시킨다.
마이클 주는 지난 2001년에 베니스비엔날레 한국관 작가로 선정되어 서도호 작가와 함께 2인전을 선보였으며, 이를 계기로 2024년에는 베니스 몰타기사단 수도원에서 개최된 한국관 30주년 그룹전에도 참여한 바 있다.
갈라 포라스-김(b. 1984)
전시명: 《In Minor Keys》
전시 장소: 아르세날레 전시장 내 응용미술 파빌리온(Applied Arts Pavilion)
갈라 포라스-김은 런던의 빅토리아 앨버트 박물관(Victoria and Albert Museum, 이하 V&A)과의 협업으로 구성된 아르세날레 내 응용미술 파빌리온에서 다양한 작업을 선보인다. 작가는 그간 문화유물과 기관, 그리고 제도적 관행 사이의 복합적인 관계를 고찰해왔다. 역사적 맥락 속에서 문화적 유물이 어떻게 분류되고 서사를 획득하는지에 대한 포라스-김의 주된 관심은 이번 전시에서 보존의 방법론을 바탕으로 작업한 드로잉, 조각, 영상 등을 통해 다각적으로 발현된다. 이러한 맥락에서 작가는 특히 보존 전문가와 큐레이터 등 미술관 및 문화 기관에 속한 여러 주체들이 어떻게 유물을 둘러싼 의미와 기능을 형성하는지 그 과정을 짚어내는데, 이는 ‘아카이브’를 비스듬히 바라보는 올해 비엔날레의 관점과도 궤를 같이한다. 이번 전시는 베니스비엔날레에서 열리는 일종의 특별 공동 프로젝트로, 코요 쿠오 총감독의 초청을 통해 비경쟁부문으로 마련되었다.
최재은(b. 1953)
전시명: 《Grass Babies, Moon Babies》
전시 장소: 자르디니(Giardini) 공원 내 일본관
최재은 작가는 올해 베니스비엔날레의 일본관 전시에 참여한다. 자르디니 내 유일한 아시아 국가관으로 나란히 자리한 한국관과 일본관은 올해 비엔날레 사상 최초로 상호협력을 도모했다. 일본관 참여 작가인 에이 아라카와-나쉬(Ei Arakawa-Nash)는 현대미술, 건축, 문학, 공연 등 다양한 분야에서 활동하는 예술가들을 초청하여 ‘돌봄(care)’이란 행위를 작업으로 풀어낸다. 이를 통해 ‘돌봄’이 단순한 감정적 차원을 넘어 사회적으로 분배되고 역사적으로 젠더화된 노동의 구조임을 시사한다.
특히 이번 일본관 전시는 단일한 국가적 재현보다는 다층적인 목소리를 피력한 실천적인 협업을 통해 국가관의 틀 자체를 확장하는데, 여기서 최재은은 비디오 설치작 〈순환(Cycle)〉(1995/2007)을 소개한다. 이는 〈월드 언더그라운드 프로젝트(World Underground Project)〉의 연장선상에 있는 동시에 그 결과물을 영상 매체로 재구성한 것이다. 1986년부터 시작된 〈월드 언더그라운드 프로젝트〉는 전 세계 각지의 토양에 종이 ’와시(washi)’를 장기간 매장하고, 그 표면에 기록된 자연의 흔적을 통해 보이지 않는 시간의 흐름과 궤적을 가시화한다. 작가는 1995년 베니스비엔날레 일본관 대표작가로 참여해 동일한 프로젝트로부터 파생된 사진 작업 〈Micro-Macro〉(1995)를 발표한 바 있다. 〈순환〉은 경주 토함산 기슭에 묻혀 있던 와시에 형성된 미생물 및 유기체의 미시적 성장 패턴을 현미경 이미지로 기록한 영상 작업으로, 자연 내부에 존재하는 순환적 질서와 생성의 과정을 드러낸다.
이우환(b. 1936)
전시명: 《이우환(Lee Ufan)》
전시 장소: 산마르코 아트센터(SMAC Venice)
한국 단색화의 중심 인물이자 일본 모노하 운동의 선구자인 이우환은 베니스비엔날레 제61회 국제미술전의 공식 병행전시로 산마르코 아트센터(SMAC Venice)에서 대규모 개인전 《이우환(Lee Ufan)》을 개최 중이다. 아트센터의 여덟 개의 전시장에서 펼쳐지는 이번 전시는 회화, 대규모 설치, 그리고 새로운 장소 특정적 커미션 작품에 이르기까지, 지난 70여 년 동안 작가를 상징해 온 시각 언어 및 철학의 진화 과정을 집약적으로 조망한다. 이와 더불어 전시는 건축적 공간과의 긴밀한 대화를 지속해온 작가의 행보, 그리고 관람자에게 깊은 성찰과 확장된 인식을 유도하는 환경을 조성하고자 하는 일관된 실천을 모두 반영한다. 한편 베니스에서의 전시와 같은 주간인 5월 8일부터는 뉴욕주 비컨에 위치한 디아 비컨(Dia Beacon)에서 이우환의 회화 및 조각 작품을 대거 새롭게 선보인다. 각기 다른 대륙에서 펼쳐지는 두 개의 유의미한 전시는 다양한 장르와 지역을 넘나드는 그의 독보적인 예술적 성취를 조명한다.
로터스 강(b. 1985)
전시명: 《The face of desire is loss》
전시 장소: 자르디니 공원 내 스파치오 에세드라(Spazio Esedra), 불가리 파빌리온
로터스 강이 이번 베니스비엔날레의 공식 파트너 브랜드인 불가리(Bvlgari)의 첫 번째 작가로 선정되어 자르디니 공원 내 스파치오 에세드라(Spazio Esedra)에 위치한 불가리 파빌리온에서 새로운 설치 작품을 선보인다. 로터스 강은 유기적·구조적 형태를 다층적으로 아우르는 고유한 작업 언어를 구축해왔으며, 작가의 작업은 비영속성, 기억, 그리고 번역과 같은 주제를 시적으로 사유한다. 조각, 사진, 그리고 장소 반응적(site-responsive) 설치를 유연하게 넘나드는 그는 불안정한 재료와 고정되지 않은 형태를 작업에 적극적으로 반영함으로써 ‘되어감(becoming)’이라는 생성의 상태를 펼쳐 보인다. 특히 이번 커미션 작품은 시간을 단선적 흐름이 아닌 비선형적인 구조로 탐구해온 작가의 전작들과 자연스럽게 공명한다. 밴쿠버 컨템포러리 아트 갤러리(Contemporary Art Gallery)의 디렉터인 매튜 하일랜드(Matthew Hyland)가 큐레이터로 참여했다.
아니쉬 카푸어(b. 1954)
전시명: 《아니쉬 카푸어: 팔라초 만프린(Anish Kapoor: Palazzo Manfrin)》
전시 장소: 베니스 카나레지오 팔라초 만프린(Palazzo Manfrin)
아니쉬 카푸어는 베니스비엔날레 기간 동안 카나레지오에 위치한 팔라초 만프린에서 개인전을 개최한다. 16세기 건축물인 이 공간은 작가 재단이 자리한 장소로, 이번에 두 번째로 대중 관객들에게 공개된다. 지난 50여 년에 걸친 작가의 작업세계를 조망하는 이번 전시는 기존 작업 및 그간 실현되지 않았던 프로젝트를 포함한 건축 모형 100여 점과 대형 설치, 스테인리스 스틸 조각 등을 총체적으로 구현한다. 특히 〈At the Edge of the World〉(1998)의 새로운 대형 신작과 대표작 〈Descent into Limbo〉(1992)를 비롯해, 반타블랙을 활용한 조각 연작, 시멘트 작업인 〈Ga Gu Ma〉(2012) 등 과거와 현재를 아우르는 작품들이 거대한 공간을 채운다. 빛과 색, 그리고 재료의 물질성과의 관계를 면밀히 탐구해온 카푸어는 조각이 공간을 확장하고 흡수하는 방식을 통해 관람자의 지각을 전환시키는 새로운 경험을 다시금 제안한다.
[Source: Kukje Gallery press release]
마이클 주(b. 1966)
전시명: 《In Minor Keys》
전시 장소: 아르세날레(Arsenale) 전시장
마이클 주는 베니스비엔날레 본전시가 열리는 아르세날레 공간에서 두 점의 대규모 설치작을 선보인다. 작가는 예술과 과학의 교차점에서 인식과 정체성, 그리고 경계성에 대한 관심과 탐구를 비전형적인 작업으로 구현해왔다. 전시작 중 하나인 〈That Which Evaporates All Around Us〉(2026)는 작가가 지난 수십 년 동안 수집해온 대형 석판을 여러 층의 거대한 모빌로 구성한 작업이다. 작가의 설명에 따르면 “퇴적, 균열, 그리고 지질학적 시간의 압축된 기록”인 이 석판은 응축된 시간과 인간의 존재를 매우 물리적인 방식으로 경험하도록 이끈다. 한편 화석 석판 하단에 장착된 골전도 변환기는 소리를 저주파 진동으로 변환하고 구리 금속을 통해 흐르게 함으로써, 소리를 단순히 ‘들리는 것’이 아닌 신체를 통해 ‘느껴지는 것’의 차원으로 바꾼다.
함께 선보이는 또 다른 설치작 〈Noospheres (OG: CR Venice)〉(2026)는 블록체인, 디지털 커뮤니티, 알고리즘, 그리고 해양 연구를 결합한 장기 프로젝트 ‘Organic Growth: Crystal Reef (OG: CR)’의 일환이다. 이 프로젝트는 물리적 생태계와 디지털 생태계 간의 직접적이고 능동적인 상호작용을 통해 생태와 공동체의 문제를 다루는데, 산호결정체 등에서 차용한 조형적 모티프와 공동체 기반의 예술, 탈중앙화 된 네트워크에 대한 작가의 관심을 연결한다. LED 스크린에 보여지는 영상과 파이프라인 형태의 요소로 구성된 본 작품은 해양 환경 및 공학 기술과 베니스라는 도시가 가진 해상 인프라를 이어내며 고유한 장소성을 부각시킨다.
마이클 주는 지난 2001년에 베니스비엔날레 한국관 작가로 선정되어 서도호 작가와 함께 2인전을 선보였으며, 이를 계기로 2024년에는 베니스 몰타기사단 수도원에서 개최된 한국관 30주년 그룹전에도 참여한 바 있다.
갈라 포라스-김(b. 1984)
전시명: 《In Minor Keys》
전시 장소: 아르세날레 전시장 내 응용미술 파빌리온(Applied Arts Pavilion)
갈라 포라스-김은 런던의 빅토리아 앨버트 박물관(Victoria and Albert Museum, 이하 V&A)과의 협업으로 구성된 아르세날레 내 응용미술 파빌리온에서 다양한 작업을 선보인다. 작가는 그간 문화유물과 기관, 그리고 제도적 관행 사이의 복합적인 관계를 고찰해왔다. 역사적 맥락 속에서 문화적 유물이 어떻게 분류되고 서사를 획득하는지에 대한 포라스-김의 주된 관심은 이번 전시에서 보존의 방법론을 바탕으로 작업한 드로잉, 조각, 영상 등을 통해 다각적으로 발현된다. 이러한 맥락에서 작가는 특히 보존 전문가와 큐레이터 등 미술관 및 문화 기관에 속한 여러 주체들이 어떻게 유물을 둘러싼 의미와 기능을 형성하는지 그 과정을 짚어내는데, 이는 ‘아카이브’를 비스듬히 바라보는 올해 비엔날레의 관점과도 궤를 같이한다. 이번 전시는 베니스비엔날레에서 열리는 일종의 특별 공동 프로젝트로, 코요 쿠오 총감독의 초청을 통해 비경쟁부문으로 마련되었다.
최재은(b. 1953)
전시명: 《Grass Babies, Moon Babies》
전시 장소: 자르디니(Giardini) 공원 내 일본관
최재은 작가는 올해 베니스비엔날레의 일본관 전시에 참여한다. 자르디니 내 유일한 아시아 국가관으로 나란히 자리한 한국관과 일본관은 올해 비엔날레 사상 최초로 상호협력을 도모했다. 일본관 참여 작가인 에이 아라카와-나쉬(Ei Arakawa-Nash)는 현대미술, 건축, 문학, 공연 등 다양한 분야에서 활동하는 예술가들을 초청하여 ‘돌봄(care)’이란 행위를 작업으로 풀어낸다. 이를 통해 ‘돌봄’이 단순한 감정적 차원을 넘어 사회적으로 분배되고 역사적으로 젠더화된 노동의 구조임을 시사한다.
특히 이번 일본관 전시는 단일한 국가적 재현보다는 다층적인 목소리를 피력한 실천적인 협업을 통해 국가관의 틀 자체를 확장하는데, 여기서 최재은은 비디오 설치작 〈순환(Cycle)〉(1995/2007)을 소개한다. 이는 〈월드 언더그라운드 프로젝트(World Underground Project)〉의 연장선상에 있는 동시에 그 결과물을 영상 매체로 재구성한 것이다. 1986년부터 시작된 〈월드 언더그라운드 프로젝트〉는 전 세계 각지의 토양에 종이 ’와시(washi)’를 장기간 매장하고, 그 표면에 기록된 자연의 흔적을 통해 보이지 않는 시간의 흐름과 궤적을 가시화한다. 작가는 1995년 베니스비엔날레 일본관 대표작가로 참여해 동일한 프로젝트로부터 파생된 사진 작업 〈Micro-Macro〉(1995)를 발표한 바 있다. 〈순환〉은 경주 토함산 기슭에 묻혀 있던 와시에 형성된 미생물 및 유기체의 미시적 성장 패턴을 현미경 이미지로 기록한 영상 작업으로, 자연 내부에 존재하는 순환적 질서와 생성의 과정을 드러낸다.
이우환(b. 1936)
전시명: 《이우환(Lee Ufan)》
전시 장소: 산마르코 아트센터(SMAC Venice)
한국 단색화의 중심 인물이자 일본 모노하 운동의 선구자인 이우환은 베니스비엔날레 제61회 국제미술전의 공식 병행전시로 산마르코 아트센터(SMAC Venice)에서 대규모 개인전 《이우환(Lee Ufan)》을 개최 중이다. 아트센터의 여덟 개의 전시장에서 펼쳐지는 이번 전시는 회화, 대규모 설치, 그리고 새로운 장소 특정적 커미션 작품에 이르기까지, 지난 70여 년 동안 작가를 상징해 온 시각 언어 및 철학의 진화 과정을 집약적으로 조망한다. 이와 더불어 전시는 건축적 공간과의 긴밀한 대화를 지속해온 작가의 행보, 그리고 관람자에게 깊은 성찰과 확장된 인식을 유도하는 환경을 조성하고자 하는 일관된 실천을 모두 반영한다. 한편 베니스에서의 전시와 같은 주간인 5월 8일부터는 뉴욕주 비컨에 위치한 디아 비컨(Dia Beacon)에서 이우환의 회화 및 조각 작품을 대거 새롭게 선보인다. 각기 다른 대륙에서 펼쳐지는 두 개의 유의미한 전시는 다양한 장르와 지역을 넘나드는 그의 독보적인 예술적 성취를 조명한다.
로터스 강(b. 1985)
전시명: 《The face of desire is loss》
전시 장소: 자르디니 공원 내 스파치오 에세드라(Spazio Esedra), 불가리 파빌리온
로터스 강이 이번 베니스비엔날레의 공식 파트너 브랜드인 불가리(Bvlgari)의 첫 번째 작가로 선정되어 자르디니 공원 내 스파치오 에세드라(Spazio Esedra)에 위치한 불가리 파빌리온에서 새로운 설치 작품을 선보인다. 로터스 강은 유기적·구조적 형태를 다층적으로 아우르는 고유한 작업 언어를 구축해왔으며, 작가의 작업은 비영속성, 기억, 그리고 번역과 같은 주제를 시적으로 사유한다. 조각, 사진, 그리고 장소 반응적(site-responsive) 설치를 유연하게 넘나드는 그는 불안정한 재료와 고정되지 않은 형태를 작업에 적극적으로 반영함으로써 ‘되어감(becoming)’이라는 생성의 상태를 펼쳐 보인다. 특히 이번 커미션 작품은 시간을 단선적 흐름이 아닌 비선형적인 구조로 탐구해온 작가의 전작들과 자연스럽게 공명한다. 밴쿠버 컨템포러리 아트 갤러리(Contemporary Art Gallery)의 디렉터인 매튜 하일랜드(Matthew Hyland)가 큐레이터로 참여했다.
아니쉬 카푸어(b. 1954)
전시명: 《아니쉬 카푸어: 팔라초 만프린(Anish Kapoor: Palazzo Manfrin)》
전시 장소: 베니스 카나레지오 팔라초 만프린(Palazzo Manfrin)
아니쉬 카푸어는 베니스비엔날레 기간 동안 카나레지오에 위치한 팔라초 만프린에서 개인전을 개최한다. 16세기 건축물인 이 공간은 작가 재단이 자리한 장소로, 이번에 두 번째로 대중 관객들에게 공개된다. 지난 50여 년에 걸친 작가의 작업세계를 조망하는 이번 전시는 기존 작업 및 그간 실현되지 않았던 프로젝트를 포함한 건축 모형 100여 점과 대형 설치, 스테인리스 스틸 조각 등을 총체적으로 구현한다. 특히 〈At the Edge of the World〉(1998)의 새로운 대형 신작과 대표작 〈Descent into Limbo〉(1992)를 비롯해, 반타블랙을 활용한 조각 연작, 시멘트 작업인 〈Ga Gu Ma〉(2012) 등 과거와 현재를 아우르는 작품들이 거대한 공간을 채운다. 빛과 색, 그리고 재료의 물질성과의 관계를 면밀히 탐구해온 카푸어는 조각이 공간을 확장하고 흡수하는 방식을 통해 관람자의 지각을 전환시키는 새로운 경험을 다시금 제안한다.
[Source: Kukje Gallery press release]
