Kukje Gallery is pleased to present Park Chan-kyong’s solo exhibition Zen Master Eyeball, on view at K1 and featuring 24 recent paintings. Over the past three decades, Park has explored the modernity of Korea and East Asia through themes of national division, the Cold War, tradition, and folk belief. Rather than treating tradition as a choice between repression and celebration, or rupture and continuity, Park sees it as something that repeatedly resurfaces through modernization and Westernization—as symptoms, questions, energies, and resources.

In this exhibition, Park draws upon temple murals and Joseon-dynasty folk paintings, reinterpreting vernacular aesthetics to foreground elements of the grotesque, the sublime, fantasy, and humor. By interweaving and exaggerating the visual languages of Buddhist hanging scrolls (taenghwa), folk paintings, and even comics, he seeks not to preserve tradition as a fixed notion of “cultural heritage,” but, in his words, to “awaken those concepts and images of tradition that have been dozing off.”

The work Zen Master Eyeball (2025) reimagines the wellknown Zen story of the monk Juzhi (known in Korea as Guji). In the original tale, Juzhi cut off the finger of a novice who merely imitated his gesture of raising a single finger to signify enlightenment without understanding it. Park adapts this story into a fictional narrative painting centered on the figure of “Zen Master Eyeball.” In the painting, the novice may be read as a metaphor for a painter—or even for the artist himself. The scene can thus be understood as a somewhat self-deprecating question posed by a visual artist who endlessly imitates others and only arrives at true insight after losing his eyes. Other works similarly transform episodes from Buddhist lore into what might be described as a kind of grotesque, Zeninspired science fiction. Huike Offering His Arm to Bodhidharma (2026) depicts the story of the monk Huike (Hyega), who cut off his arm to seek the Dharma, while Zen Master Hyetong (2025) reinterprets the tale of the monk Hyetong carrying a brazier on his head to demonstrate his determination to learn the Buddha’s teachings.

Meanwhile, Strange Rock 1 (2025), Strange Rocks (2025), and Projection series function as pictorial riddles that raise questions about hyeonhak (玄學), a Daoist concept referring to the mysterious order of the cosmos. Park suggests that historical paintings of strange rocks had already imagined a “universe without humans,” resonating with contemporary attempts to move beyond anthropocentric ways of thinking.

In Zen Master Eyeball, Park shifts from the film and photographic media that have long formed the core of his practice to the medium of painting. Yet, scenes referencing painting—such as Buddhist murals and folk paintings—have appeared repeatedly in his earlier works, and the artist has also consistently expressed his views on painting through his exhibitions and writings. Through this exhibition, Park conveys his latest reflections on painting, focusing less on individual originality or personal expression than on a form of anonymous creativity that emerges through processes of repetition and transmission accumulated over time within a community. In East Asian folk and landscape paintings, images have often placed other images within themselves, while echoing, borrowing from, and imitating wellknown precedents, ultimately to continuously renew themselves.
What emerges is not the assertion of singular authorship, but a form of collective originality—a theme that runs throughout the works in this exhibition.

Another reflection on painting appears in the series Futile Effort, in which the artist paints a single stone each day and marks it with the date. Much like the humble act of stacking stones as a gesture of prayer or wish-making—an act with no practical function yet one that acquires an intimate and precious meaning precisely for that reason—the act of painting may likewise be understood as a form of “meaningful futility,” or as a suggestion that futility itself may hold meaning. If countless “eyeballs” staring at smartphones and monitors across contemporary society are driven to exhaustion, this “meaningful futility” evokes a ritualistic image that contrasts with the meaningless overwork of the nervous system.

About the Artist
Park Chan-kyong (b. 1965) is a Seoul-based artist. He received his BFA in Painting from Seoul National University in 1988 and his MFA in Photography from the California Institute of the Arts in 1995. In 2019, he was selected for the MMCA Hyundai Motor Series. Major solo exhibitions have been held at the Smithsonian National Museum of Asian Art, Washington, DC (2023); Kukje Gallery, Seoul (2017); and Atelier Hermès, Seoul (2008). He has also participated in the Seoul Mediacity Biennale (2025), Aichi Triennale (2019), and Taipei Biennial (2016). Park served as artistic director of the 2014 SeMA Biennale Mediacity Seoul. He has also continued his activities as a curator, including the exhibition A Faraway Today (2025) at Kukje Gallery. His works are held in the collections of the MMCA; Art Sonje Center; Solomon R. Guggenheim Museum; Tate Modern; KADIST; and M+.

국제갤러리는 3월 19일부터 5월 10일까지 K1에서 박찬경의 개인전《안구선사(眼球禪師)》를 개최한다. 국제갤러리에서 9년 만에 선보이는 작가의 전시로, 최근 작업한 회화 작품 24점을 중심으로 구성된다. 박찬경은 지난 30여 년 동안 분단과 냉전, 전통과 민간신앙을 하나의 렌즈로 삼아 한국과 동아시아의 근대성을 살펴왔다. 그는 전통을 근대화·서구화의 과정에서 억압과 찬양, 단절과 계승이라는 이분법적 선택지로 보기를 지양하고, 오히려 그 과정에서 반복적으로 출몰하는 병적 징후이자 의문, 에너지 혹은 자원 등으로 여긴다.

이번 전시에서 그는 사찰 벽화와 조선 민화를 빌어오고 해석하면서, 민간의 전통 미학에 내재한 그로테스크, 숭고, 판타지, 유머 등을 이끌어낸다. 탱화나 민화, 때로는 만화적 형식을 뒤섞고 간추리며 과장하는 방식은, 흔히 ‘문화유산’이나 ‘전통문화’라는 이름 아래 안온하게 틀 지워진 관념 대신, 작가의 말에 따르면, “졸고 있는 전통의 관념과 이미지들을 깨우고자” 하는 시도이다.

전시 제목과 동명의 작품인〈안구선사〉(2025)는 한국 사찰에 흔히 그려지는 ‘구지선사(俱胝禪師)’ 이야기를 변형한 것이다. 제자의 손가락을 잘라 깨달음을 얻게 했다는 설화를 바꿔, 안구선사라는 가상의 이야기 그림으로 각색했다. 작품 속 동자는 화가 또는 작가 자신을 비유하기도 하며, 항상 무언가를 모방하다가 눈이 뽑히고 나서야 비로소 깨닫게 된다는 다소 자학적인 '시각예술가'의 선문답이라고도 볼 수 있다. 또한 도를 얻기 위해 자신의 팔을 잘랐다는 혜가의 고사를 그린 〈혜가단비도〉(2026)와 스승에게 화로를 머리에 이고 가 불법(佛法)을 배우고자 하는 결의를 보인 혜통의 이야기를 해석한〈혜통선사〉(2025) 역시 불가에서 전해오는 에피소드를 일종의 ‘선불교 그로테스크 SF’로 변형한 작업이다.

한편 〈괴석 1〉,〈괴석들〉과〈프로젝션〉연작은 기암괴석 그림에 배어 있는 현학(玄學, 노장사상에서 말하는 우주의 오묘한 이치)에 대해 묻는 일종의 ‘그림 퀴즈’로, 작가는 옛 괴석도가 이미 ‘인류 없는 우주’를 상상했다는 점에서 인간 중심의 사유에서 벗어나려는 작금의 노력과 맞닿아 있다고 본다.

《안구선사》에서 작가는 기존에 중점적으로 다뤄온 영상과 사진이라는 매체에서 회화로의 전환을 보여준다. 그러나 그의 과거 작업에도 불교 벽화, 민화 등 회화를 참조한 장면들이 반복적으로 등장했으며, 전시 기획과 글을 통해서도 작가는 그림에 대한 의견을 꾸준히 피력해왔다. 박찬경은 이번 전시를 통해 회화에 대한 최근의 생각을 드러내는데, 특히 개인의 독창성이나 개성을 전면에 내세우기보다는 공동체 안에서 익명으로 전승되는 그림의 창조성에 주목한다. 민화와 산수화가 그림 속에 또 다른 그림을 삽입하고 문자와 이미지를 상호 참조하며 기존의 도상을 흉내내면서 오랜 시간 스스로 갱신해 왔듯, 이번 출품작 전반에는 이러한 ‘집단적 독창성’에 대한 신뢰가 깔려 있다.

그림에 대한 작가의 또 다른 생각은 하루에 한 개씩 돌을 그리고 날짜를 붙인 그림〈헛수고〉 연작에서 드러난다. 돌탑을 쌓는 소박한 기복 행위가 실질적인 기능이 없기 때문에 오히려 내밀하고 소중한 의미를 갖듯이, 그림을 그리는 행위 역시 ‘의미 있는 헛수고’, 또는 ‘헛수고의 의미’로 이해될 수 있다는 제안이다. 현대 사회 곳곳에서 스마트폰과 모니터를 응시하는 ‘안구들’이 몸과 분리된 채 피로에 시달리고 있다면, ‘의미 있는 헛수고’는 ‘신경조직의 무의미한 중노동’과 대비되는 수행적 이미지에 가깝다.

작가 소개
서울을 기반으로 활동하는 박찬경(b. 1965)은 1988년 서울대학교 미술대학 서양화과를 졸업하고 1995년 미국 캘리포니아 예술대학(California Institute of the Arts)에서 사진 전공으로 석사 학위를 받았다. 국립현대미술관의 ‘MMCA 현대차 시리즈 2019’작가로 선정된 바 있으며, 주요 개인전으로는《Park Chan-kyong: Gathering》(스미스소니언 국립아시아미술관, 미국 워싱턴, 2023), 《안녕 安寧 Farewell》(국제갤러리, 2017)《신도안》(아뜰리에 에르메스, 2008) 등이 있다. 이 밖에도 서울미디어시티비엔날레(2025), 아이치 트리엔날레(2019), 타이베이 비엔날레(2016) 등에 참여하였다. 또한 SeMA 비엔날레 미디어시티서울《귀신 간첩 할머니》(2014)의 예술감독을 역임하고, 국제갤러리 한옥 기획전《아득한 오늘》(2025)을 선보이는 등 기획자로서의 행보도 이어가고 있다. 작가의 작품은 국립현대미술관, 아트선재센터, 뉴욕 구겐하임 미술관, 런던 테이트 모던, 파리 카디스트(KADIST), 홍콩 M+ 등 국내외 주요 기관에 소장되어 있다.