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Candida Höfer - RENASCENCE

Candida Höfer RENASCENCE

May 23 – July 28, 2024


“I want to show what is not just modern but to show something that holds eternity.”[1]
-Candida Höfer
Kukje Gallery is pleased to present RENASCENCE, a solo exhibition of new works by the internationally celebrated artist Candida Höfer, on view in K2 from May 23 through July 28, 2024. Four years since the artist’s solo exhibition in the gallery’s Busan space, this exhibition features 14 works selected from her latest series documenting historic buildings that underwent renovations during the pandemic, as well as previously photographed sites the artist has revisited. Over the past five decades, Höfer has photographed the interiors of culturally significant public spaces around the world, including libraries, museums, and concert halls with her signature compositional precision and detail. Höfer, who has focused on an absence of inhabitants that inversely emphasizes rich social and historical implications of public spaces, reveals a unique framing of global adversities through a lens of recovery and renewal.

The exhibition’s title “renascence,” which commonly refers to a revival of what has become obsolete, is situated at the intersecting issues of the physical and institutional “regeneration” of Western cultural spaces with deep historical resonances and the “recovery” of the public sphere after the paralysis caused by the pandemic. In her photographs, the architectural renovations, which had already been underway since the 2010s for some of the museums featured, were carried out in strict accordance with restoration standards, focusing on retaining traces of the past while reorganizing the infrastructure to keep up with today’s requirements. Höfer's camera lens captures this restraint, framing the architects’ methodical approach to the careful restoration of these diverse cultural landmarks as illuminated by the artist’s objective and neutral gaze. In this light, her works can be seen as a spatial portrait of encounters between a range of subjects, including the history of each building, the interventions of architects and institutions, and the artist’s own aesthetic perspectives. These thematic layers align with Höfer’s distinctive technical methods—foregoing lighting equipment and minimizing subjective intervention—that underscore her approach to photography as an investigation into public spaces that exist as products of human cultural activities.
At the same time, the works lead to questions about institutional and social renewal of the public sphere, analogized by the architectural renovations, and further extend to larger concerns revolving around the sustainability of public institutions as they respond to shifting urban ecologies and pressures highlighted by the pandemic and climate change. Through the values of renewal and regeneration offered in Höfer's work, the exhibition encourages the viewer to reexamine those years of the pandemic—often described in terms of “rupture” or “hiatus”—as a time of continuity, in which traces of the past are renewed and updated in relation to the present and future.

The first floor of K2 displays selections from the series focusing on changes (following renovation) in the interior space of the Carnavalet Museum (Musée Carnavalet) in Paris, France. Dedicated to the history of Paris, the museum first opened to the public in 1880 and consists of two neighboring mansions—the 16th-century Renaissance-style Hôtel Carnavalet and the 17th-century Hôtel Le Peletier de Saint-Fargeau. Beginning in 2016, the museum, which boasts a rich tradition, underwent a renovation led by Chatillon Architects with a focus on preserving the unique charm of the place while establishing a more coherent layout to accommodate more visitors. The museum has been operated by the city of Paris since its opening.
Upon her site visit in 2020 ahead of its reopening in 2021, Höfer paid attention to the new serpentine steel-and-wood staircase from various angles as a visual motif that connects the multi-temporal fragments of the city’s history collected throughout different levels of the museum. By capturing the modern intervention as encapsulating the accumulated layers of time, she encourages her viewers to appreciate the history of space based on visual clarity and compositional flatness. The staircase forms a stark visual contrast with a mural depicting a dramatic and theatrical setting. Originally commissioned in 1925 for the ballroom of the Hôtel de Wendel, the mural decor of the ballroom was reinstalled at the museum in 1989 and restored during the renovation. Höfer’s works highlight the quality of transparency and luminosity accentuated by the gold frames that surround the many arched thresholds and the natural light flooding the space, while also reframing it with new spatial order through formal elements, such as the symmetrical composition and decorative motifs.

The theatrical atmosphere emphasized by the visual elements of the red curtain in the restored mural of the Carnavalet Museum continues in the series of works depicting an empty stage and auditorium of the Komische Oper, one of Berlin’s three major opera companies. The existing building of the opera house, which dates back to the late 19th century, was severely damaged during the Second World War and had been restored in the 1960s and 80s since its reopening under the current name in 1947. Currently, the building is undergoing another extensive renovation and expansion process, including new facilities such as rehearsal rooms and backstage area. The Komische Oper Berlin 2022 series on view in the gallery was created from Höfer’s visit to the place in 2022, prior to the renovation which began in 2023. While the series depicts a portrait of space before the changes, it leads the viewer to predict what lies ahead, for Höfer’s photographs serve as “carriers of time” both containing and transporting countless traces of changes accumulated since the original construction of the building. As such, the viewer becomes a witness to the changes harbored in the space seen through Höfer’s lens.

The second floor of K2 presents a series of works focused on the New National Gallery (Neue Nationalgalerie), a modernist landmark in Berlin, following its renovation. Known as the “temple of light and glass,” the New National Gallery was built between 1965 and 1968 in the Kulturforum, West Berlin's cultural and artistic district. Designed by the modernist master Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), it is considered an icon of twentieth-century architecture. The museum building is a monumental work of genius that Mies van der Rohe gifted his home country after 30 years of exile in the United States, and it is a culmination of his architectural philosophy of “less is more” pursued throughout his life. The museum recently underwent a major refurbishment under the lead architect David Chipperfield (b. 1953) based on the principle of retaining “as much Mies as possible.” The museum’s infrastructure was reorganized and strengthened by dismantling individual components of the building and returning them to their original positions after a cleaning and restoration process. Höfer visited the place in 2021, immediately after the refurbishment, and captured various parts of the renewed space while alluding to the traces of human activities implied, conversely, by their absence. As the minimal intervention preserves the past trajectories of pre-refurbishment visitors and construction workers alike, the work becomes a site for intersections and coordination of various human activities.

Also on display are selections from the Stiftsbibliothek St. Gallen 2021 series, in which the artist revisits the Abbey Library of Saint Gall featured in her series from 2001. The 2021 revisit of the site was part of her preparation for Candida Höfer: Liechtenstein held at the Kunstmuseum Liechtenstein in Vaduz the following year. The abbey, located in the city of St. Gallen, was considered one of the most important monasteries in Europe, from its establishment in 719 to its dissolution in 1805, and was extensively renovated in the Baroque style in the 18th century. In 1983, it was designated as a UNESCO World Heritage Site. In her 2001 series showing the Abbey Library, Höfer’s camera highlights the interior hall’s defining features, such as the elaborate frescoes and the vaulted ceiling with Rococo molding, drawing the viewer’s attention to the spatial order and systems for perpetuating the optimistic view of intellectual progress. The series further captures rare instances of visitors using the library. In her revisit in 2021, she not only excludes the element of human presence but highlights the empty interior space where past and present intersect. By focusing instead on the traces of human activity that once occupied the space and capturing the subtle atmospheric sensations that animate it, her formal rigor and emphasis on symmetry provide a portrait of vacant public space that embodies an eternal sense of time.

About the Artist
Born in Eberswalde, Germany in 1944, Candida Höfer attended the Kunstakademie Düsseldorf from 1973 to 1982, where she studied film with the Danish filmmaker Ole John (b. 1939) and photography under the influential photographers Bernd Becher (1931-2007) and Hilla Becher (1934-2015). Collectively referred to as the first generation of the “Becher class” alongside her contemporaries Thomas Struth (b. 1954), Thomas Ruff (b. 1958), and Andreas Gursky (b. 1955). Höfer held her first solo exhibition at the Konrad Fischer Galerie in Düsseldorf in 1975. Over the past five decades, she has explored the interiors of cultural and institutional buildings, with a particular focus on spaces defined by human absence, through her meticulous composition and keen attention to details.
Widely exhibited around the world through innumerable solo and group exhibitions, Höfer's works have been shown at Documenta11 (2002) in Kassel, Germany, as well as having represented Germany alongside Martin Kippenberger at the national pavilion of the 50th edition of La Biennale di Venezia (2003) in Italy. She was the recipient of the Outstanding Contribution to Photography award by the Sony World Photography Awards in April of 2018. This year, in September, she will receive the Käthe Kollwitz Prize 2024 organized by the Berlin Academy of Arts. Her works can be found in major collections including the Museum of Modern Art in New York, the Centre Pompidou in Paris, the Bibliothèque nationale de France in Paris, the Museum Ludwig in Cologne, the Moderna Museet in Stockholm, the Museo Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, Museo Guggenheim Bilbao, the National Museum of Modern and Contemporary Art in Seoul, the Rubell Family Collection in Miami, and the Friedrich Christian Flick Foundation in Zürich. Candida Höfer currently resides and practices in Cologne.

[1] Artist’s notes.
“현대적일 뿐 아니라 영원성을 간직하고 있는 어떤 것을 보여주고 싶다.” – 칸디다 회퍼[1]

국제갤러리는 오는 5월 23일부터 7월 28일까지 서울점 K2(1, 2층)에서 칸디다 회퍼(Candida Höfer)의 개인전 《RENASCENCE》를 개최한다. 지난 2020년 부산점에서의 개인전 이후 4년 만에 열리는 이번 전시에서는 앞선 팬데믹 기간에 리노베이션 중이었던 건축물, 그리고 과거에 작업한 장소를 재방문하여 작업한 신작 14점을 선보인다. 회퍼는 지난 50여 년의 시간 동안 사진이라는 매체를 이용해 도서관, 박물관, 공연장 등 문화적 장소를 정밀한 구도와 디테일로 담아내는 데 주력해왔다. 인간의 부재를 부각함으로써 역설적으로 공적 공간이 상정하는 인간의 풍요로운 사회적 활동과 그 역사를 강조해온 작가는 이번 신작들을 통해 전인류적 역경을 회생과 쇄신의 관점에서 바라보고자 한다.

‘다시 태어나다’라는 의미로 직역되는 전시 제목 ‘Renascence’는 오랜 역사를 축적한 서구 문화기관의 물리적, 제도적 ‘재생’과 팬데믹 이후 공공영역의 ‘회복’이라는 주제의 교차점에 위치한다. 특히 전시작의 피사체로 등장하는 미술관 및 박물관들은 2010년대부터 기념비적 건축물의 복원 기준에 따라 과거의 흔적을 보존하는 동시에 오늘날의 현대적 속도에 맞추기 위한 기반시설의 재정비에 중점을 두고 리노베이션을 진행해왔다. 회퍼의 카메라 렌즈는 문화공간의 지지체를 복원하는 건축가들의 절제된 시각을 드러내는 동시에 작가 특유의 객관적, 중립적 시선의 미학을 담는다. 그의 작업은 곧 건축물의 역사, 건축가와 제도의 개입, 작가 본인의 미학적 관점 등 서로 다른 주체들이 조우하는 특정 공간의 초상이기도 하다. 이러한 주제는 인공적인 조명 연출을 배제하고 주관적인 개입을 최소화함으로써 인간 문화활동의 산물로서 존재하는 공적 공간의 면모를 투명하게 조명하는 그의 작업 방식과도 조화를 이룬다.
한편 이번 작품들은 건축물의 리노베이션이라는 물리적 재생이 은유하는 공공영역의 제도적, 사회적 재생에 대한 질문으로 이어지며, 팬데믹과 기후 위기 등 도시 생태계의 변화에 유연하게 반응하기 위한 해당 공공기관의 지속가능성에 대한 고민으로도 확장된다. 그 결과, 이번 전시는 작품이 제시하는 쇄신과 재생의 가치를 통해 ‘단절’이나 ‘멈춤’으로 표현되는 팬데믹의 시간을 리노베이션 전후에 놓인 건축물의 유기적 생애주기라는 관점에서 과거와 미래가 공존하는 연속성의 시간으로 재고찰하도록 권유한다.

전시는 K2 1층, 프랑스 파리에 위치한 카르나발레 박물관(Musée Carnavalet)의 리노베이션 이후 내부 공간의 변화에 주목한 작업에서 출발한다. 파리의 역사를 한눈에 담은 카르나발레 박물관은 1880년에 개관했으며, 16세기에 지어진 르네상스 양식의 카르나발레 저택(Hôtel Carnavalet)과 17세기 건축물인 르 펠레티에 드 생-파르고 저택(Hôtel Le Peletier de Saint-Fargeau), 두 개의 건물로 구성되어 있다. 유구한 전통을 자랑하는 박물관은 2016년부터 샤티용(Chatillon) 건축설계사가 중심이 된 협업으로 리노베이션을 진행했는데, 특히 장소 고유의 매력을 보존하면서도 국제적 범위로 확장된 규모의 방문객을 수용할 수 있는 유기적이고도 통일성을 갖춘 레이아웃의 수립을 최우선 목표로 삼았다. 박물관은 개관 이래 현재까지 파리시에 의해 운영되고 있다.
회퍼는 2021년 재개관을 앞둔 2020년에 이곳을 방문했다. 리노베이션을 통해 추가된 철제와 나무 재질의 나선형 계단을 다각도로 주목한 작가는 이를 고대부터 현대를 관통하는 파리시의 파편적인 역사와 박물관의 다층적 시간대를 연결하는 현대적인 시각적 모티프로 삼고 내부의 구조를 조명한다. 켜켜이 쌓인 무수한 시간들을 간결한 모더니즘적 제스처로 함축하는 현장을 카메라 앵글에 담아냄으로써 공간의 변천사를 시각적 명료함과 구상적 평면성에 기반해 감상하도록 유도하는 방식이다. 이는 박물관 1층 복도 끝 공간을 가득 메운 드라마틱하고도 장식적인 벽화를 촬영한 작품들과 나란히 설치되어 극명한 대비를 이룬다. 벤델 대저택(Hôtel de Wendel)의 무도회장을 위해 1925년 커미션으로 제작된 이 벽화 작업은, 1989년 박물관에 재설치된 이후 최근 복원 과정을 거쳐 새롭게 그 자태를 드러낸다. 특히 이 작품들은 창문과 거울 테두리의 금색 프레임, 공간을 압도하는 자연광으로 인한 투명성과 광도를 부각시키는 동시에 대칭 구도나 역동적 장식 등의 조형 요소로 공간에 새로운 질서를 부여한다.

카르나발레 박물관의 복원된 벽화에서 붉은 장막이라는 시각적 요소로 강조되는 장식적이고도 연극적인 분위기는 베를린의 코미셰 오페라(Komische Oper Berlin)의 텅 빈 무대와 관객석을 담은 또 다른 연작과 연결된다. 코미셰 오페라의 원형이 되는 19세기 후반의 건축물은 2차 세계대전 공습으로 심각한 손상을 입었고, 1947년 전후 동독 산하에서 현재의 이름으로 재개관했다. 이후 본 건물은 1960년대에 재건축되었고, 1980년대에 다시 복원 과정을 거친 바 있다. 2023년부터 현재까지는 리허설과 백스테이지 공간을 확장하는 등 리노베이션이 진행 중인데, 회퍼는 2022년도에 이 장소를 방문해 촬영했다. 비록 변화 이전의 모습을 피사체로 삼았지만, 그에게 공간이란 건축물이 처음 지어지던 순간부터 이후 수많은 변화의 흔적들이 가미된 여정을 실어 나르는 ‘시간의 매개체’ 역할을 하며 이곳에서 앞으로 벌어질 일을 예견하도록 독려한다. 이때 관람객은 공간의 변화를 목도하는 목격자의 임무를 수행하게 된다.

K2 2층에는 베를린에 위치한 또 다른 모더니즘의 랜드마크인 베를린 신국립미술관(Neue Nationalgalerie)의 리노베이션 이후의 모습을 선보인다. 1965년과 1968년 사이에 서베를린의 문화예술 지역인 쿨트르포럼(Kulturforum)에서 모더니즘 건축의 거장인 루트비히 미스 반 데어 로에(Ludwig Mies van der Rohe, 1886-1969)의 설계로 지어진 베를린 신국립미술관은 ‘빛과 유리의 전당’으로 불리는 서구 모더니즘의 아이콘이다. 유리와 철재로만 제작된 미술관 건물은 미스 반 데어 로에가 미국 망명 30년 만에 모국에 남긴 기념비적인 작품으로, 그가 일생 동안 일관되게 추구해 온 ‘적을수록 많다(Less is more)’라는 건축 철학과 기술력의 총 집합체다.
베를린 신국립미술관은 2015년부터 6년에 걸쳐 건축가 데이비드 치퍼필드(David Chipperfield, b.1953)의 지휘 하에 기존 인테리어 자재의 보존을 원칙으로 한 보수 작업을 진행했다. “최대한 기존 비전 그대로(As much Mies as possible)”를 모토로, 건축물의 개별 구성요소들을 해체한 후 청소 및 복원 과정을 거쳐 원래 위치에 복구하는 등 새로운 건축가의 개입은 최소화하고 기반시설의 보존 및 강화 등에 주력했다. 회퍼는 복원 직후인 2021년 이곳을 방문, 재정비를 거친 공간 곳곳을 카메라 렌즈로 포착하며 다시금 작품에 드러나지 않는 인간의 흔적들을 암시했다. 여기에는 복원 이전의 방문객들과 복원 과정에 직접 개입한 시공업자들의 활동 모두가 포함되고, 따라서 작품은 다양한 인간활동들이 조우하고 조율되는 장이 된다.

지난 2001년에 작품화 한 스위스의 장크트갈렌(St. Gallen) 수도원 부속 도서관을 회퍼가 팬데믹 기간 중 재방문해 작업한 동명의 〈Stiftsbibliothek St. Gallen 2021〉 연작도 자리한다. 작가는 파두츠의 리히텐슈타인 현대미술관에서 2022년에 열린 《Candida Höfer: Liechtenstein》전 준비를 계기로 장크트갈렌 수도원 도서관을 재방문했다. 장크트갈렌 시에 위치한 이 수도원은 719년부터 1805년까지 유럽에서 가장 중요했던 수도원 중 하나로 꼽혔다. 18세기에 대대적으로 바로크 양식으로 개축된 바 있으며, 1983년에는 유네스코 세계문화유산으로 지정되었다. 장크트갈렌 수도원 도서관을 담은 2001년작에서, 회퍼는 내부 공간의 가장 눈에 띄는 정교한 프레스코화와 로코코식 몰딩으로 장식된 아치형 천장에 주목하며 지적 진보에 대한 낙관주의적 시선을 유지하도록 고안된 도서관 공간의 질서와 시스템에 시선을 집중시킨 바 있다. 당시 이 작품들에는 도서관을 이용하는 방문객들이 일부 포함되기도 했다. 하지만 새로 촬영한 2021년작에서는 인물의 요소를 배제했을 뿐만 아니라, 과거와 현재의 시간성이 교차하는 내부 공간을 조명함으로써 그의 과거 작품과 대화를 이루도록 한다. 사람의 존재를 없앤 후 공간에 남은 흔적과 빛, 미묘한 공기의 감각에 집중하고 이를 완벽한 대칭 구도로 카메라 렌즈에 담은 회퍼는 이로써 시간의 흐름이 포착된, 영원성을 담은 공간의 초상을 완성했다.

칸디다 회퍼는 1944년 독일 에베르스발데에서 태어났다. 1973년부터 1982년까지 뒤셀도르프 아카데미에서 첫 3년 동안 올레 욘(b. 1939)에게 영화를, 그 이후에는 현대 독일 사진을 이끈 베른트 베허(1931-2007)와 힐라 베허(1934-2015) 부부로부터 사진을 수학했다. 당시 수업을 함께 들었던 토마스 스트루스(b. 1954), 토마스 루프(b. 1958), 안드레아스 거스키(b. 1955) 등과 함께 ‘베허 학파’ 1세대로 일컬어지는 회퍼는 1975년 뒤셀도르프의 콘라드 피셔 갤러리에서 첫 개인전을 열었다. 이를 시작으로 작가는 지난 50여 년간 꾸준히 작품 활동을 해오며 공적인 장소, 특히 인간이 부재한 건축의 내부를 특유의 정교한 구도와 빼어난 디테일로 구현해왔다.
전세계 유수의 미술관과 갤러리에서 수많은 개인전과 그룹전을 선보인 작가는 2002년에 제11회 카셀 도큐멘타에 참여했으며, 2003년 제50회 베니스 비엔날레에서 마틴 키펜베르거와 공동으로 독일관을 대표했다. 2018년 소니 월드 포토그래피 어워드의 사진공로상을 수상했으며, 다가오는 9월 베를린 예술 아카데미가 주최하는 ‘2024 케테 콜비츠 상’을 수상할 예정이다. 작품의 주요 소장처로는 뉴욕 현대미술관, 파리 퐁피두 센터, 프랑스 국립도서관, 쾰른 루트비히 미술관, 스톡홀름 근대미술관, 마드리드 레이나 소피아 국립미술관, 빌바오 구겐하임 미술관, 국립현대미술관 서울, 마이애미 루벨 패밀리 컬렉션, 취리히 프리드리히 크리스찬 플릭 재단 등이 있다. 작가는 현재 쾰른에 거주하며 활발히 활동 중이다.

[1] 작가의 말

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