KUKJE GALLERY
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1 양혜규의 첫 번째 회고전 《도착 예정 시간(ETA) 1994 – 2018》, 오는 8월 12일 폐막

Courtesy Museum Ludwig

전시작가: 양혜규 Haegue Yang
전시제목: Haegue Yang: ETA 1994-2018
전시기간: 2018년 4월 18일 – 8월 12일
전시기관: 독일 쾰른 Museum Ludwig
웹사이트:
http://www.museum-ludwig.de/en/exhibitions/haegue-yang.html

Haegue Yang’s survey exhibition Haegue Yang: ETA 1994-2018, currently on view at Museum Ludwig in Cologne, Germany, will close on August 12th, 2018. This comprehensive retrospective which showcases the extraordinary versatility of Yang’s oeuvre from the past 25 years has garnered much attention, attracting more than 55,000 visitors in 15 weeks since its opening on April 17th. Mounted in recognition of Yang with the Wolfgang Hahn Prize, the mid-career survey has been featured in prestigious art magazines and mass media. German art and lifestyle magazine Monopol listed the exhibition as ‘the place to visit during Art Cologne Week,’ and American visual arts magazine ARTnews remarked, “It presents the perfect opportunity to take in the full breadth of her diverse output.”

Over the last 4 months, Museum Ludwig has provided a variety of events, some of which call for audience participation, that expand on Yang’s artistic practice. The artist discussed her diverse interests and extensive research behind her work in ‘Art in Context,’ the lecture series that has been organized by GMK(Gesellschaft für Moderne Kunst), the sponsor of the museum, for a decade now. From the music and film program conceived by Yang to an evening program for which the visitors’ furniture was displayed at the museum entrance in connection with the Cologne version of VIP’s Union (2001) consisting of borrowed chairs and tables of the local figures, the accompanying events of Yang’s first-ever retrospective successfully marked her presence not only in the art world but also to the general public.

독일 쾰른의 루트비히 미술관에서 성황리에 진행 중인 양혜규의 회고전 《도착 예정 시간(ETA) 1994 – 2018》이 오는 8월 12일 폐막을 앞두고 있다. 지난 25여 년에 걸친 작가의 고유한 작업 세계를 총망라한 이번 대규모 회고전은 지난 4월 17일 개막한지 15주 만에 관람객수 55,000여 명을 돌파하며 크게 주목 받았다. 양혜규의 ‘볼프강 한 미술상(Wolfgang Hahn Prize)’ 수상과 연계된 이번 전시는 유명 미술 전문지 및 대중매체를 통해 집중 조명되었다. 독일의 예술생활 잡지 <모노폴 Monopol>은 이번 전시를 '아트 쾰른 주간에 반드시 방문해야 할 곳’으로 선정했고, 미국의 미술 전문지 <아트뉴스 ARTnews>는 “양혜규의 다면적인 작업을 온전히 이해할 수 있는 완벽한 기회를 제시한다”고 평했다. 

지난 4개월여 동안 루트비히 미술관은 양혜규의 작업세계를 확장, 심화하는 다양한 연계 행사와 관객 참여의 기회를 제공해왔다. 루트비히 미술관을 후원하는 근대미술협회(GMK)가 10년째 주관하는 ‘Art in Context’ 강연 시리즈의 일환으로 작가의 광범위한 관심사와 작업의 근간이 되는 폭넓은 연구에 대한 대담을 개최했다. 또한 작가가 직접 기획한 공연 및 상영 프로그램과 쾰른 저명인사의 가구를 전시 기간 동안 대여 받아 약식 버전으로 탄생시킨 (2001)의 연계 행사로 실제 관람객들의 가구를 하루 동안 미술관 입구에 진열하는 등의 행사는 전세계 미술 관계자뿐 아니라 대중 관객들에게 양혜규의 존재를 성공적으로 각인시켰다.


[Source from Monopol Website, ARTnews Website, GMK Website, and Museum Ludwig Website]

 
 
2 빌 비올라, 플레이스테이션4 게임 ‘The Night Journey’ 론칭

Bill Viola and USC Game Innovation Lab, The Night Journey, 2007–2018, Video Game, Photo: courtesy of USC Game Innovation Lab

작가: 빌 비올라 Bill Viola
론칭일자: 2018년 6월 26일
협업기관: Bill Viola Studio and USC Game Innovation Lab
웹사이트: https://www.playstation.com/en-us/games/the-night-journey-ps4/

Bill Viola Studio and the USC Game Innovation Lab have launched The Night Journey; an award-winning art game now available worldwide on Windows PC and Mac and via the PlayStation®Store in the US. Winner of the “Most Sublime Experience” at the 2007 IndieCade Festival, The Night Journey is one of the earliest experimental art games made. It uses both game and video technologies to tell the universal story of an individual’s journey towards enlightenment.

Visual inspiration for the game is derived from the works of Bill Viola, which provide reference for the vast, open world of the game, while source material for in-game “reflections” is drawn from the extensive archive of Viola’s video footage. Artist Viola worked in collaboration with a team at the USC Game Innovation Lab including award-winning game designers Tracy Fullerton and Todd Furmanski.


빌 비올라 스튜디오는 USC 게임혁신연구소(USC Game Innovation Lab)와 협업해 플레이스테이션4 게임 ‘밤의 여행(The Night Journey)’을 출시했다. 이는 현재 미국 플레이스테이션 스토어를 통해 제공되며, 전 세계의 Windows PC 및 Mac에서 이용할 수 있다. 2007년 인디케이드(IndieCade) 페스티벌에서 열린 "가장 멋진 경험"에서 우승한 ‘밤의 여행’은 가장 초기에 만들어진 실험적인 예술 게임 중 하나다. 게임과 영상 기술을 이용하여 깨달음으로 향하는 개인의 여정에 대한 보편적인 이야기를 담았다.

‘밤의 여행’은 빌 비올라의 작품에서 온전히 시각적 영향을 받았다. 작가의 광범위한 비디오 영상 아카이브에서 가져온 소스로 구성되어 있는 등 빌 비올라의 작품을 연상시키는 광대하고 개방된 게임 속 세계가 펼쳐진다. 빌 비올라는 USC 게임혁신연구소 외에도 게임 개발을 위해 다수의 수상 경력이 있는 게임 디자이너 트레이시 풀러턴(Tracy Fullerton)과 토드 퍼만 스키(Todd Furmanski)와 협력했다.

[Source from Bill Viola, The Night Journey Press Release]

 
 
3 우고 론디노네, 테이트 리버풀에서 새로운 공공미술 조각 <Liverpool Mountain> 설치

Ugo Rondinone, Miami Mountain, 2016. Courtesy of The Bass, Miami and Sadie Coles HQ, London. Photo: Zachary Balber

전시작가: 우고 론디노네 Ugo Rondinone
전시제목: Ugo Rondinone: Liverpool Mountain
전시기간: 2018년 가을 공개(예정) 
전시기관: 머메이드 코트야드, 테이트 리버풀(Mermaid Courtyard, Tate Liverpool)
웹사이트: https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/ugo-rondinone-liverpool-mountain         

<Liverpool Mountain>will be Swiss-artist Ugo Rondinone’s first public artwork in the UK and the first of its kind in Europe and it is set to be revealed this coming fall in Liverpool. Inspired by naturally occurring Hoodoos (spires or pyramids of rock) and the art of meditative rock balancing, this 10-metre high sculpture will stand within Mermaid Courtyard, outside Tate Liverpool on the Albert Dock. It will consist of coloured rocks, stacked vertically which seem to defy gravity.

This outdoor sculpture marks the 10th anniversary of Liverpool European Capital of Culture, the 20th anniversary of Liverpool Biennial and the 30th anniversary of Tate Liverpool.


<Liverpool Mountain>은 스위스 출신 작가 우고 론디노네가 유럽에서 선보이는 첫 공공미술 작품으로, 오는 가을 영국 리버풀에서 공개된다. 높이가 10미터에 이르는 이 조각상은 자연 현상으로 발생하는 후두스(Hoodoos, 바위기둥)와 암석의 균형을 잡는 명상적인 예술성에 영감을 받아 앨버트 독(Albert Dock) 테이트 리버풀의 외곽에 위치한 머메이트 코트야드(Mermaid Courtyard)에서 선보인다. 중력을 거스르는 방식으로 색칠되어 있는 여러 암석들이 수직으로 쌓여 있는 형상이다. 

또한 야외 설치 작품인 은 리버풀 유럽문화수도(Liverpool European Capital of Culture) 10주년, 리버풀 비엔날레 20주년, 테이트 리버풀 30주년을 기념하는 상징성을 가진다. 

[Source from Tate Website]

 
 
4 양혜규, 제10회 리버풀 비엔날레 참가

Haegue Yang, The Grand Balcony, 2016. Installation view at La Biennale de Montréal. Photo: Guy L'Heureux.

전시작가: 양혜규 Haegue Yang
전시제목: Beautiful world, where are you?
전시기간: 2018년 7월 14일 – 10월 28일
전시기관: 울프선 갤러리, 테이트 리버풀 (Wolfson Gallery, Tate Liverpool)
웹사이트: http://www.biennial.com/2018/exhibition/artists/haegue-yang

Haegue Yang is featured in the tenth Liverpool Biennial titled
Beautiful world, where are you? from July 14th to October 28th. Haegue Yang has created a new environment for her sculpture series, The Intermediates (2015-ongoing) for the Biennial. The backdrop will consist of a new digitally produced wallpaper, suspended sound stations and upside down Maypole ribbons. Made from artificial woven straw, The Intermediates allude to both traditional arts and crafts techniques and modern industrial production methods. Representing figures and sites from folk tales and ancient traditions in a variety of forms, they question definitions of ‘paganism’. Complemented by sound elements and employing recordings of wildlife taken from the British Library’s sound collection, Haegue attempts to create a hybrid environment.
Haegue Yang will also participate in an artist talk on the opening day of the Biennial on July 14th from 1PM at Tate Liverpool.

양혜규는 오는 7월 14일부터 10월 28일까지 제10회 리버풀 비엔날레 《Beautiful world, where are you?》에 참가한다. 이번 전시에서는 <중간 유형 The Intermediates>(2015-) 조각 연작을 중심으로 한 새로운 환경이 선보일 예정이다. 특히 디지털로 제작된 양혜규의 벽지 신작은 공간의 배경이 되고, 천장으로부터 걸려있는 음향 장치 및 아래위가 거꾸로 된 메이폴(Maypole)과 리본이 함께 구성된다. 인조 짚풀로 제작한 양혜규의 <중간 유형> 연작은 전통 예술과 공예 기술 및 현대 산업 생산 방식을 시사하는 작업이다. 민간 설화와 고대 전통을 대표하는 인물과 장소를 다양한 형태의 조각으로 선보이며 ‘이교도’의 정의에 의문을 제기한다. 작가는 이번 전시에서 영국 국립 도서관(British Library)의 사운드 컬렉션에서 발췌한 음향과 야생 생물 기록을 활용해 하이브리드 환경을 구축할 예정이다.

또한 리버풀 비엔날레의 공식 개막일인 오는 7월 14일 오후 1시부터 약 한 시간 동안 양혜규의 아티스트 토크가 테이트 리버풀에서 진행된다.

[Source from Tate Liverpool Website]


 
 
5 양혜규, 2018 아트 바젤 아티스트 토크 개최

Haegue Yang in conversation with Director of Museum Ludwig Yilmaz Dziewior at Art Basel

토크일정: 2018년 6월 17일 오후 3시
토크장소: 스위스 바젤 메세플라츠(Messeplatz) 강당
모더레이터: 루트비히 미술관 관장 일마즈 지비오르(Yilmaz Dziewior)
웹사이트: https://www.artbasel.com/events/detail/7161/Artist-Talk-Haegue-Yang

Haegue Yang was in conversation with Yilmaz Dziewior, the director of the Museum Ludwig for Art Basel’s Artist Talk at Messeplatz Auditorium on June 17th for the occasion of her first-ever survey exhibition, along with the publication of the comprehensive catalogue raisonné titled ‘ETA 1994-2018’’ at The Museum Ludwig. Haegue Yang emphasized during the conversation that her attitude as an artist to decide on a specific language, style, form, and genre is illogical and inconsistent, and that she refuses to limit herself as an artist with a single working mannerism. Yang and Dziewior also discussed select works from the 120 exhibited pieces at the survey exhibition. These highlighted works include the entry piece Series of Vulnerable Arrangements – Version Utrecht (2006), the radical installation piece criticizing the art market and reflecting on Yang's difficult economic situation at the time titled the Storage Piece (2004), early fluxus works that have been reconstructed for the exhibition, and works that explore the immateriality of certain mediums from 2007 to 2018 such as Series of Vulnerable Arrangements – Seven Basel Lights (2007), Medicine Men (2010), The Intermediates (2015-). Throughout the dialogue, Yang iterated her self-reflective opinion on each work of art at the exhibition.

양혜규는 지난 6월 17일, 아트 바젤의 연계 행사로 바젤 메세플라츠(Messeplatz) 강당에서 작가와의 대담 시간을 가졌다. 양혜규의 대규모 회고전 《도착 예정 시간(ETA) 1994 – 2018》을 기획한 쾰른 루트비히 미술관 관장 일마스 지비오르(Yilmaz Dziewior)의 진행으로, 약 한 시간 동안 양혜규의 작업 전반에 대해 대화를 나누었다. 양혜규는 대담에서 작가로서 자신의 태도는 언어, 형식, 작업 방식, 장르에 이르기까지 비논리적이고 불확실한 상태이며, 특정한 작업 방식을 가진 작가로 스스로를 한정 짓고 싶지 않음을 강조했다. 더불어 지비오르와 양혜규는 120여 점에 이르는 회고전의 작품 중 주요작에 대한 심도 깊은 대화를 나누었다. 전시 도입작인 <일련의 다치기 쉬운 배열 – 위트레흐트편編>(2006)과 작가의 열악한 경제 상황을 반영한 동시에 예술 시장을 비평한 급진적 작품 <창고 피스>(2004)를 비롯, 이번 회고전을 통해 대거 복원된 플럭서스적 초기작들 그리고 2007년부터 2018년에 걸친 비물질적 재료 탐구로 탄생한 <일련의 다치기 쉬운 배열 – 바젤 7광七光>(2007), <약장수>(2010), <중간 유형>(2015-) 시리즈 등 의인화된 조각에 이르기까지 독자적 작업 세계의 각 작품에 대한 소회를 밝혔다.

[Source from Art Basel Website]


 
 
6 칸디다 회퍼, 프랑스 Carré d’Art 미술관에서 개인전 《Portraits of Spaces》 개최

Candida Höfer, Van Abbemuseum Eindhoven III 2003, Courtesy of the artist and VG Bild-Kunst, Bonn, 2018

전시작가: 칸디다 회퍼 Candida Höfer
전시제목: Portraits of Spaces
전시기간: 2018년 5월 5일 – 9월 16일
전시기관: 까레 다르(Carré d’Art)
웹사이트: https://www.rencontres-arles.com/en/expositions/view/276/candida-hofer

Candida Höfer is featured in a solo exhibition titled Portraits of Spaces from May 5 to September 16 2018 at Carré d’Art, Nîmes, France. This exhibition marks the reopening of Carré d’Art, a museum of contemporary art and listed municipal library designed by British architect Norman Foster. This exhibition re-questions Candida Höfer’s artistic gesture. Viewers are invited to immerse themselves in 14 institutions devoted to art and knowledge, including some of the world’s oldest and most prestigious.

Candida Höfer also has an upcoming solo exhibition titled Spaces of Enlightenment  from July 26 to August 31 at Kukje Gallery.

칸디다 회퍼는 5월 5일부터 오는 9월 16일까지 프랑스 님 까레 다르(Carré d’Art) 미술관에서 개인전 《Portraits of Spaces》를 개최한다. 유명 영국 건축가 노만 포스터(Norman Foster)가 설계한 현대미술관 까레 다르의 재개관을 기념하기 위해 마련된 이번 전시는 칸디다 회퍼의 예술성을 재탐구하는 자리다. 관람객은 칸디다 회퍼의 사진 작업을 통해 세계에서 가장 권위 있고 오래된 장소인 예술·지식 기반의 기관 14곳으로 초대된다.

한편 칸디다 회퍼는 오는 7월 26일부터 8월 31일까지 국제갤러리에서 개인전 《Spaces of Enlightenment》를 개최할 예정이다.

[Source from Carré d’Art Website]


 
 
7 오스카 무리요, 제10회 베를린 비엔날레 참가

Oscar Murillo, through patches of wheat, corn and mud, 2012–16, courtesy Oscar Murillo; David Zwirner, New York, London & Hong Kong

전시작가: 오스카 무리요 Oscar Murillo     
전시제목: We don’t need another hero
전시기간: 2018년 6월 9일 – 9월 9일
전시기관: 베를린 비엔날레  (Berlin Biennale)
웹사이트: http://www.berlinbiennale.de/artiss/o/oscar-murillo

Oscar Murillo is participating in the 10th Berlin Biennale titled We don’t need another hero from June 9th to September 9th 2018. Oscar Murillo has created an installation involving the industrial process of baking bread, evoking ideas around consumption and a basic sustenance of life. In the courtyard of the Akademie der Künste, Murillo has set up a number industrial ovens which produce rock-like loaves made from a mixture based on corn and clay, recurring organic materials in the artist’s practice.

오스카 무리요는 6월 9일부터 오는 9월 9일까지 열리는 제10회 베를린 비엔날레 《We don’t need another hero》에 참가한다. 작가는 소비와 생계에 대한 주제를 바탕으로, 산업적인 제빵 과정을 보여주는 설치작을 선보인다. 베를린 예술 아카데미(Akademie der Künste) 중정에는 작가의 작업에서 반복적으로 볼 수 있는 유기 재료인 옥수수와 찰흙을 섞어 만든 암석 모양의 빵 조각들이 설치되어 있다.

[Source from Berlin Biennale Website]


 
 
8 장 미셸 오토니엘, 캐나다 몬트리올 미술관에서 개인전 《Motion-Emotion》 개최

Jean-Michel Othoniel, Tornado #1, 2017, aluminium beads, steel. Courtesy of Perrotin. © Jean-Michel Othoniel / SODRAC (2017). Photo: Claire Dorn

전시작가: 장-미셸 오토니엘 Jean-Michel Othoniel
전시제목: Motion-Emotion
전시기간: 2018년 6월 20일 – 11월 11일
전시기관: 캐나다 몬트리올 미술관 (Montreal Museum of Fine Arts)
웹사이트: https://www.mbam.qc.ca/en/exhibitions/upcoming/othoniel/

Jean-Michel Othoniel is featured in a solo exhibition titled Motion–Emotion from June 20 to November 11, 2018 at the Montreal Museum of Fine Arts in Montreal, Quebec, Canada. This is the artist’s first solo show in Canada and will present series of recent works on the theme of storms and the violence of the elements. The artist selected paintings and sculptures that reflect the darker side of nature, stemming from his preoccupying concern for the environment.

장-미셸 오토니엘은 오는 6월 20일부터 11월 11일까지 캐나다 몬트리올 미술관(Montreal Museum of Fine Arts)에서 개인전 《Motion-Emotion》을 개최한다. 이번 전시는 작가가 처음으로 캐나다에서 개최하는 개인전으로, 폭풍과 비바람의 격렬함을 주제로 다룬 근작들을 소개할 예정이다. 특히 작가는 환경에 대한 우려에서 비롯된 자연의 어두운 측면을 반영한 회화와 조각 작품을 중점으로 선보인다.

[Source from Montreal Museum of Fine Arts in Montreal Press Release] 


 
 
9 박찬경, 중국 선양 chi K11 art space에서 《Assembling》 전 참가

Park Chan-kyong, Sindoan, 2008, HD film, six-channel video installation

전시작가: 박찬경 Park Chan-kyong
전시제목: Assembling
전시기간: 2018년 5월 27일 – 8월 25일
전시기관: 중국 선양(瀋陽) chi K11 art space, 4F K11 Art Mall
참여작가: 박찬경 외 36명/그룹
웹사이트: http://www.k11.com/corp/portfolio/shenyang-k11/


Park Chan-kyong is featured in a group exhibition titled Assembling from May 27 to August 25, 2018, at the chi K11 art space in Shenyang, China. The exhibition will showcase the experimental tradition in Northeast China with 31 renowned Chinese and international artists, as well as six contemporary art collectives founded in the region. Park Chan-kyong will exhibit Sindoan (2008), a six-channel video that has closely investigated the religious sects in the Gyeryong Mountain to trace the coercive nature of modernization and its impact on tradition, folk religion, and culture.

박찬경은 2018년 5월 27일부터 8월 25일까지 중국 선양 chi K11 art space 에서 개최하는 그룹전 《Assembling》에 참가한다. 이번 전시는 31명의 작가와 6 그룹 작가들의 협업으로 중국 북동부의 실험적인 전통을 선보일 예정이다. 전시에 소개되는 박찬경의 대표작 <신도안>(2008)은 한국의 근대화 과정에서 미신과 사이비 종교로 전락한 ‘계룡산 문화’를 면밀히 조사한 6채널의 영상 작품으로, 근대화의 강압적인 성격과 그것이 전통과 무속 신앙, 문화에 끼친 영향을 추적한다.

[Source from K11 Press Release] 


 
 
10 요리스 라만, DAMNº 매거진 68호 커버 및 작가 인터뷰 수록

Joris Larrman, Turing Table, DAMNº Magazine 68th issue cover

작가: 요리스 라만 Joris Laarman
잡지: DAMNº Magazine 68호                                                                                   
웹사이트: http://www.damnmagazine.net/editions/damn-68
                                     
DAMNº Magazine featuring an interview with Joris Laarman and artist’s Turing Table as the cover for its 68th issue. 

Joris Laarman’s Turing Tables is currently on view at Kukje Gallery for the artist’s solo exhibition Joris Laarman Lab: Gradients through June 17, 2018. Turing Tables is named after the seminal mathematician Alan Turing. Near the end of his life, Turing wrote his first and last paper on biology and chemistry, detailing how a type of chemical reaction ought to produce many patterns seen in nature. In the following decades, scientists have been able to prove many of his postulates, discovering various stripes, spirals, and whorls—so-called Turing Patterns—throughout the natural world. This has led many to think that Turing Patterns may actually extend to ecosystems, even to galaxies. The installation will center around a group of unique tables made of bronze and stainless steel, all produced using the MX3D printing robots. The Turing Tables computationally generated aesthetics are pushing the boundaries of current technology.

요리스 라만의 작품 (2018)이 작가 인터뷰 수록과 함께 베를린과 벨기에 겐트 기반의 문화 잡지 DAMNº 매거진 68호의 커버를 장식했다.

요리스 라만의 는 2018년 6월 17일까지 국제갤러리에서 전시된다. 저명한 수학자 앨런 튜링(Alan Turing, 1912-1954)의 이름을 딴 는 이번 전시에서 처음 선보이는 연작이다. 튜링은 생을 마감할 무렵, 생물학과 화학에 관한 처음이자 마지막이 된 논문을 집필하며 자연에서 발견할 수 있는 다양한 패턴들이 일종의 화학 반응에 의해 생성되었음을 역설하였다. 이후 수십 년에 걸친 지속적인 과학 연구를 통해 실제 자연에서 소위 “튜링 패턴”으로 일컬어지는 줄무늬, 나선, 소용돌이무늬 등을 발견함으로써, 튜링의 가정들은 대부분 입증되었다. 이런 현상은 많은 이들로 하여금 튜링 패턴이 실제 생태계, 더 나아가 은하계까지 확장될 수 있다는 생각을 갖게끔 했다. 본 전시에서는 3D 프린팅이 가능한 MX3D 로봇을 이용, 브론즈와 스테인리스 스틸로 제작한 일련의 독특한 테이블을 선보이며, 철저한 계산이 만들어낸 심미성은 현시대 실용기술의 한계를 뛰어넘는다.


[Source from DAMNº Magazine Website and Kukje Gallery Press Release]
 
 
11 가다 아메르, 프랑스 Centre de Création Contemporaine Olivier Debré 에서 개인전 《Dark Continent》, 《Cactus Painting》 개최  

Untitled, 2018. Print 60 x 80cm. acrylic, embroidery and gel medium on canvas

전시작가: Ghada Amer
전시제목: Dark Continent, Cactus Painting
전시기간: Dark Continent (2018년 6월 2일 – 2018년 11월 4일)
             Cactus Painting (2018년 6월 2일 – 2019년 1월 6일)
전시기관: 프랑스 투르 Centre de Création Contemporaine Olivier Debré
웹사이트: 
http://www.cccod.fr/?lang=en  

가다 아메르는 프랑스 투르에 위치한 CCC OD (Centre de Création Contemporaine Olivier Debré)에서 2000년에 열린 대규모 개인전에 이어 올해 두 개의 전시 파트가 독립적이지만 개념적으로 연계된 개인전을 개최한다. 2018년 6월 2일부터 11월 4일까지 블랙 갤러리(Black Gallery)에서 열리는 《Dark Continent》는 자수회화 작품들과 그의 최근 조각 작품들을 선보일 예정이다. 이와 동시에, 네이브 갤러리(Nave Gallery)에서는 2018년 6월 2일부터 2019년 1월 6일까지 《Cactus Painting》을 개최하여, 미국 추상 회화의 위대한 전통에 대한 간접적이면서도 신랄한 참조로 내부 정원을 되살린 대규모 커미션 작업을 선보인다.

Ghada Amer is featured in a two-part solo exhibition at the Center of Contemporary Creation Olivier Debré in Tours, France, following the major solo show that the center dedicated to the artist in 2000. Divided into two discrete but interconnected shows, the Dark Continent exhibit in the Black Gallery will showcase embroidered canvases and Amer’s latest sculptural works from June 2 to November 4, 2018. At the same time from June 2, 2018, to January 6, 2019, the Cactus Painting exhibit in the Nave Gallery will host a monumental commission work: a reactivation of an inner garden conceived as an indirect and cutting reference to the great tradition of American abstract painting.


[Source from Centre de Création Contemporaine Olivier Debré press release]


 
 
12 김용익, 파리 Cahiers d’Art에서 개인전 《untitled utopias》 개최

Untitled, 2018. Print 60 x 80cm. Thomas Lannes, Paris, courtesy Cahiers d'Art.

전시작가: Kim Yong-Ik
전시제목: untitled utopias
전시기간: 2018년 4월 11일 – 9월 1일
전시기관: 프랑스 파리 Cahiers d’Art
웹사이트: http://www.cahiersdart.com/news/2018/march-2018/kim-yong-ik-untitled-utopias

김용익은 2018년 4월 12일부터 9월 1일까지 프랑스 파리에 위치한 까예 다르(Cahiers d’Art) 갤러리에서 개최되는 개인전 《untitled utopias》를 통해 지난 2월 파리의 유서 깊은 판화 공방에서 제작된 일련의 판화 연작을 선보일 예정이다. 김용익 작가에 의하면, 우리는 더 이상 새로운 창작이 불가능한 시대에 살고 있으며, 수집, 해체, 재배치만이 가능한 시대에 접어들었다. 작가는 새로운 작품을 만드는 대신, 과거의 아이디어를 재전유하고 재해석하는 작품들을 선보인다. 올해 하반기에는 까예 다르 출판사와 작가의 40년 화업을 시대별로 나누어 조망하는 도록 발간을 앞두고 있다.

Kim Yong-Ik is featured in a solo exhibition titled untitled utopias at the Cahiers d’Art gallery in Paris, France, from April 12 through September 1, 2018. The artist’s solo exhibition in France, Kim showcases three series of new prints produced in February 2018 in collaboration with the Cahiers d’Art publishing house. According to Kim Yong-Ik, we have entered an era of collection, deconstruction, and compilation; an age where editing is a required process for art-making. In place of creating new works, the artist presents a clear reframing of his practices by reappropriating and reinterpreting past ideas. In conjunction with the exhibition, Cahiers d’Art will publish a monograph in fall of 2018 that examines Kim Yong-Ik’s four-decade career.

[Source from Centre de Création Contemporaine Olivier Debré press release]


 
 
13 이우환, 정연두, 평창에서 《한국현대미술의 하이라이트》 전 참가

Image provided by Pyeongchang 2018

전시작가: 이우환, 정연두
전시제목: 한국현대미술의 하이라이트
전시기간: 2018년 2월 9일 – 2월 25일
전시기관: 강원도 평창 문화ICT관 1층 근현대미술관
참여작가 : 이중섭, 김환기, 강익중, 이우환, 정연두 등 20여 명
웹사이트: https://www.pyeongchang2018.com/ko/culture/
 
국제갤러리의 이우환과 정연두는 2018 평창동계올림픽 기간에 맞춰 2월 9일부터 25일까지 강원도 평창 문화ICT 관에서 개최되는 《한국현대미술의 하이라이트》전에 참가한다. 이 전시는 다양한 문화 프로그램을 통해 올림픽의 가치를 알리고 사람들의 참여를 도모하는 2018 평창 문화올림픽의 일환으로 기획되었으며, 회화, 조각, 설치, 미디어 등 거장의 작품부터 젊은 작가까지 한국 동시대 미술을 잘 보여줄 수 있는 작가 20여 명의 작품을 통해 한국 근현대를 관통하여 동시대까지 한국 미술의 주요 흐름을 짚어줄 뿐만 아니라 한국 현대미술의 아름다움과 역동성을 보여줄 것이다. 작품들은 <삶의 풍경>, <심상의 반영>, <세상과의 소통>이라는 세 개의 주제로 묶어 설치되며, 이우환은 대표적인 작품인 <선으로부터>와 <점으로부터>을, 정연두는 <시네매지션>을 출품한다.

Kim Whanki and Yeondoo Jung are featured in a group exhibition titled Highlight. K-ART from February 9 to 25, 2018, at the Culture-ICT Pavilion, PyeongChang Olympic Plaza, Korea. This exhibition is part of the Cultural Programme of The PyeongChang 2018 Olympic and Paralympic Winter Games, which aims to promote cardinal Olympic values and ideals, as well as encourage public participation, showcasing works encompassing painting, sculpture, installation, and media by approximately twenty Korean artists. Featured artists include both historically significant masters and emerging artists who exemplify Korean modern and contemporary art, not only highlighting important movements within Korean art history but also portraying its inherent beauty and dynamism. The works are divided into three themes that constitute the exhibition: Scene of Life, Reflection of Imagery, and Connecting with the World. Lee Ufan will exhibit works from his signature series From Line and From Point, while Yeondoo Jung will showcase his acclaimed video work CineMagician.


[Source from Pyeongchang 2018 website]
 
 
14 이우환, 런던 켄싱턴 공원에 새로운 공공미술 조각 설치

Lee Ufan, Relatum - Stage (2018) ⓒ AECOM

전시작가: 이우환
작품제목: Lee Ufan Relatum - Stage
전시기간: 2018년 2월 6일 – 7월 29일
전시기관: Serpentine Gallery, Kensington Gardens, London, UK
웹사이트: http://www.serpentinegalleries.org/press/2018/02/lee-ufan-relatum-stage
 
이우환은 서펜타인 갤러리가 진행해온 공공미술 프로젝트의 일환으로 2018년 2월 초부터 서펜타인 갤러리 야외에서 새로운 조각작품을 선보인다. 요소들간의 미묘한 상호작용과 구도가 돋보이는 새로운 조각작품 <Relatum – Stage>(2018)에는 기존의 연작 작품 속의 개념과 더불어 물질성과 차이점에 대한 작가의 지속적 탐구가 스며 들어있다. 두 개의 각진 거울형의 철판과 바위로 구성된 작품 <Relatum – Stage>는 공원의 주변환경을 반영한 시적 설치물로써 자연과 산업을 병합시키는 매개로 작용한다. 작품 공개와 연계하여 이우환은 20018년 2월 6일 오후 6시 영국한국문화원에서 서펜타인 갤러리의 아트디렉터인 Hans Ulrich Obrist와 대화의 시간을 가질 예정이다. 

Lee Ufan will present a new outdoor sculpture on the Serpentine Gallery premises in Kensington Gardens, London, in early February of 2018. Titled Relatum – Stage (2018), the Serpentine’s new sculptural commission by Lee Ufan continues the gallery’s exploration of public art. In its subtle interplay of elements and setting, Lee’s new work builds on ideas that permeated previous artworks in the Relatum series, as well as the artist’s own ongoing exploration of materiality and difference. Comprised of two, angled, mirrored, steel sheets and two different-sized stones, Relatum – Stage will merge the natural and industrial in a poetic installation that reflects the surrounding environment of the park. In celebration of the debut of Relatum – Stage, Lee Ufan will be in conversation with the Serpentine Galleries Artistic Director Hans Ulrich Obrist at the Korean Culture Centre UK on February 6 (Tues.), 2018, from 6pm.


[Source from the Serpentine Galleries press release]
 
 
15 노충현, 북서울미술관에서 그룹전 《두 번째 풍경 The veiled landscape》 참가

원숭이 A Monkey 115 X 115cm oil on canvas 2017

전시작가: 노충현
전시제목: 두 번째 풍경 The veiled landscape
전시기간: 2018년 1월 23일 – 3월 25일
전시기관: 북서울미술관 프로젝트갤러리 1, 2
웹사이트: http://sema.seoul.go.kr/bukseoul/exhibition/
 
노충현은 2018년 1월 23일부터 3월 25일까지 북서울미술관 프로젝트갤러리 1, 2에서 개최되는 기획전 《두 번째 풍경》에 참가한다. 이번 전시에서 소개되는 김기수, 김상균, 노충현, 뮌, 안창홍, 이창원, 장종완, 홍순명, 황세준 등 총 9명의 작가 작품들은 평범한 일상, 아름다운 풍경을 그린듯하지만 실은 외연에 가려진 물질만능주의, 사회의 불안과 동요, 희생, 고단한 일상 등을 담담하고 우회적이며 유머러스하게 담아내고 있다. 이를 통해 겉으로 보이는 대한민국의 풍경 이면의 진짜 풍경, 두 번째 풍경을 들여다보는 기회를 제공한다. 노충현은 2006년부터 선보여 온 텅 빈 동물원을 소재로 우리를 둘러싼 정치, 사회적인 상황과 인간 존재에 대해 발언해 온 <자리> 연작 중 <원숭이>, <코끼리>, <두개의 공>, <연극이 끝난 후> 등을 출품한다.

Choong-Hyun Roh is featured in a group exhibition titled The veiled landscape from January 23 to March 25, 2018, at the SeMA Buk Seoul Museum of Art. This exhibition introduces works by nine artists including Kim Kisoo, Kim Sang Gyun, Choong-Hyun Roh, MIOON, Ahn Chang-hong, Changwon Lee, Jang Jongwan, Hong soun, and Hwang Sejun. While the works on view seem to portray the mundane everyday life and alluring landscapes on the surface, the images conceal the underlying materialism, uncertainties of today's society, sacrifice, and fatigue in a composed, oblique, and humorous manner, providing an opportunity to delve into an alternative Korean landscape that remains veiled underneath the façade. Four paintings from Roh's Jari (2006 -) series, each titled A Monkey, An Elephant, Two Balls, and After a Play Ends, are on view; the Jari series is one of Roh's most important ongoing series that depicts an empty zoo as a metaphor to reflect on today's sociopolitical climate and human existence in contemporary society.


[Source from SeMA Buk Seoul Museum of Art press release]