KUKJE GALLERY
June 2017
1 빌 비올라, 스페인 Guggenheim Bilbao Museum에서 개인전 개최

Slowly Turning Narrative, 1992, video/sound installation. Projected image size: 2.75 x 3.65m. Room dimensions: 4.3 x 6.1 x 12.5m. Continuously running. Courtesy of the artist's studio and Guggenheim Bilbao Museum.

참여작가: 빌 비올라
전시제목: Bill Viola: A Retrospective
전시기간: 2017년 6월 30일 – 2017년 11월 9일 
전시기관: Guggenheim Bilbao Museum, Spain
웹사이트: https://www.guggenheim-bilbao.eus/en/exhibitions/bill-viola-a-retrospective/
 
국제갤러리의 빌 비올라는 2017년 6월 30일부터 11월 9일까지 스페인 빌바오에 위치한 구겐하임 미술관에서 <Bill Viola: A Retrospective>전을 개최한다. 본 전시는 빌 비올라의 작품활동을 주제와 시대별로 나누어 탐구하는 회고전 격의 전시로, <The Reflecting Pool>(1977-1979)을 포함한 작가의 대표적인 초기 싱글 채널 비디오작품부터 최근작에 이르는 다양한 작품들을 함께 선보인다. 시적 정취를 자아내는 초기작업에서 빌 비올라는 시간에 대한 관념과 이에 대한 해체, 인간의 존재에 관한 탐구, 주변과 자연적 소리를 녹음하고 조작하는 등의 실험을 포함, 그의 작업에 있어 가장 중요한 주제들을 표현해왔다. 1980년대부터 시작해 90년대에 이르기까지 줄곧 물리적 속성에 집중해온 빌 비올라는 <Heaven and Earth>(1992)와 <Slowly Turning Narrative>(1992) 등의 작업에서 조형적 사물을 통해 지각과 정신성을 탐구하였다. 이러한 작품세계의 연장선으로 지난 십 년간 빌 비올라는 여러 가지의 미디어와 형식을 통해 인생의 근본적인 경험을 그려내 왔다. 

Bill Viola is featured in a solo exhibition titled Bill Viola: A Retrospective at the Guggenheim Bilbao Museum, Spain, from June 30 to November 9, 2017. This exhibition is a thematic and chronological survey of the artist's career that begins with his early single-channel videotapes, including such iconic works as The Reflecting Pool (1977–1979). These highly poetic creations address some of the most important themes in Viola's output: the notion of time and its deconstruction, investigations into human existence, and experimentation with the recordings and manipulation of ambient and natural sounds. In the 1980s he began adding physical elements which he continued during the 1990s, his studies of perception and spiritual issues materializing in the form of sculptural objects, as can be seen in Heaven and Earth (1992), and large works such as Slowly Turning Narrative (1992). Over the last decade, through a wide variety of media and formats, Viola has continued in his work to depict the fundamental experience of life.

[Source from the Guggenheim Bilbao Museum website]

 
 
2 빌 비올라 개인전 《Bill Viola: A Retrospective》, 스페인 빌바오 구겐하임 미술관 역대 두 번째로 많은 일일 관람객수 기록하며 성료

Bill Viola, The Veiling, 1995, video/sound installation, 30:00 minutes. 
Performers: Lora Stone, Gary Murphy. Courtesy of the artist’s studio and the artist
Photo by Roman Mensing


참여작가: 빌 비올라
전시제목: Bill Viola: A Retrospective
전시기간: 2017년 6월 30일 – 2017년 11월 9일
전시기관: Guggenheim Museum Bilbao, Spain
웹사이트: https://www.guggenheim-bilbao.eus/en/exhibitions/bill-viola-a-retrospective/

스페인 빌바오에 위치한 구겐하임 미술관에서 2017년 6월 30일부터 11월 9일까지 개최된 전이 성공리에 종료되었다. 전세계 매체로부터 호평을 받았으며, 전시 기간 중 다녀간 관람객은 총 710,995명, 하루 평균 5,688명이 방문하였다. 이는 역대 구겐하임 빌바오 미술관 역사상 일일 관람객 수로는 두 번째, 총 관람객 수로는 역대 세 번째에 해당하는 기록이다.

본 전시는 빌 비올라의 작품활동을 주제와 시대별로 나누어 탐구하는 회고전 격의 전시로, (1977-1979)을 포함한 작가의 대표적인 초기 싱글 채널 비디오작품부터 최근작에 이르는 다양한 작품들을 함께 선보였다. 시적 정취를 자아내는 초기작업에서 빌 비올라는 시간에 대한 관념과 이에 대한 해체, 인간의 존재에 관한 탐구, 주변과 자연적 소리를 녹음하고 조작하는 등의 실험을 포함, 그의 작업에 있어 가장 중요한 주제들을 표현해왔다. 1980년대부터 시작해 90년대에 이르기까지 줄곧 물리적 속성에 집중해온 빌 비올라는 (1992)와 (1992) 등의 작업에서 조형적 사물을 통해 지각과 정신성을 탐구하였다. 이러한 작품세계의 연장선으로 지난 십 년간 빌 비올라는 여러 가지의 미디어와 형식을 통해 인생의 근본적인 경험을 그려낸 바 있다.

Bill Viola’s solo exhibition Bill Viola: A Retrospective at the Guggenheim Museum Bilbao has closed on November 9, 2017, after a total of 710,995 visitors with an average of 5,688 visitors per day, along with a string of excellent critiques and reviews from all over the world. The show has been the second most visited in the history of the Guggenheim Museum Bilbao in terms of daily attendance and the third in total numbers.

Bill Viola: A Retrospective is a thematic and chronological survey of the artist’s career that begins with his early single-channel videotapes, such as The Reflecting Pool (1997-79), to his latest various works. These highly poetic creations from his early period address some of the most important themes: the notion of time and its deconstruction, investigations into human existence, and experimentation with the recordings and manipulation of ambient and natural sounds. Starting from 1980s to 90s, Bill Viola focused on adding physical elements, exploring the perception and spiritual issues in the form of sculptural objects, as can be seen in Heaven and Earth (1992) and Slowly Turning Narrative (1992). In an extension to his oeuvres, Bill Viola projected/expressed the fundamental experience of human existence through various media and formats over the last decade.  

[Source from the Guggenheim Bilbao Museum website]
 
 
3 우고 론디노네, 미국 Berkeley Art Museum & Pacific Film Archive에서 개인전 개최

Ugo Rondinone, vocabulary of solitude, 2014–16; milled foam, epoxy resin, and fabric, forty-five parts; dimensions variable, courtesy of Frahm & Frahm.

참여작가: Ugo Rondinone
전시제목: the world just makes me laugh
전시기간: 2017년 6월 28일 – 2017년 8월 27일
전시기관: Berkeley Art Museum & Pacific Film Archive, Berkeley, CA
웹사이트: http://www.bampfa.berkeley.edu/program/ugo-rondinone-world-just-makes-me-laugh 

국제갤러리의 우고 론디노네는 2017년 6월 28일부터 8월 20일까지 미국 캘리포니아 버클리에 위치한 Berkeley Art Museum & Pacific Film Archive에서 개인전 <the world just makes me laugh>를 개최한다. 본 전시는 대중문화뿐만 아니라 낭만주의와 초현실주의와 같은 역사적인 예술 사조에서 영감을 받은 이미지와 주제를 담아낸다. 무지개, 광대 및 광대의 신발과 같이 시각적으로 가벼운 느낌을 주는 모티프에 눈을 뗄 수 없는, 심리적으로 강렬한 느낌을 주는 설치가 만나 우울한 분위기를 연출한다. 이번 전시의 대표작품으로는 45개의 실물 크기의 삐에로 조각들로 구성된 <vocabulary of solitude>가 설치된다. 이 외에 60점의 ‘1998 diary’ 드로잉 시리즈 작품, 4 쌍의 삐에로 신발, 8점의 'sun’ 시리즈 대형 패인팅, 왁스를 조각해 만든 대형 백열전구, 그리고 버클리를 포함한 전세계 어린이들이 직접 그린 수천 점의 무지개 그림도 함께 전시 될 예정이다. 

Ugo Rondinone will be featured in a solo exhibition titled the world just makes me laugh at the Berkeley Art Museum & Pacific Film Archive (hereafter BAMPFA) from June 28 to August 27, 2017. The exhibition will incorporate imagery and themes from popular culture as well as drawing inspiration from historical art movements such as Romanticism and Surrealism. Seemingly lighthearted motifs including rainbows, clowns, and clown shoes take on a melancholy tone in this riveting and psychologically intense installation. Forty-five life-size, highly realistic clown sculptures from Rondinone’s installation vocabulary of solitude, form the centerpiece of this exhibition. Along with this installation, the exhibition will feature several related works, including Rondinone’s drawing series 1998 diary, which consists of sixty works; four pairs of clown shoes; eight large-scale paintings from the artist’s sun series; an oversized lightbulb sculpted from wax; and thousands of drawings of rainbows made by children from all over the world, including Berkeley. 


[Source from the Berkeley Art Museum & Pacific Film Archive website]
 
 
4 매카시, 런던 Sculpture in the City 참여

Apple Tree Boy Apple Tree Girl, 2010, aluminum, (Boy) 525 x 208.3 x 189.2 cm, (Girl) 546.1 x 290.8 x 213.4 cm, photo by Nick Turpin. 

참여작가: 폴 매카시 
전시제목: Sculpture in the City
전시기간: 2017년 6월 27일 – 2018년 5월 1일 
전시기관: City of London, London
웹사이트: https://www.cityoflondon.gov.uk/things-to-do/visit-the-city/art-architecture/sculpture-in-the-city/Pages/default.aspx
 
국제갤러리의 폴 매카시는 2017년 6월 27일부터 2018년 5월 1일까지 해마다 개최되는 런던 <Sculpture in the City>에 참가한다. 전시에 출품되는 16점의 작품들은 런던의 금융중심지인 ‘스퀘어 마일’ 곳곳에 세워진 영국에서 가장 유명하다 손꼽히는 건물들 사이에 설치된다. 특히 올해는 스퀘어 마일 내 더 넓은 공간에서 전시가 펼쳐질 예정으로, 새롭게 추가된 여섯 곳의 장소에서 다양한 형태와 규모의 작품들이 대거 소개된다. 폴 매카시는 독일에서 유래된 허멜 도자기 조각상의 이미지를 차용해 제작한 5미터에 달하는 대규모 작품 <Apple Tree Boy Apple Tree Girl>(2010)를 선보이며, 본 작품은 St. Helen’s Bishopsgate 교회 앞에 설치될 예정이다. 허멜 도자기상은 20세기 중반에 미국에서 급격히 인기몰이를 한 대표적인 상징물 중 하나로, 2차 세계대전 당시 독일에 주둔하던 미군들이 고향에 기념품으로 보내며 널리 인식되는 이미지가 되었다. 아담과 이브를 연상케 하는 소년과 소녀의 이미지를 확대, 변형시켜 포동포동 살이 오른 어린 아이의 모습을 추상적으로 왜곡시킨 형상의 조각으로, 귀엽고 외설적인 이미지를 동시에 보여준다.

Paul McCarthy participates in London’s annual Sculpture in the City from June 27, 2017, to May 1, 2018. In this seventh edition of the project, 16 artworks will make up the outdoor sculpture park in the City of London (also known as the “Square Mile”), among Britain’s most famous buildings. This year the artworks are spread further across the Square Mile, including installations at six new locations and ranging greatly in form and scale. Among these works, McCarthy presents Apple Tree Boy Apple Tree Girl (2010), two monumental figurines that belong to the artist’s Hummel series. Installed in front of St. Helen’s Church, Bishopsgate, the 5-meter sculpture is inspired by the porcelain ‘Hummel’ figures that became popular when American soldiers, who were stationed in Germany during World War II, sent them home as souvenirs. McCarthy has enlarged and modified the original decorative figures to resemble Adam and Eve, playing with the idealization of plump, cherubic children. These Überkinders are distorted to the point of abstraction, appearing adorable and obscene all at once. 


[Source from the City of London website]
 
 
5 김수자, 김세중 조각상 수상

Deductive Object, 2016, site specific installation consisting of painted welded steel, aluminum mirror panels. Sculpture: 2.45 x 1.50 m, Mirror: 10 x 10 m. Installation at Kimsooja – Archive of Mind at MMCA, Seoul. Photo by Jeon Byung Cheol. Courtesy of MMCA, Hyundai Motor Co., Kukje Gallery, Seoul, and Kimsooja Studio.

수상작가: 김수자
수상내용: 김세중 조각상
수상일자: 2017년 6월 24일 오후5시
시상장소: 서울 용산구 ‘예술의 기쁨’ 대강당
웹사이트: https://www.kimsechoong.org/
 
국제갤러리의 김수자는 제 31회 김세중 조각상 수상자로 선정되었다. 김세중 조각상은 1987년 한국 현대조각 제 1세대 작가인 김세중(1928~1986)의 업적을 기리기 위해 제정되었으며 역대 수상자로는 안규철, 엄태정, 박석원, 김영원 등이 있다. 올해 심사위원으로는 조각가 최만린, 이화여대 교수 윤난지, 서울대 미대 학장 문주, 미술 비평가 김복기, 홍익대 교수 전영백이 참여하였다. ‘보따리’ 시리즈로 세계적 주목을 받은 김수자는 장소 특정적(site-specific) 설치작업과 퍼포먼스를 통해 작가 자신과 사회와의 관계를 탐구해왔다. 이번 조각상의 시상식은 6월 24일 오후 5시 서울 용산구 ‘예술의 기쁨’ 대강당에서 열릴 예정이다.

Kimsooja has been named the 31st Kim Se-Choong Sculpture Award laureate. Established in 1987, the Kim Se-Choong Sculpture Award is enacted to honor the accomplishments of Kim Se-Choong (1928 – 1986), one of the first generation of contemporary Korean sculptors. Notable past awardees include Ahn Kyuchul, Um Tai Jung, Park Suk-Won, and Kim Youngwon. This year’s judges are sculptor Choi Man Lin, Nanjie Yun (professor of Fine Arts at Ehwa Womans University), Moon Joo (president of the College of Fine Arts at Seoul National University), art critic Kim Boggi and Young-baek Chun (professor of Fine Arts at Hongik University). Kimsooja, who received world-wide attention for her Bottari series, also worked with site-specific installations and performances that enabled her to explore the relationship between herself and the rest of society. The award ceremony will take place at the ‘Joy of Arts’ Auditorium in Yongsan-gu, Seoul on June 24, 2017 at 5 PM.

 
 
6 알렉산더 칼더, 프랑스 Musée Soulages에서 개인전 개최

Installation view of Calder. Forgeron de géantes libellules at the Musée Soulages.

전시작가: Alexander Calder
전시제목: Calder. Forgeron de géantes libellules (Forger of gigantic dragonflies)
전시기간: 2017년 6월 24일 ㅡ 2017년 10월 29일
전시기관: Musée Soulages, Rodez, France
웹사이트: http://musee-soulages.rodezagglo.fr/museum-soulages/
 
2017년 6월 24일부터 10월 29일까지 프랑스 로데스에 위치한 뮤제 술라쥬 (Musée Soulages)에서 알렉산더 칼더의 개인전 《Calder. Forgeron de géantes libellules (Forger of gigantic dragonflies)》이 개최된다. 이 전시는 전시장마다 다른 주제들을 가지고 그 동안 좀처럼 전시되지 않았던 칼더의 작품들을 선보이면서 1925 년부터 1976 년까지 작가의 혁신적이었던 작업들을 보여준다. 전시 제목인 《Forger of Gigantic Dragonflies》는 안드레 마송의 시에서 차용한 구절로, 모순된 의미를 가진 제목을 통해 작품의 밝음과 경쾌함, 그리고 조립된 금속뿐만 아니라 유연하고 창의적인 금속의 표현과 색채, 회수된 물질을 활용한 독창성을 드러낸다. 칼더의 잘 알려진 모빌 (Mobiles), 스테빌 (Stabiles), 그리고 철사 조각을 비롯하여 과슈 페인팅과 회화작품이 소개되며, Ugo Mulas, Gilles Ehrmann, Marc Vaux와 같은 유명한 사진 작가들이 찍은 칼더의 사진들도 전시될 예정이다.

Alexander Calder is featured in a solo exhibition titled Calder. Forgeron de géantes libellules (Forger of gigantic dragonflies) from June 24 to October 29, 2017, at the Musée Soulages in Rodez, France. This exhibition presents works that have rarely been exhibited—thematically arranged room after room, the show will recount the innovative career of Calder from 1925 to 1976. The title, Forger of gigantic dragonflies, conveys an oxymoron using a turn of phrase borrowed from an André Masson poem, signifying not only the lightness, airiness, and the metal that are assembled, but also an expression of metal, ductile and inventive, of inventions, salvaged materials and colors. The installation will include sculptures (Mobiles, Stabiles, «wire» sculptures), gouache paintings, drawings, and portraits of the artist taken by renowned photographers such as Ugo Mulas, Gilles Ehrmann, and Marc Vaux among others. 


[Source from the Musée Soulages website]
 
 
7 양혜규, 오스트리아 그라츠 쿤스트하우스에서 개인전 개최

VIP’s Union (detail), 2017, Courtesy of Kukje Gallery, Photo by Universalmuseum Joanneum/ N. Lackner

전시작가: 양혜규
전시제목: <VIP´s Union – Graz I>, <VIP´s Union – Graz II>
전시기간: 2017년 6월 23일 – 2018년 1월 28일
             2018년 2월 16일 – 2018년 4월 2일
전시기관: 그라츠 쿤스트하우스, 오스트리아
웹사이트: www.museum-joanneum.at/en/kunsthaus-graz
 
국제갤러리의 양혜규는 오스트리아 그라츠 쿤스트하우스에서 개인전 <VIP 학생회>를 개최한다. <VIP 학생회>는 빌려온 가구로 이루어진 개념적 작업으로, 이번 전시에서는 1, 2 부로 나뉘어 각각 약 7개월과 2개월에 걸쳐 선보여진다. <VIP 학생회>를 구성하는 가구들은 1부 기간(2017년 6월 23일부터 2018년 1월 28일)동안 전시실이 아닌 미술관의 공공 공간 곳곳에 파고들어 휴식과 사색의 공간을 마련하고, 2부 기간(2018년 2월 15일부터 4월 2일)에는 Space 02 전시실에서 전형적인 미술 작업이 전시되는 형태로 배치된다. <VIP 학생회>는 이번 그라츠 전시에 앞서 베를린, 브리스톨, 앤트워프, 본, 서울 등지에서 각각의 도시가 지닌 추상적이고도 구체적인 문화적 풍경을 담은 일종의 초상으로 다수에 걸쳐 실현된 바 있다. 각각의 도시 혹은 지역의 문맥과 기준에 따라 VIP를 지칭하는 개념은 다양 하지만, 동시에 미술기관에 ‘매우 중요한 사람’ 그리고 그들과 맺고 있는 관계가 중심에 서는 공통점을 중심으로 비 시각적인 방식으로 미술기관의 잠재적인 공동체를 그려내 왔다.

Haegue Yang will be featured in a solo exhibition titled VIP’s Union at the Kunsthaus Graz in Austria. Composed of various borrowed furniture and hinging on conceptual art, the exhibition will proceed in two phases over an extended period of time. In the first, which takes place for over seven months from June 23, 2017, to January 28, 2018, furniture lent by “very important persons” from the city and region of Graz will be on show throughout the building instead of remaining confined in an exhibition space. The “VIP Room” is transformed into a space that is open to all visitors, providing a zone for quietude and meditation. In the second phase, from February 15 to April 2, 2018, an exhibition in Space02 will conclude the project. VIP’s Union is connected with earlier presentations of this series in Berlin, Bristol, Antwerp, Bonn and Seoul. It will serve as a collective portrait of a cultural landscape of each location, both abstract and yet also very concrete, displaying different notions and ideas about “very important persons” and mapping their connections with each of the cultural institutions as a potential community.


[Source from the Kunsthaus Graz official press release]
 
 
8 우고 론디노네, 미국 Swiss Institute Contemporary Art에서 개인전 개최

John Giorno (left) and Ugo Rondinone. Photo by Alex Cretey-Systermans.

참여작가: Ugo Rondinone
전시제목: Ugo Rondinone: I ♡ John Giorno
전시기간: 2017년 6월 22일 – 2017년 8월 20일
전시기관: Swiss Institute Contemporary Art New York
웹사이트: http://www.ilovejohngiorno.nyc/index.html

국제갤러리의 우고 론디노네는 2017년 6월 28일부터 8월 20일까지 <Ugo Rondinone: I ♡ John Giorno>전을 Swiss Institute Contemporary Art New York을 비롯한 뉴욕 내 13곳의 기관에서 개최한다. 전시이자 동시에 론디노네의 작품이기도 한 이번 전시는, 시인이자 예술가, 사회 운동가로 활동하는 그의 뮤즈 존 지오노의 비범한 삶과 작품들을 조명한다. 지오노의 회화, 영상, 사운드 설치, 드로잉, 아카이브 프레젠테이션 및 비디오 설치를 포함한 다양한 작업들과, 지오노로부터 영감을 받아 제작한 다른 작가들의 작품들이 함께 전시된다. 론디노네는 존 지오노의 폭넓은 예술활동을 구성하고 있는 물질, 경험, 그리고 관계를 심도 깊은 작업들을 모아 전 방위적인 초상화를 그려냈다. 대표 전시작품으로는 지오노가 5시간 동안 숙면을 취하고 있는 모습을 담아낸 앤디 워홀의 필름작업 <Sleep>(1963) 과 ‘THANX 4 NOTHING’ 이란 제목의 시를 읽고 있는 조르노의 모습을 기록한 비디오 작업 <THANX 4 NOTHING>(2011) 등이 있다. 이번 전시는 국제갤러리를 비롯한 다수의 갤러리 및 기관의 후원으로 개최되었다. 

Ugo Rondinone presents an exhibition titled Ugo Rondinone: I ♡ John Giorno at the Swiss Institute Contemporary Art New York and twelve other venues across New York from June 22 to August 20, 2017. The exhibition, which is also a work of art by Rondinone, presents the extraordinary life and work of the poet, artist, activist and muse, John Giorno. The exhibition features paintings, films, sound installations, drawings, archival presentations and a video environment that are works both by Giorno himself, as well as work that he has inspired. Through these works Rondinone presents a prismatic portrait assembled from thoughtful arrangements of the materials, experiences and relationships that have defined Giorno’s astonishingly wide-ranging artistic career. Among the works on view will be Andy Warhol’s seminal 1963 film Sleep, in which Giorno is shown sleeping for more than five hours, and Rondinone’s 2011 video work THANX 4 NOTHING, which features Giorno reading his poem of the same title. This exhibition has received the support of Kukje Gallery and various other galleries and institutions.


[Source from the I ♡ John Giorno website]
 
 
9 안규철, 고양어린이박물관에서 개최되는 그룹전 참여

Lingering Time I, 2017, wooden rail, wooden balls, dimensions variable

참여작가: 안규철
전시제목: 즐거운 하루, 오늘!
전시기간: 2017년 6월 22일 – 2018년 6월 24일 
전시기관: 고양어린이박물관
웹사이트: http://goyangcm.or.kr/__DATA/_editor/%EB%82%B4%EC%9A%A9.jpg
 
국제갤러리의 안규철은 2017년 6월 22일부터 2018년 6월 24일까지 고양어린이박물관에서 개최하는 특별기획전 <즐거운 하루, 오늘!>에 참여한다. 본 전시는 고양어린이박물관 개관 1주년을 기념하기 위해 마련된 첫 번째 특별 기획전으로 어린이의 발달에 중요한 ‘놀이’와 예술에서 공통적으로 발견되는 ‘유희성’을 주제로 했다. 이번 전시는 어린이들을 위해 기획된 전시로, 아이들이 조각, 설치, 사진, 인터랙티브 미디어아트 등 창의력과 호기심을 자극하는 예술작품들로 채워진 놀이터에서 놀이를 하듯 자연스럽게 예술을 체험할 수 있는 기회를 마련하였다. 관객의 작품참여에 관심을 가져온 안규철은 빛이 스며드는 천으로 미로를 만들어 관객들로 하여금 미로 공간 속에서 자신과 타인의 관계에 대해 인식하고 체험해 볼 수 있는 설치작업 <이중나선>을 전시할 예정이다. 이 외에 국제갤러리에서도 선보였던 나무로 만든 레일 위에 나무공이 굴러갈 수 있도록 만든 <머무는 시간 I>이 함께 전시된다. 

Ahn Kyuchul participates in A-Mazing day, Today!, a special exhibition held at the Goyang Children’s Museum from June 22, 2017 to June 24, 2018. In celebration of their first anniversary, the exhibition centers on the theme of pleasure that can be associated with both children’s play and the arts. Designed specifically for children, the exhibition provides an opportunity for children to experience art naturally, almost as if they are playing at a playground filled with works that stimulate creativity and curiosity such as sculpture, installation, photography and interactive media art. Ahn Kyuchul, who has keen interest in audience participation, presents Double Helix, a maze-like installation of opaque fabric that encourages the viewer to pay attention to their relationships with others in the same environment. In addition, Ahn’s Lingering Time I, an installation first showcased at Kukje Gallery that involves wooden balls that roll over a wooden rail, is also on display. 


[Source from the Goyang Children’s Museum website]
 
 
10 양혜규, 국립현대미술관에서 주최하는 <상영프로그램&아티스트 토크> 참여


참여작가: 양혜규
프로그램제목: 이야기의 재건5: 폴리포니, 가상의 나 
상영회 일정: 2017년 6월 14일 – 2017년 7월 16일
양혜규 작품 상영 일정: 2017년 6월 16일 금요일 오후 3시 
                            2017년 6월 28일 수요일 오후 7시
                            2017년 7월 15일 토요일 오후 2시30분
아티스트 토크 일정: 7월 15일 토요일 오후 4시 
전시기관: 국립현대미술관 서울관 (MMCA) 필름앤비디오
웹사이트: http://www.mmca.go.kr/exhibitions/exhibitions

국제갤러리의 양혜규는 2017년 6월 14일부터 7월 16일까지 국립현대미술관 서울관 필름앤비디오에서 진행되는 <이야기의 재건 5: 폴리포니, 가상의 나> 프로그램에 참여한다. ‘이야기의 재건’ 시리즈는 2016년 6월부터 시작한 장기 기획상영 프로그램으로, <이야기의 재건 5: 폴리포니, 가상의 나>를 끝으로 마무리된다. 이번 상영회에는 일종의 여행 서사시 형식 안에서 목소리와 이미지의 관계를 실험하는 양혜규의 비디오 3부작(2004-2006) <펼쳐지는 장소>, <주저하는 용기>, <남용된 네거티브 공간>, 그리고 2007년에 제작한 <휴일이야기>가 상영된다. 이 중 비디오 3부작에서는 부유하는 여행자의 단상이 보이스오버로 전해지는 모호한 풍경 이미지들은 자아와 도시공간 사이의 간극을 담아낸다. 프로그램 기간 동안 총 20개의 작품이 29회차에 걸쳐 상영되며, 7월 15일 오후 4시에는 양혜규의 아티스트 토크가 진행될 예정이다.

Haegue Yang participates in Reconstruction of Story 5: Polyphony, the Imaginary of ‘I,’ a Film & Video program held at the National Museum of Modern and Contemporary Art (hereafter MMCA) from June 14 to July 16, 2017. Launched in June 2016 as a long-term film and video screening program, the Reconstruction of Story series concludes with Reconstruction of Story 5: Polyphony, the Imaginary of ‘I’. The program will include Unfolding Places (2004), Restrained Courage (2004), and Squandering Negative Spaces (2006), a video trilogy by Yang along with Holiday Story, a film produced in 2007. The trilogy experiments with the relationship between voices and images in a travel epic format, and displays ambiguous landscape images where the idle thoughts of a drifting traveler are transmitted through voiceovers that reflect the gap between the self and urban spaces. During the program, a total of 20 films will be screened 29 times, and an artist talk with Haegue Yang will be held on June 15 at 4PM. 





[Source from the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) website]
 
 
11 김수자, 비올라, 카셀에서 개최되는 dOCUMENTA 14 참여

Kimsooja, Bottari, 2005, site-specific installation consisting used bedcovers and clothing, Courtesy of EMST, Photo by Ben Davis 

참여작가: 김수자, 빌 비올라
전시제목: Kassel dOCUMENTA
전시기간: 2017년 6월 10일 – 2017년 9월 17일
전시기관: Fridericianum, Kassel, Germany
웹사이트: http://www.documenta14.de/en/
 
국제갤러리의 김수자와 빌 비올라는 2017년 6월 10일부터 9월 17일까지 독일 카셀에서 개최되는 dOCUMENTA 14 중 가장 중요하고 역사적인 전시장소인 프리데리치아눔 미술관 전시에 참여한다. 동시에 아테네에서도 개최되는 본 행사의 일환으로 아테네 도큐멘타의 주요 전시장인 아테네 국립 현대 미술관 (EMST)은 컬렉션의 일부를 카셀에 대여하여 선보이며, 이 중 김수자의 <보따리>(2005)와 빌 비올라의 (2004)가 포함된다. 이라는 제목의 컬렉션 전시는 82명의 작가가 제작한 180점의 작품으로 구성되어 있으며, 국경이동, 디아스포라 및 문화교류와 같은 다양한 사회정치적 문제들을 탐구한다. 김수자는 새로운 전시장소의 변화를 포용하는 의미로 아테네에서 수거한 사용된 의류, 천으로 구성된 기존 <보따리> 작업에 카셀에서 수집한 중고 의류와 이불보를 추가하여 새롭게 선보인다. 함께 전시되는 빌 비올라의 (2004)는 EMST 커미션 작품이다. 

Kimsooja and Bill Viola participate in dOCUMENTA 14 at the historic main venue Fridericianum in Kassel, Germany, from June 10 through September 17, 2017. As part of the show, Athens National Museum of Contemporary Art (hereafter EMST), the main exhibition venue of dOCUMENTA 14 exhibition counterpart in Athens, lent part of its collection to the Fridericinum, including Kimsooja’s Bottari (2005) and Bill Viola’s The Raft (2004). The collection on view, titled ANTIDORON – The EMST Collection, consists of 180 artworks by 82 artists and deals with various social and political issues such as border crossing, diaspora and cultural exchange. To accommodate this change of venue, Kimsooja modified her existing Bottari installation with the addition of used clothing and bedcovers from Kassel together with the existing garments from Athens. Bill Viola’s The Raft, also on view as part of this collection, is a work commissioned by the EMST. 


[Source from the dOCUMENTA 14 website]
 
 
12 장미셸 오토니엘, 프랑스 세뜨와 몽펠리에에서 개인전 개최

Black Lotus (detail), 2016, Courtesy of Kukje Gallery

참여작가: 장미셸 오토니엘
전시제목: Géométries Amoureuses (사랑에 빠진 기하학)
전시기간: 2017년 6월 10일 – 9월 24일 
전시기관: Centre régional d’art contemporain Occitanie (CRAC), Sète 
            Carré Sainte-Anne, contemporary art space of the city of Montpellier
웹사이트: http://crac.languedocroussillon.fr/
            http://www.montpellier.fr/505-les-expos-du-carre-sainte-anne.htm
 
장미셸 오토니엘은 2017년 6월 10일부터 9월 24일까지 프랑스 남부의 세뜨(Sète)에 위치한 옥시타니 현대미술센터 (Centre régional d’art contemporain Occitanie) 와 몽펠리에의 까레 생트 안느 현대미술공간(Carré Sainte-Anne)에서 개인전 을 개최한다. 옥시타니 현대미술센터에서는 작가의 최근 작업을 비롯해 그 동안 대중에게 많이 소개되지 않았던 작업들이 함께 설치된다. 이중 2016년 국제갤러리 전에서 선보였던 캔버스 작업들 시리즈, 그리고 거대한 꽃 모양의 조각으로 공중에 설치되는 등이 전시될 예정이다. 까레 생트 안느 현대미술공간에서는 작가가 소장해 온 작가 개인의 작품들 약 50점을 소개한다. 1990년대 유리작업을 처음 시작했을 때부터 모아온 작업들로 까레 생트 안느 현대미술공간을 위해 특별히 선보일 예정이다. 전시장 중앙에는 1992년에 흑요석으로 만든 작업인 , 베니스 페기 구겐하임 미술관에서 선보인 붉은 무라노 유리 작품 , 까르띠에 재단 전시에 소개한 등 작가의 최근 15년간의 활동에서 가장 주요한 역할을 했던 작품들이 전시된다. 

Jean-Michel Othoniel is featured in a solo exhibition titled Géométries Amoureuses (Geometries in Love) simultaneously held at the Centre régional d’art contemporain Occitanie/Pyrénées-Méditerranée (Regional center for contemporary art, hereafter CRAC), in Sète, and the Carré Sainte-Anne, contemporary art space of the city of Montpellier from June 10 to September 24, 2017. The CRAC in Sète presents an exhibition composed of monumental, previously unseen works. Among these is the Black Lotus series, first shown at the artist’s solo exhibition of the same name at Kukje Gallery, and The Wide Pansy, a large knot of colored-glass beads. The Carré Sainte-Anne, on the other hand, presents some fifty works from the artist’s personal collection. Among the works exhibited are Le Contrepet, Collier Cicatrice from the Peggy Guggenheim in Venice, Bannières from his exhibition at the Fondation Cartier and the Géométrie Amoureuse from the Mesopotamian room of the Louvre Museum, major works that have contributed to the last fifteen years of Othoniel’s artistic career.  


[Source from Centre Régional d’art Contemporain Occitanie & Carré Sainte-Anne official press release]
 
 
13 알렉산더 칼더, 뉴욕 휘트니미술관에서 개인전 개최

Aluminium Leaves, Red Post, 1941, Courtesy of Calder Foundation, New York

참여작가: 알렉산더 칼더
전시제목: Calder: Hypermobility
전시기간: 2017년 6월 9일 – 10월 23일 
전시기관: Whitney Museum of American Art, New York
웹사이트: http://whitney.org/Exhibitions/CalderHypermobility
 
알렉산더 칼더는 2017년 6월 9일부터 10월 23일까지 뉴욕 휘트니미술관에서 개인전 를 개최한다. 이번 전시는 칼더재단과의 협업으로 여태 대중들에게 드물게 소개되었던 칼더의 주요 작품들이 작동하는 모습과, Christian Marclay, Abigail DeVille, Nora Schultz 그리고 Jack Quartet과 같은 현대작가들의 커미션 작업을 통해 칼더의 혁신적인 작업들과의 대화를 유도한다. 전시작품들은 휘트니미술관 내 각 갤러리에서 주기적으로 작동되어 내재된 운동성을 드러내면서 퍼포먼스와의 연관성도 탐구하게 한다. 물체/신체의 유연한 움직임(choreography)에 대한 작가의 관심이 반영되어 있는 칼더의 조각들은 특유의 움직임을 통해 지각적인 반응을 유발하는 수행적 특성을 띄고 있으며, 이번 개인전은 칼더의 의도대로 작품들이 움직이는 장면을 관람할 수 있는 흔치 않은 기회를 제공할 예정이다.

Alexander Calder is featured in a solo exhibition titled Calder: Hypermobility at the Whitney Museum of American Art from June 9 to October 23, 2017. This exhibition brings together Calder’s key sculptures and provides a rare opportunity to experience the works as the artist intended—in motion. Regular activations will occur in the galleries, revealing the inherent kinetic nature of Calder’s work, as well as its relationship to performance. Influenced in part by the artist’s fascination and engagement with choreography, Calder’s sculptures contain an embedded performativity that is reflected in their idiosyncratic motions and the perceptual responses they provoke. In collaboration with the Calder Foundation, the exhibition will feature a series of performances and events, including a number of one-time demonstrations of rarely seen works, as well as new commissions, which will bring contemporary artists such as Christian Marclay, Abigail DeVille, Nora Schultz, and Jack Quartet into dialogue with Calder’s innovations.


[Source from the Whitney Museum of American Art website]
 
 
14 노충현, 서울대학교 미술관에서 개최되는 그룹전 참여

<연극이 끝난 후 (After a play ends)>, 194 X 260cm, oil on canvas, 2015

참여작가: 노충현
전시제목: 미술관 동물원
전시기간: 2017년 6월 7일 – 2017년 8월 13일 
전시기관: 서울대학교 미술관 전관
웹사이트: http://www.snumoa.org/Moa_new/programs/exhibitions_review.asp?sType=c
 
국제갤러리의 노충현은 2017년 6월 2일부터 8월 13일까지 서울대학교 미술관에서 개최하는 <미술관 동물원> 그룹전에 참여한다. 본 전시는 올해 서울대학교 미술관의 두 번째 기획 전시로, 서구 제국주의와 권력의 상징인 ‘동물원’과 ‘동물’을 둘러싼 여러 인문 사회학적, 윤리적 이슈들을 약 55점의 회화, 조각, 설치, 사진작업을 통해 탐구한다. 이번 전시에 참여하는 15명의 작가들과 팀은 시대의 패러다임에 따라 변화하는 동물에 대한 인식의 변화를 보여주고, 인간의 욕망과 진보의 역사를 담고 있는 동물원이 제기하는 문제들을 던진다. 소외되고 삭막한 장소를 주제로 시대의 담론을 생성해 온 노충현은 이러한 이슈들을 <연극이 끝난 후>(2015)에 담아내어, 마치 배우가 떠난 연극 무대처럼 인위적으로 만들어진 건축물인 동물원에서 동물이 사라진 풍경을 쓸쓸한 시선으로 바라본다. 

Choong-Hyun Roh participates in Museum Zoo, a group exhibition held at the Museum of Art at the Seoul National University from June 2 to August 13, 2017. As the museum’s second curated exhibition this year, the exhibition explores sociological issues that rose from the establishment of the zoo and the animals that apparently “belong” in it, which began as a symbol of Western imperialism and power, through 55 works of painting, sculpture, and photography. The 15 artists and collective that participate in Museum Zoo address the change in society’s perception of animals according to the social paradigms of the time and bring to surface the issues of human desire and progressive history that dwell in the enterprise of the zoo. Roh, known for constructing dialogue through the portrayal of alienated and desolate places, explores these issues in his work After a Play Ends (2015), depicting an empty zoo enclosure that echoes feelings of solitude. 
 

[Source from the Seoul National University Museum of Art website]
 
 
15 줄리안 오피, 영국 Weston Park와 Shrewsbury Museum and Art Gallery에서 개최되는 그룹전 참여

Julian Opie, City?, 2004

참여작가: 줄리안 오피
전시제목: Synthetic Landscapes
전시기간: 2017년 6월 4일 – 2017년 9월 3일 (Weston Park)
            2017년 6월 24일 – 2017년 9월 3일 (Shrewsbury Museum & Art Gallery)
전시기관: Weston Park, Shrewsbury Museum & Art Gallery, England
웹사이트: http://www.meadowarts.org/exhibitions/synthetic-landscapes
 
국제갤러리의 줄리안 오피는 미술기획단체 Meadow Arts의 기획 하에 웨스턴 파크(Weston Park)와 슈루즈버리 박물관과 미술관(Shrewsbury Museum & Art Gallery)에서 개최하는 그룹전 에 참여한다. 2017년 6월 4일부터 9월 3일까지 열리는 웨스턴 파크 전시에서 오피는 영국의 조경사 란슬로트 브라운(Lancelot Brown)이 소수의 상류층을 위해 설계한 유원지를 탐구하며, 축소된 고층 빌딩들을 모아 반-풍경화를 형상화한 (2004)를 선보인다. 2017년 6월 24일부터 9월 3일까지 개최될 슈루즈버리 박물관과 미술관 전시에서는 반대로 산업혁명과 그 이후에 인간에 의해 파괴된 자연풍경을 되돌아 보며 박물관과 미술관에서는 언덕에서 방목하는 양떼를 담아낸 애니메이션 (2017)를 통해 단순하고 간소화한 풍경화를 선보일 예정이다. 두 전시기관에서는 각자 현저히 다른 인공 풍경의 비전을 선보인다.

Julian Opie participates in Synthetic Landscapes, an exhibition curated by the arts organization Meadow Arts at two different locations—Weston Park and Shrewsbury Museum and Art Gallery, England—from June 4 to September 3 and June 24 to September 3, respectively. At Weston Park, Opie displays City? (2004), in which a scaled down and summarized version of a block of high-rise buildings stands as an anti-landscape. Alternatively, at Shrewsbury Museum and Art Gallery, Opie will exhibit the animation Sheep in Landscape (2017), a deceptively simple, much stylized landscape that depicts a flock of sheep grazing on the hills. The two venues will explore two radically different visions of manmade landscapes. Weston Park will explore the sculpted parkland of Lancelot Brown, an English landscape architect, created as a ‘pleasure ground’ for the enjoyment of a land-rich minority. At the opposing end of this view, in Shrewsbury the exhibition will explore the appropriation of landscape during the birth of the Industrial Revolution and afterwards. 


[Source from the Meadow Arts website]
 
 
16 비올라, 독일 Deichtorhallen Hamburg에서 개인전 개최

Tristan’s Ascension (The Sound of a Mountain Under a Waterfall) (Still/Detail), 2005

참여작가: 빌 비올라
전시제목: Bill Viola – Installations
전시기간: 2017년 6월 2일 – 2017년 9월 10일 
전시기관: Deichtorhallen Hamburg, Germany
웹사이트: http://www.deichtorhallen.de/index.php?id=514&L=1
 
국제갤러리의 빌 비올라는 2017년 6월 2일부터 9월 10일까지 독일 함부르크에 위치한 Deichtorhallen Hamburg의 현대미술관에서 개인전 를 개최한다. 빌 비올라의 작품은 인간의 삶에 있어서 주요한 주제인 탄생, 죽음, 사랑, 감정, 그리고 영성을 탐구하며, 특히 기독교, 불교, 그리고 이슬람교와 같은 종교적 전통에 대한 호기심을 주의 깊게 연구해왔다. 이러한 작가의 다종교적 포용력은 인간의 육체를 매체로 활용한 형태로 나타나며, 인상적이고 초월적인 아우라로 관객을 사로잡는 사운드 및 비디오 설치작업으로 선보여진다. 이번 개인전에 전시되는 10미터 높이의 비디오 설치작업들은 유럽의 가장 큰 전시기관 중 하나인 Deichtorhallen Hamburg의 전시공간을 21세기 성당으로 변모시킨다.

Bill Viola is featured in a solo exhibition titled Bill Viola – Installations at the Hall for Contemporary Art in the Deichtorhallen Hamburg from June 2 to September 10, 2017. Viola’s works explore the central themes of human life: birth, death, love, emotion, and spirituality. In particular, the artist has displayed an overarching interest in religious traditions throughout his career, including Christianity, Zen Buddhism, and Islam. This manifestation of tolerance, which uses the body as a medium for extraordinary experiences, is reflected in nearly all the artist’s sound and video installations, which are captivating for their memorable, transcendent aura. Viola’s works on display in the Deichtorhallen Hamburg, one of Europe’s largest exhibition halls, include monumental ten-meter video installations which transform the venue into a twenty-first century cathedral.


[Source from the Deichtorhallen Hamburg website]