KUKJE GALLERY
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1 우고 론디노네, 런던 헤이워드 갤러리 그룹전 《Among The Trees》 참가

Ugo Rondinone, Cold Moon, 2011
Courtesy of studio rondinone


전시작가: 우고 론디노네(Ugo Rondinone)
전시기간: 2020년 3월 4일(수) – 2020년 5월 17일(일)
전시기관: 런던 헤이워드 갤러리(Hayward Gallery)
웹사이트: https://www.southbankcentre.co.uk/whats-on/exhibitions/hayward-gallery-art/among-the-trees

세계적인 현대미술가 우고 론디노네가 런던 헤이워드 갤러리에서 열리는 그룹전 《Among The Trees》(2020년 5월 17일까지)에 참가한다. 올해 50주년을 맞은 ‘지구의 날’을 기념하여 열리는 이번 그룹전은 우고 론디노네를 비롯해 에이야-리사 아틸라(Eija-Liisa Ahtila), 피터 도이그(Peter Doig), 로버트 스미스슨(Robert Smithson) 등 전세계 38명의 현대미술가들이 참여한다. 나무의 시각적인 아름다움과 살아있는 유기체로서의 의미를 동시에 조명하는 이번 전시는 인류의 삶과 문명에 없어서는 안될 존재인 나무의 의미를 다각적으로 탐구한다. 

본 전시는 비디오 작품, 실제 크기의 조각, 회화, 드로잉 사진을 아우르는 다양한 작품들로 구성된다. 특유의 시적 감각으로 자연이라는 소재를 시간의 흐름과 인간 내면의 관점에서 꾸준히 탐구해온 우고 론디노네는 이번 그룹전에서 2000년 이상 된 올리브 나무를 뜬 알루미늄 조각 <Cold Moon>(2011)을 선보인다. 수천 년에 걸쳐 압축된 올리브 나무의 형상을 통해 작가는 광활한 시간의 흐름을 담아낸다. 또한 전시는 카메룬 작가 파스칼 마르틴느 타유(Pascale Marthine Tayou)의 조각 <Plastic Tree B>(2010), 이탈리아 미술가 주세페 페노네(Giuseppe Penone)의 조각 <Albero Porta - Cedro/Door Tree – Cedar>(2012) 등 나무를 소재로 한 다채로운 작품들을 선보인다. 헤이워드 갤러리 관장 랄프 루고프(Ralph Rugoff)는 “그 어느 때보다 숲이 빠르게 파괴되고 있는 이 시점에, 이번 전시는 관객들이 우리의 삶과 내면에서 나무와 숲이 갖는 의미를 새롭게 바라보도록 한다”고 밝혔다. 

The internationally acclaimed contemporary artist Ugo Rondinone is currently participating in a group exhibition titled Among The Trees (on view through May 17, 2020) held at Hayward Gallery in London. The exhibition, which celebrates the 50th anniversary of Earth Day, includes works by a roster of 38 international contemporary artists including Eija-Liisa Ahtila, Peter Doig, and Robert Smithson. Artists involved in the exhibition collectively explore the beauty of trees along with the symbolic significance of these living organisms, ultimately capturing the multifaceted implication of trees in the context of humanity and civilization. 

Among the Trees features a wide range of works including immersive video installations, life-sized sculptures, paintings, and drawings. Widely recognized for his signature poetic exploration of nature appertaining to the passage of time and introspection of the inner self, Rondinone introduces Cold Moon (2011), an aluminum cast of an olive tree more than 2,000 years old. The twisted and gnarled form of the olive tree encompasses vast passages of time. The exhibition also presents an extensive selection of works based on the guiding subject of trees, such as the Cameroonian artist Pascale Marthine Tayou’s sculpture Plastic Tree B (2010) and Italian artist Giuseppe Penone’s sculpture Albero Porta – Cedro/Door Tree – Cedar (2012). Ralph Rugoff, Director of Hayward Gallery, has remarked: “At a moment when the destruction of the world’s forests is accelerating at a record pace, Among the Trees brings together the work of leading international artists who urge us to think about the essential roles that trees and forests play in our lives and psyches.” 

[Source from Hayward Gallery press release]
 
 
2 도날드 저드, 뉴욕 현대미술관에서 개인전 《Judd》 개최

Installation view of Judd, The Museum of Modern Art, New York, March 1–July 11, 2020
Photo: Jonathan Muzikar © 2020 The Museum of Modern Art


전시작가: 도날드 저드(Donald Judd)
전시기간: 2020년 3월 1일(일) – 2020년 7월 11일(토)
전시기관: 미국 뉴욕 현대미술관(MoMA)
웹사이트: https://www.moma.org/calendar/exhibitions/5076

20세기 미술의 거장 도날드 저드의 개인전 《Judd》가 뉴욕 현대미술관에서 열린다. 물체의 구조적 속성과 물질성에 주목하여 그 자체로 존재하는 ‘오브제’를 탐구해온 저드는 전통적인 미술사의 흐름을 바꾸는 전례 없는 예술 세계를 구축해왔다. 미국에서 30년 만에 열리는 대규모 회고전인 이번 전시는 회화, 조각, 드로잉, 오브제, 가구 작업에 이르기까지 저드의 작품 세계를 총망라하는 70여 점의 작품들을 공개한다.

이번 개인전은 1960년대부터 1990년대까지의 작품들을 연대기 순으로 선보인다. 1963년 뉴욕 그린 갤러리(Green Gallery)에 소개되었던 초기 드로잉 작품을 시작으로 1960년대 중반에 제작된 저드의 대표작 <연속(progressions)>, <쌓기(stacks)> 시리즈가 공개된다. 1970년대 장소 특정적 설치작품을 비롯하여 작가의 정제된 예술 세계가 고스란히 담긴 1980-90년대 대표작 <무제(Untitled)> 시리즈도 함께 선보인다. 한편 저드는 정통 예술의 경계를 넘어 디자인과 건축 영역에서도 활발한 활동을 펼쳤는데, 전시장 입구에 설치된 ‘reading room’에서는 저드가 디자인한 가구들이 전시된다. ‘추상적이고 모호한’ 예술을 ‘의도적이고 명료한’ 세계로 전환시킨 저드의 작품들을 만날 수 있는 이번 전시는 오는 7월 11일까지 계속된다. 

Donald Judd, widely considered one of the most innovative artists of the 20th century, is the subject of a solo exhibition eponymously titled Judd at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York. During his lifetime, Judd revolutionized the language of modern sculpture by exploring the idea of ‘object-making’ and demonstrating a profound approach to form, structure, and material. The exhibition, which marks the first major retrospective for the artist to be held in the U.S. in three decades, highlights the full scope of Judd’s career by bringing together a comprehensive selection of 70 works including paintings, sculptures, drawings, objects, and furniture. 

The exhibition presents works from the 1960s to the 1990s in chronological order, including early drawings which were showcased in 1963 at the Green Gallery, New York, along with Judd’s signature series from the mid-1960s often referred to as ‘progressions’ and ‘stacks.’ The space will also feature site-specific installations created in the 1970s as well as the internationally renowned Untitled (1980-1990s) series, which captures Judd’s reserved artistic vocabulary. Meanwhile, visitors can browse through a range of Judd-designed furniture displayed at the “reading room” located by the entrance of the exhibition hall. This comprehensive survey of Judd’s life-long portfolio of works, which transformed art from the “abstract and ambiguous” to the “deliberate and specific,” runs through July 11, 2020. 

[Source from MoMA press release]
 
 
3 박찬경, 경남도립미술관 그룹전 《새로운 시(詩)의 시대》 참가

Park Chan-kyong, Citizen's Forest, 2016, video (b&w), ambisonic 3D sound, 26 min 32 sec, 3 channel video 
Courtesy of Art Sonje Center and Kukje Gallery Acknowledgement to Taipei Biennial 2016


전시작가: 박찬경(Park Chan-kyong)
전시기간: 2020년 2월 20일(목) – 2020년 5월 17일(일)
전시기관: 청주 경남도립미술관
웹사이트: http://www.gyeongnam.go.kr/user/exhibit/exhibitViewNow.do?menuCd=DOM_000009202001001000&pageIndex=1&exhibitKey=1465

현대미술가 박찬경은 경남도립미술관에서 열리는 3.15 의거 60주년 기념전 《새로운 시(詩)의 시대》에 참가한다. 박찬경을 비롯해 7인의 한국 현대미술가들이 참가하는 이번 전시는 정형화된 거대 담론의 역사 이면에 있는 미시적인 실체와 동기, 그리고 일상적 삶에 주목한다. 실재와 허구를 오가며 한국 근현대사의 다변적 의미를 탐구하고 비판적으로 성찰해온 박찬경은 이번 전시에서 <시민의 숲>(2016)을 선보인다. 

시인 김수영(1921-1968)의 <거대한 뿌리>(1964)와 화가 오윤(1946-1986)의 미완성작 <원귀도>(1984)에서 영감 받아 제작된 <시민의 숲>은 한 폭의 산수화처럼 펼쳐진 3채널 비디오 작품이다. 작품 속 산을 둘러싸고 행군하는 인물들은 1894년 동학농민운동, 1950~53년 한국전쟁, 1980년 5•18 민주화 운동, 2014년 세월호 참사 등 역사 속 비극적 사건들의 희생자들이다. 작가는 역사 속 이름 없던 존재들을 현재로 불러내 잠들지 못한 원혼을 위로한다. 총 3개의 전시실에 걸쳐 진행되는 이번 전시는 순환되는 역사를 움직임으로 시각화한 최수환의 <도플갱어>(2018), 사회 구조의 이면을 다룬 강태훈의 <Dead-end#2>(2019) 등을 함께 선보인다. 다원적인 시각으로 역사를 응시하는 작품들을 통해 우리가 미처 보거나 생각하지 못했던 세계를 만날 수 있는 이번 전시는 오는 5월 17일까지 진행된다. 
 
The contemporary artist Park Chan-kyong is currently participating in Rewriting the poetry, an exhibition marking the 60th anniversary of the 3•15 Movement at the Gyeongnam Provincial Museum of Art. The exhibition includes a roster of seven leading Korean contemporary artists who explore the undiscovered motives and subjects hidden behind the vast context of historical discourse. Known for his works which critically reflect upon the multilateral implications of modern Korean history by traversing reality and fiction, Park presents Citizen’s Forest (2016) as part of the exhibition.   

Inspired by Kim Soo-young’s poem Colossal Roots (1964) and Oh Yoon’s unfinished painting The Lemures (1984), Citizen’s Forest is a three-channel video presented in the form of a traditional ‘shan-su (landscape)’ scroll painting. The groups of people marching through the forest represent the countless, nameless lives lost in the tragic episodes of Korea’s modernization including the Donghak Peasant Revolution (1894), the Korean War (1950-1953), the Gwangju Uprising (1980), and the recent Sewol Ferry Disaster (2014). Park recalls these victims of the past to the present, creating a site to solemnly mourn these wandering spirits and provide consolation. The exhibition is spread across three galleries and also features Choi Suhwan’s visualization of circulating history titled doppelganger (2018) and Kang Taehun’s portrayal of the darker sides of social structure titled Dead-end#2 (2019). The exhibition, which introduces visitors to a novel outlook on the world by showcasing works that provide a multifaceted perspective on history, runs through May 17, 2020.

[Source from Gyeongnam Provincial Museum of Art press release]
 
 
4 빌 비올라(Bill Viola), 캘리포니아 크로커 미술관에서 개인전 《The Raft》 개최

Bill Viola, The Raft, 2004, video/sound installation. Photo: Kira Perov. Courtesy of Bill Viola Studio

전시작가: 빌 비올라(Bill Viola)
전시기간: 2020년 2월 16일(일) – 2020년 5월 10일(일)
전시기관: 미국 캘리포니아 새크라멘토 크로커 미술관(Crocker Art Museum)
웹사이트: https://www.crockerart.org/exhibitions/bill-viola

비디오아트의 선구자 빌 비올라(Bill Viola)의 개인전 《The Raft》가 미국 캘리포니아 새크라멘토 크로커 미술관(Crocker Art Museum)에서 열린다. 빌 비올라는 탄생, 삶, 죽음 등 인간 보편의 경험을 ‘비디오’라는 매체를 통해 숭고하게 표현함으로써 근원적이고 존재론적인 주제를 탐구해왔다. 특별히 이번 개인전에서는 2004년 아테네 올림픽 커미션 작품 <The Raft>(2004)를 미국에서 처음으로 선보인다. 

프랑스 화가 테오도르 제리코(Théodore Géricault)의 실제 선박 침몰사고를 그린 작품 <The Raft of the Medusa>(1819)를 모티브로 한 <The Raft>는 396.2cm x 223 cm 크기의 대형 비디오 작업이다. 작품 속 다양한 인종들의 군상 위로 갑자기 재난과 같은 폭우가 쏟아지고, 사람들은 끌어안아 서로를 지탱하는가 하면, 넘어진 사람들을 도와 일으켜 세운다. 작가는 특유의 ‘슬로모션’ 기법을 사용하여 재난을 마주한 사람들의 견고하고 섬세한 감정 변화를 더욱 선연하게 드러낸다. 어두운 방 안에 펼쳐진 화면을 통해 명상적, 성찰적인 사유의 경험을 선사하는 이번 전시는 오는 5월 10일까지 계속된다. 

The pioneering contemporary video artist Bill Viola is the subject of a solo exhibition titled The Raft at the Crocker Art Museum in Sacramento, California. Viola is widely known to address fundamental and existential themes by portraying the sublime in universal human experiences including birth, life, and death through video. The exhibition is the first in the U.S. to introduce The Raft, created by Viola as a commission for the 2004 Olympic games in Athens. 

The Raft features a large-scale video projection with the dimensions of 396.2cm x 223cm, suggesting a direct reference to the French artist Théodore Géricault’s painting The Raft of the Medusa (1819), which depicts survivors of a shipwreck on a makeshift raft. The Raft presents a group of ordinary people from all races overtaken by a sudden rush of water, huddling together for stability and helping those who have fallen once the deluge subsides. The artist captures these moments by utilizing his signature slow-motion technique, magnifying the victims’ range of emotional responses to the crisis. The exhibition, which offers the viewer a meditative and reflective experience by displaying the work within a darkened room, runs through May 10, 2020.
 
[Source from the Crocker Art Museum press release]
 
 
5 폴 맥카시(Paul McCarthy), LA 해머 미술관 개인전 《Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019》 개최

Paul McCarthy, Cooking Show, 2001, charcoal, graphite, and oil stick on paper, 248.9 × 181 cm. Private Collection.

전시작가: 폴 맥카시(Paul McCarthy)
전시기간: 2020년 2월 2일(일) – 2020년 5월 10일(일)
전시기관: LA 해머 미술관(Hammer Museum)
웹사이트: https://hammer.ucla.edu/exhibitions/2020/paul-mccarthy-head-space-1963-2019

세계적인 현대미술가 폴 맥카시(Paul McCarthy)의 개인전 《Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019》이 LA 해머 미술관에서 2020년 5월 10일까지 열린다. 폴 맥카시는 퍼포먼스부터 비디오, 설치, 조각, 사진, 드로잉에 이르기까지 다양한 장르를 넘나들며, 우리가 무의식적으로 받아들이는 자본주의 문화와 대중심리의 어두운 심연에 주목한 작업을 전개해왔다. 특별히 이번 개인전에서는 그의 예술 세계의 근간을 이루는 지난 50년 간의 드로잉 작품들을 집중 조명한다. 

이번 전시는 석탄, 흑연 등 일반적 재료부터 비전통적 재료인 케첩, 땅콩버터 등으로 그린 600여 점의 방대한 드로잉 작품들로 구성된다. 작품 설계를 위한 발상의 수단으로 시작된 그의 드로잉은 1970년대부터 조각, 설치, 퍼포먼스 작품의 일부가 되었다. 복제, 확대/축소, 왜곡, 결합 등의 방식으로 본래의 자연 및 세상의 체계에 새로운 질서를 부여하는 작가의 독자적 세계는 드로잉 작품에도 여실히 드러난다. 이번 전시에는 월트 디즈니 애니메이션 ‘백설공주와 일곱 난쟁이’(1937)를 주제로 한 연작의 바탕이 된 <Dopwhite, WS>(2009)와 비디오 퍼포먼스 <CSSC Coach Stage Stage Coach>(2017), 그리고 <NV Night Vater>(2019–)에 활용된 드로잉 작품들이 함께 공개된다. 한편 전시를 기념하여 폴 맥카시의 드로잉 작품 400여 점과 함께 작가 인터뷰가 수록된 도록(델모니코 북스 출판)이 발간된다. 

The internationally acclaimed contemporary artist Paul McCarthy is the subject of a solo exhibition titled Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963-2019 at the Hammer Museum in Los Angeles through May 10, 2020. Celebrated for his works that encompass a wide spectrum of genres including performance, video, installation, sculpture, photography, and drawing, McCarthy explores ideas of omnipresent capitalist culture along with the cynical aspects of crowd psychology. This comprehensive survey endeavors to show the artist’s drawings from the last five decades of his practice, which were vital in establishing McCarthy’s artistic vocabulary. 

In this exhibition, McCarthy introduces a large body of work spanning over 600 drawings which employ a range of materials such as charcoal and graphite to more unorthodox ones including ketchup and peanut butter. Since the 1970s, the artist’s drawings which originated as part of the working process have transformed into an integral part of his sculptures, installations, and performances. McCarthy’s artistic vocabulary, mainly represented by his drawings, bestows new principles into the existing structure of nature and society through methods of duplication, magnification, reduction, distortion, and conjunction. On view at the exhibition are works such as Dopwhite, WS (2009), part of a series inspired by the Walt Disney animation ‘Snow White and the Seven Dwarfs’ (1937), the video performance CSSC Coach Stage Stage Coach (2017), and drawings from the artist’s ongoing project, NV Night Vater (2019-). Meanwhile, DelMonico Books will be publishing a catalogue on the exhibition, consisting of over 400 drawings and an artist interview. 

[Source from Hammer Museum press release]
 
 
6 로니 혼(Roni Horn), 미국 메사추세츠 엠허스트 주립대학교 현대미술관에서 개인전 《Roni Horn》 개최

Roni Horn, Pi, 1997-98 (detail), forty-five Iris-printed photographs on Sommerset satin paper, framed. Courtesy of the artist and Hauser & Wirth 

전시작가: 로니 혼(Roni Horn)
전시기간: 2020년 1월 31일(금) – 2020년 4월 26일(일)
전시기관: 미국 메사추세츠 앰허스트 주립대학교 현대미술관 
웹사이트: https://fac.umass.edu/UMCA/Online/default.asp?BOparam::WScontent::loadArticle::permalink=RoniHorn

세계적인 현대미술가 로니 혼(Roni Horn)의 개인전 《Roni Horn》이 미국 메사추세츠 엠허스트 주립대학교 현대미술관에서 열린다. 사진, 조각, 드로잉 등 다양한 매체를 아울러 작업을 전개해온 로니 혼은 특히 변화하는 자연환경 속 인간의 지각과 시각적 경험에 대해 지속적으로 탐구해왔다. 특별히 이번 개인전에서는 그의 예술 세계의 원천이자 주요 배경인 아이슬란드에서 촬영한 사진 연작 <Pi>(1997-1998)를 선보인다. 

‘원주율(π)’이라는 의미를 가진 작품명 ‘Pi’는 북극권 자연과 일상의 순환적 주기를 시사한다. 북아이슬란드에서 촬영한 45장의 대규모 사진 연작 <Pi>는 어느 노부부의 집에서 창문을 통해 바라본 북극의 풍경, 노부부의 사진, 그리고 노부부가 둥지에서 주운 오리 솜털 등으로 구성된다. 또 많은 아이슬란드인들이 매일 오후 시청했던 미국 드라마 ‘Guiding Light(1952-2009)’와 북극에 서식하는 동물 사진의 병치 작업은 일상과 자연이 순환하는 북극의 모습을 보여준다. 작가는 물, 빛, 날씨에 내재하는 연속적인 흐름을 포착함으로써 장소와 인간, 사물 간의 관계에 대한 폭넓은 관심사를 구체화한다. 긴 띠처럼 설치되어 있는 사진들을 통해 아이슬란드의 풍경과 인물에 둘러싸이는 듯한 경험을 선사하는 이번 전시는 오는 4월 26일까지 진행된다. 

The internationally celebrated contemporary artist Roni Horn is the subject of a solo exhibition eponymously titled Roni Horn at the University Museum of Contemporary Art, housed in the University of Massachusetts Amherst. Widely recognized for her diverse artistic practice which encompasses photography, sculpture, and drawing, Horn consistently explores the perceptual and visual experiences of mankind within nature. The exhibition focuses on the artist’s photographic series Pi (1997-1998) which was shot in Iceland, a landscape that creates the bedrock of and background behind Horn’s artistic practice.

The title of the series, Pi, which is defined as the ratio of the circumference of a circle to its diameter, refers to the collection of cyclical events that occur in the nature and everyday life along the Arctic Circle. An assemblage of 45 large-scale photographs brings together a view of the Arctic witnessed from the windows of an elderly couple’s home, a portrait of the couple, and images of the down harvested from the feather nests of their Eider ducks. Meanwhile, the juxtaposition of stills from the daily American soap opera, Guiding Light (1952-2009), watched by many in the afternoon, against the routine life cycles of animals in Iceland, illustrate the collision of nature and culture. Horn also explores her diverse interests in the relationship between landscape, human identity, and object by capturing the continuous motion inherent in water, light, and weather. The exhibition, which offers an immersive experience of being surrounded by Icelandic scenery and people through a frieze-shaped circular installation of photographs, runs through April 26, 2020. 

[Source from the UMass Amherst, University Museum of Contemporary Art website]
 
 
7 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset), 제29회 B.Z. Culture Prize 수상

The winners of the B.Z. Culture Prize 2020 Volker Kutscher, Dana Salenko and Marian Walter, Peaches, David Garrett, Michael Elmgreen and Ingar Dragset, as well as Christian Petzold with B.Z. Editor-in-Chief Miriam Krekel, Axel Springer CEO Mathias Döpfner, Friede Springer, B.Z. Cultural Director Michael Zöllner and Theater Director Oliver Reese. Missing August Diehl, c/o Charles Yunck


수상작가: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
수상기관: 베를리너 차이퉁(Berliner Zeitung)
웹사이트: https://www.axelspringer.com/de/presseinformationen/respekt-verbindet-b-z-kulturpreis-zum-29-mal-verliehen

아티스트 듀오 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)이 제29회 B.Z. Culture Award의 Bronze Bear 수상자로 선정되었다. 독일 언론사 베를리너 차이퉁(Berliner Zeitung)이 주관하는 이 상은 매년 미술, 음악, 퍼포먼스, 영화, 도서 등 다양한 분야에서 활동하며 세상에 예술적 영감을 선사한 인물들에게 수여된다. 1992년을 시작으로 볼프강 틸만스(Wolfgang Tillmans), 제프 쿤스(Jeff Koons), 칼 라거펠트(Karl Lagerfeld) 등 문화예술계 인사들이 이 상을 수상한 바 있다. 올해는 엘름그린 & 드라그셋을 비롯해 영화배우 오거스트 딜(August Diehl), 영화감독 크리스티안 펫졸드(Christian Petzold), 바이올리니스트 데이비드 가렛(David Garrett) 등 8인(팀)이 함께 수상자로 선정되었다.

엘름그린 & 드라그셋은 일상에 만연한 사회적 클리셰와 문화 구조에 질문을 제기하고, 이를 특유의 위트와 비판정신으로 재해석하는 작업을 전개해왔다. 베를리너 차이퉁의 수석 에디터 미리암 크레켈(Miriam Krekel)는 “베를린을 넘어 전세계에 영향을 미치는 예술인들에게 이 상을 수상하게 되어 영광이다. 그들은 다르게 생각하고, 다르게 행동한다. 우리 수상자들은 항상 의문을 제기하고 기꺼이 답을 찾고자 한다.”라고 선정 이유를 밝혔다. 지난 1월 28일 베를리너 페스트슈필레(Haus der Berliner Festspiele)에서는 시상식과 함께 이번 상의 의미를 공유하고 축하하는 갈라쇼가 열렸다.

The artist duo Elmgreen & Dragset has been announced as the recipient of the bronze B.Z. Bear Award at the 29th B.Z. Culture Prize (hereafter the Prize). The Prize, brought together annually by Berlin’s largest media outlet Berliner Zeitung (hereafter B.Z.), honors people across a diverse range of fields including art, music, performance, film, and literature, whose works have made an artistic impact on society. Since 1992, luminaries of the arts and culture sector such as Wolfgang Tillmans, Jeff Koons, and Karl Lagerfeld have been amongst the winners. This year, the Prize was awarded to a roster of eight individuals and teams including Elmgreen & Dragset, actor August Diehl, film director and screenwriter Christian Petzold, and violinist David Garrett.

Elmgreen & Dragset raise attention to the social clichés and cultural structures pervasive in everyday life, introducing works which reinvent these ideas with their signature humor and poignant sarcasm. In regards to the Prize, Miriam Krekel, the editor-in-chief of B.Z., remarked, “Today we have the honor of honoring people whose artistic work has [made] an impact on our society far beyond the borders of Berlin… And because they dare to be different, to think differently – and to act differently. Our award winners have the courage to question things.” On January 28, 2020, a gala show was held at the Haus der Berliner Festspiele, where guests from culture, politics, and the media honored and celebrated the recipients of the Prize.

[Source from B.Z. Culture Prize press release]


 
 
8 강서경, LA 코먼웰스 앤 카운실 갤러리에서 개인전 《face》 개최

Installation view of face, Commonwealth and Council, LA, USA, 2020

전시작가: 강서경(Suki Seokyeong Kang)
전시기간: 2020년 1월 25일(토) – 2020년 3월 7일(토)
전시기관: 로스앤젤레스 코먼웰스 앤 카운실(Commonwealth and Council)
웹사이트: http://commonwealthandcouncil.com/exhibitions/face

전세계 미술계의 주목을 받고 있는 강서경 작가의 개인전 《face》가 로스앤젤레스 코먼웰스 앤 카운실(Commonwealth and Council) 갤러리에서 2020년 3월 7일까지 열린다. 회화, 설치, 영상 등을 조화시킨 작업으로 잘 알려진 강서경은 전통의 개념과 개인사에서 추출한 서사적 주제를 바탕으로 독창적인 작업 세계를 전개해 왔다. 갤러리가 제시한 ‘A face in the mirror’라는 문구가 시사하듯 작가는 이번 전시에서도 동시대 미술적 요소를 통해 전통과 역사를 비춰낸 고유한 작품세계를 선보인다. 

이번 전시는 회화, 설치, 퍼포먼스, 영상 등 다양한 매체를 아우르는 다층 설치 작업으로 구성되어 있다. 먼저 작가는 전통 악보인 ‘정간보’에서 착안한 <자리(Mat)> 연작을 통해 전통을 재해석한 작품들을 선보인다. 약 2m 길이의 화문석 위 제한된 공간에서만 행해지는 1인 궁중무용 ‘춘앵무’를 현대적으로 번안한 이 연작은 주어진 공간 안에서 균형을 찾아가며 살고 있는 개인의 가능성을 함의한다. 또한 함께 설치된 <둥근 계단들(Circled Stair)> 연작은 작가 본인의 할머니에 대한 기억을 주제로 한 작품으로 철, 실 등의 재료를 통해 위태롭지만 아름다웠던 할머니의 신체 및 존재감을 형상화한다. 이외에 조각 <Tender Meander #19-07>(2018-2019), 영상 <face Video Sculpture>(2018-2019) 등 다채로운 작품들이 현재 강서경 작가의 작업세계를 구성하는 언어 및 화두를 펼쳐 보인다. 한편 작가는 제2회 프리즈 로스앤젤레스 페어 첫 날인 2월 14일, 전시장에서 아티스트 토크 및 퍼포먼스를 선보일 예정이다. 

The internationally acclaimed contemporary artist Suki Seokyeong Kang is the subject of a solo exhibition titled face at Commonwealth and Council in Los Angeles through March 7, 2020. Highly regarded for her works that encompass and merge painting, installation, and video, Kang has been constructing a unique practice founded on ideas of Korean tradition and narrative themes extracted from her personal history. As inferred from the expression “[a] face in the mirror” that delineates the title of the exhibition, Kang presents a body of work reflecting tradition and history through methods of contemporary art. 

Kang introduces a multipart installation brought together by paintings, installation, performance, and video for the exhibition. On view are works from the artist’s signature Mat series, a body of work inspired by the traditional musical notation system jeongganbo, which reinterprets and reframes Korean tradition. The Mat series provides a contemporary visual translation of chunaengmu (春鶯舞), a solo court dance developed in the Joseon Dynasty (the last dynasty of pre-modern Korea, from 1392 to 1897) typically performed on a 2-meter wide, woven reed mat called hwamunseok. Such works portray how individuals occupy space and time as they come together to interact in society while maintaining their position within. The Circled Stair series, conceived in memory of Kang’s grandmother, visualizes her late grandmother’s precarious yet beautiful body and presence by employing materials such as steel and thread. A selection of works also on view, including Tender Meander #19-07 (2018-2019) and face Video Sculpture (2018-2019), delivers a comprehensive understanding of the artist’s unique artistic vocabularies and the ideas that constitute them. As part of the exhibition program, Kang will be presenting an artist talk and performance at the gallery on February 14, 2020, coinciding with the opening of the 2nd edition of Frieze Los Angeles. 

[Source from Commonwealth and Council website]
 
 
9 박서보, 뉴욕 구겐하임 미술관 그룹전 《Marking Time: Process in Minimal Abstraction》 참가

Park Seo-Bo, Ecriture No. 55-73, 1973, graphite and oil on canvas, 195.3 x 290.7 x 3.8 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Gift, the Samsung Foundation of Culture, 2015.50

전시작가: 박서보(Park Seo-Bo)
전시기간: 2019년 12월 18일(수) – 2020년 8월 2일(일)
전시기관: 뉴욕 구겐하임 미술관
웹사이트: https://www.guggenheim.org/exhibition/marking-time-process-in-minimal-abstraction

지난 12월 제64회 대한민국예술원상 미술 부문 수상자로 선정되는 등 국내외로 활발한 활동을 이어가고 있는 박서보가 뉴욕 구겐하임 미술관에서 열리는 그룹전 《Marking Time: Process in Minimal Abstraction》(2020년 8월 2일까지)에 참가한다. 박서보를 비롯해 아그네스 마틴(Agnes Martin), 로만 오팔카(Roman Opałka) 등 세계적인 추상 화가들의 작품들로 구성된 이번 전시는 추상에 이르는 다양한 방식들을 탐구한다. 제목이 시사하듯 작가가 작품을 완성하기까지의 시간과 노고, 반복적인 수행의 과정에 주목한 이번 전시는 관객들로 하여금 각 작품의 탄생뿐 아니라 그 이면까지 상상해보도록 한다.

박서보는 어린 아들의 행동에서 착안한 연필묘법 연작인 <묘법(描法) No. 55-73>(1973)을 선보인다. 캔버스에 유백색의 밑칠을 하고 채 마르기 전에 연필로 선긋기를 반복하는 연필묘법은 무언가를 새롭게 그려내는 것이 아닌 비워내는 작업이다. 수없이 반복되는 선 긋기는 물성과 정신성, 작가의 행위가 합일을 이루는 과정으로 곧 ‘비움’과 ‘수신’의 도구가 된다. 이번 전시에서는 폴란드 개념 미술가 로만 오팔카의 <1965/1–∞> 연작, 명상적인 추상 작업을 선보이는 인도 예술가 자리나(Zarina)의 <무제>(1977) 등이 함께 선보인다. 한편 박서보는 오는 3월 국제갤러리 K1에서 개인전을 앞두고 있다.

The internationally acclaimed painter Park Seo-Bo, who was announced as the recipient of the 64th National Academy of Arts of the Republic of Korea Award last December, is currently participating in a group exhibition titled Marking Time: Process in Minimal Abstraction (on view through August 2, 2020) at the Solomon. R. Guggenheim Museum in New York, USA. Featuring a roster of world-renowned abstract painters including Park Seo-Bo, Agnes Martin, and Roman Opałka, this exhibition explores how artists operating in a variety of contexts foregrounded process as they forged new approaches to abstraction. As can be inferred from the title, this exhibition invites viewers to imaginatively reenact aspects of the creative process, allowing for an intimate understanding of the duration, intensity, and rhythm that each works required. 

For this exhibition, Park Seo-Bo introduces Ecriture No. 55-73 from his “pencil  écriture” series which was inspired by his young son’s unschooled handwriting. Applying countless pencil lines on a canvas painted in white, such repetitive action does not imply the process of drawing something new but emptying oneself. The action of drawing countless lines with pencil incorporates materiality, spirituality, and the process of drawing as a tool for self-cultivation and emptying. The exhibition also includes work from the Polish conceptual artist Roman Opałka’s 1965/1–∞ series and the Indian abstract artist Zarina’s Untitled (1977), which frames abstract painting with the foundations of meditation. Park will also open a solo exhibition in Kukje Gallery’s newly renovated K1 space this coming March. 

[Source from the Solomon. R. Guggenheim Museum press release]
 
 
10 바이런 킴(Byron Kim), 2019년 로버트 드 니로 시니어상 수상

Artist portrait of Byron Kim. Photo: Keith Park

수상작가: 바이런 킴(Byron Kim)
수상기관: 트라이베카영화협회(Tribeca Film Institute)
웹사이트: https://meganfoxkellyartadvisory.cmail19.com/t/ViewEmail/t/CCE8E383A3E825802540EF23F30FEDED/7668B21E5122B99E4BD7C9066BE4161D

현대미술가 바이런 킴이 2019년 로버트 드 니로 시니어상(Robert De Niro Sr. Prize) 수상자로 선정되었다. 이 상은 세계적인 화가 로버트 드 니로 시니어를 기리기 위해 그의 아들인 배우 로버트 드 니로가 2011년 처음 제정한 상으로, 매년 회화 분야에 공헌한 미국 중견 작가 한 명을 선정하여 상금 2만 5천달러를 수여한다. 바이런 킴은 스탠리 휘트니(Stanley Whitney), 조이스 펜사토(Joyce Pensato), 캐서린 머피(Catherine Murphy), 로버트 보르도(Robert Bordo), 로라 오웬스(Laura Owens), R.H. 쿠에이트만(R.H. Quaytman), 헨리 테일러(Henry Taylor)에 이은 8번째 수상 작가다.

일상적인 소재와 풍경을 구상과 추상을 넘나드는 특유의 조형언어로 표현해온 바이런 킴은 2001년부터 현재까지 매주 일요일 그날의 하늘을 동일한 크기의 소형 캔버스(35.5 x 35.5 cm)에 그린 연작으로 잘 알려져 있다. 작가는 일상적인 소재를 통해 본질적이고 큰 그림의 ‘삶’을 그려내는 고유한 회화 세계를 구축해왔다. 심사위원인 아트 인 아메리카 에디터 윌리엄 스미스(William S. Smith)는 “바이런 킴은 미니멀한 시각적 어휘가 어떻게 보다 큰 주제를 표현할 수 있는지 보여주는 작가다. 그의 작품은 색, 표면, 그리고 빛의 미묘함에 주의를 기울이는 동시에 개인적 성찰에서 사회적 관여에 이르기까지 넓은 영역의 주제를 포괄한다.”며 선정 이유를 밝혔다. 한편 바이런 킴은 현재 미국 클리브랜드 현대미술관에서 개인전 《Byron Kim: The Sunday Paintings》(2020년 1월 5일까지)를 진행 중이다.

The contemporary artist Byron Kim is the 2019 recipient of the esteemed Robert De Niro, Sr. Prize. Established in 2011 by Robert De Niro, Jr. in honor of his late father, the accomplished painter Robert De Niro, Sr., the prize recognizes a mid-career American artist for their significant and innovative contributions to the field of painting with a $25,000 merit-based prize. Byron Kim is the eighth artist to have received this prize following the Stanley Whitney (2011), Joyce Pensato (2012), Catherine Murphy (2013), Robert Bordo (2014), Laura Owens (2015), R.H. Quaytman (2016), and Henry Taylor (2018).

Byron Kim’s work captures the everyday subject and scenery while balancing formal ingenuity with conceptual sophistication. Kim is widely known for his Sunday Paintings, to which the artist has been committing himself to a single painting of the sky every Sunday on a uniform 35.5 x 35.5 cm canvas since 2001. Byron Kim has been exploring intrinsic spirituality through the mundane and profound details of the everyday. William S. Smith, part of the Robert De Niro Sr. Prize selection committee and Editor of Art in America, remarked, “Byron Kim demonstrates how a minimalist visual vocabulary can be maximally affecting. His paintings reflect his careful attention to the subtleties of color, surface, and light while simultaneously demonstrating the medium’s ability to facilitate everything from broad social engagement to deeply personal rumination.” Kim is currently the subject of a solo exhibition titled Byron Kim: The Sunday Paintings at Museum of Contemporary Art Cleveland, USA, through January 5, 2020.

[Source from the official statement issued by The Estate of Robert De Niro Sr.]


 
 
11 양혜규, 내셔널 갤러리 싱가포르 커미션 시리즈 ‘아웃바운드(OUTBOUND)’ 초청, 신작 설치작 발표

Haegue Yang, Forum for Drone Speech – Singapore Simulations, 2019, laminated plywood, stainless steel wire mesh, powder-coated metal pipe, prints on holographic paper, transparent sticker, and loudspeakers. Nadine’s voice: audio, single channel, stereo, approx. 12 minutes; Birdsong: audio, single channel, stereo, 29:58 minutes, 340 x 506 x 230 cm. Courtesy of National Gallery Singapore.

전시작가: 《드론 연설을 위한 포럼 – 싱가포르 시뮬레이션(Forum for Drone Speech – Singapore Simulations)》
전시기간: 2019년 11월 28일(목)부터 약 3년간
전시기관: 싱가포르 내셔널 갤러리 싱가포르(National Gallery Singapore)
웹사이트: www.nationalgallery.sg/outbound/forum-for-drone-speech-singapore-simulations

양혜규는 11월 28일 내셔널 갤러리 싱가포르(National Gallery Singapore)의 ‘아웃바운드(OUTBOUND)’ 시리즈에 초청되어 새로운 설치작 <드론 연설을 위한 포럼 싱가포르 시뮬레이션(Forum for Drone Speech – Singapore Simulations)>을 선보인다. 내셔널 갤러리 싱가포르는 영국 식민지 시기에 건립된 두 청사, 시청(1929년)과 대법원(1939년) 건물을 개조∙통합시킨 역사적 건물로 2015년 개관 이래 싱가포르의 대표 국립미술관으로 기능하고 있다. 지난 해부터 시작된 연례 커미션 프로젝트 ‘아웃바운드’는 미술관 건물의 역사적 배경을 반추하고 예술을 보다 폭넓게 향유하기 위해 전세계에서 활발히 활동하는 현대미술 작가들을 초청해 미술관 내 다양한 공용 공간에 장소특정적 작업을 설치한다. 특히 양혜규의 작품이 설치되는 구 시청 건물은 1959년 싱가포르 독립 선언이 낭독된 곳이자 정치∙사회∙문화적으로 중요한 공공장소로 기능해온 ‘파당(Padang; 평지, ~장을 일컫는 말레이어)’을 맞은편에 면하고 있어 과거와 현재, 역사와 문화, 사회를 아우르는 양혜규의 다층적 작업과 직접적으로 소통한다.

양혜규의 <드론 연설을 위한 포럼 – 싱가포르 시뮬레이션>은 미술관의 역사에 대한 사전 조사와 자료 수집을 바탕으로 실제와 허구, 자연과 인공, 과거와 현재가 다감각적 경험을 통해 조우하는 혼성의 설치 작업이다. 기본 골조를 이루는 모조 대리석의 기하학적 구조물은 세로 홈이 패인 원통형 기둥, 반원 아치, 피라미드 등 신고전주의 건축 양식으로 장식된 대리석 건물의 물리적 환경을 반영한다. 구조물 상단을 휘어 돌며 가로지르는 금속 격자망에는 홀로그램 필름지에 프린트된 일련의 흑백 아카이브 이미지들이 펼쳐진다. 영국 식민지 시대의 싱가포르에서 활동한 영국인 조각가 도라 고딘(Dora Gordine)의 작품이자 구 시청에 전시되기도 했던 다문화적 청동 두상, 이탈리안 건축가 루돌포 놀리(Cavalieri Rudolfo Nolli)가 제작한 구 대법원 건물의 건축 장식을 비롯해 공예품, 광고와 같은 사회∙문화적 매개체 등을 아우르는 이미지들은 해당 이미지의 설치 위치와는 무관하게 구조물 위에 자유롭게 부착된 라벨을 통해 사실적-주관적으로 설명된다. 작가는 미술관이 사물이 끊임없이 재배열∙재해석되는, 대안적 서사에 대한 상상을 가능케 하는 공간임에 주목하며, 정체성과 소속감, 관계에 대한 질문을 자극한다.

함께 설치된 3점의 ‘중간 유형’과 ‘소리 나는 조각’은 각각 인공 짚풀, 방울, 무동력 흡출기 등이 공예와 산업, 전통과 현대, 기술과 문화의 결합을 형용하는 동시에 소리와 바람, 움직임과 변화의 가능성을 시사한다. 이외에도 전시장에는 구조물에 설치된 LED 스피커를 통해 실제 소리가 흘러나오기도 한다. 지난 2018년 남북 정상회담에서 남북한의 지도자가 도보다리 끝에 앉아 담소를 나누는 중계영상에서 추출한 새소리 음향과 난양공과대학(NTU)에서 개발한 휴머노이드 로봇 나딘이 6개 국어로 연설하는 목소리는 흔히 대립항으로 설정되는 자연과 인간, 기술과 정치∙역사의 복합적인 공존을 도모하며 공간에 청각적 입체감을 더한다. 양혜규의 <드론 연설을 위한 포럼 – 싱가포르 시뮬레이션>은 역사와 문명을 포괄하는 유기적이고도 입체적인 환경을 구축하여 공간을 다감각적 경험의 장으로 변모시킨다. 이번 작품은 향후 3년간 전시된다.

Haegue Yang has been invited to create a new installation titled Forum for Drone Speech – Singapore Simulations for the OUTBOUND series of National Gallery Singapore (hereafter the Gallery). Housed in two national monuments which were built in the country’s colonial past—City Hall and former Supreme Court—that have been restored and transformed, the Gallery has cemented its status as the leading national gallery of Singapore since opening its doors in 2015. Launched in 2018, OUTBOUND invites accomplished artists to create works for different spaces within the Gallery, to provoke critical reflection regarding history of the gallery while shifting perceptions of what might be considered art. The City Hall building (former Municipal Building) in particular, which houses Haegue Yang’s work, faces the Padang which is considered an important public space in political, social, and economic aspects and is also where Singapore’s self-governance was announced in 1959. Thus this building engages with Yang’s multi-layered composite which embodies both past and present, history and culture, and society.

Born out of her research on the historical context of the Gallery, Forum for Drone Speech – Singapore Simulations explores ideas of hybridity in which the real and the faux, natural and artificial, past and present encounter each other in a multi-sensorial experience. The sculptural faux marble base resembles the fluted columns, semi-arches, and pyramids and alludes to features of Western classical architecture. The base is crowned by a ribbon of wire mesh containing a selection of holographic prints of black and white. These include images of British sculptor Dora Gordine’s multi-ethnic bronze busts once displayed in the City Hall, and Italian sculptor Rudolfo Nolli’s architectural decoration of the former Supreme Court building and cultural artifacts and instruments made to perceive the world. The images are accompanied by artwork labels which playfully appropriate museological language, interweaving factual introductions with Yang’s subjective readings of them. Yang draws attention to museums as spaces in which objects are continually rearranged and reinterpreted to envision alternative narratives, provoking questions on identity, belongingness, and engagement.

The platform also hosts three of Yang’s sculptures—The Intermediates series and Sonic Swell—with materials such as artificial straw, bells, and turbine vents which evoke movement and sound combining crafts and industry, past and present, technology and cultures. Also a soundscape of birdsong, recorded in the demilitarized zone (DMZ) during the historic Inter-Korean summit in 2018, captured when the leaders of the two Koreas sitting together at the end of a footpath speaking privately at a distance, and a speech in six languages by the humanoid robot Nadine developed by Nanyang Technological University add an acoustic dimension while collapsing dichotomies—human versus nature, technology versus politics, and history. Forum for Drone Speech – Singapore Simulations embodies history and civilization, transforming the space into multisensorial experience to possess an organic three-dimensionality. 

[Source from National Gallery Singapore, Kukje Gallery press release]
 
 
12 정연두, 서울시립미술관 그룹전 《강박2》 참가

Installation view of Compulsion to Repeat, Seoul Museum of Art, Korea, 2019

전시작가: 정연두(Yeondoo Jung)
전시기간: 2019년 11월 27일(수) – 2020년 3월 8일(일)
전시기관: 서울시립미술관 서소문 본관
웹사이트: https://sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?currentPage=1&glolangType=ENG&exGr=&museumCd=&targetDate=20200128&searchDateType=CURR&exSearchPlace=&exNo=442703&searchPlace=&kwd=EXF01&kwdValue=

현대미술가 정연두는 서울시립미술관 서소문 본관에서 열리는 그룹전 《강박2》에 참여한다. 정연두를 비롯해 김용관, 차재민, 뉴 미네랄 콜렉티브(New Mineral Collective), 에밀리아 스카눌리터(Emilija Škarnulytė), 오메르 파스트(Omer Fast) 등 9()의 현대미술 작가들의 작품들로 구성된 이번 전시는 자본주의 체제 속에서 강박이 작동하는 방식과 그 대안의 가능성을 이야기한다. 제목이 시사하듯 강박의 반복적인 속성에 주목하는 동시에 그것을 극복할 수 있는 가능성 또한 반복에 있음을 피력하는 《강박2》는 이렇게 강박에 내재된 해방의 가능성을 탐구한다.

그간 허구와 현실의 경계를 탐구하며 퍼포먼스 기반의 사진, 영상, 설치 작업을 전개해온 정연두는 이번 전시에서 <DMZ 극장 시리즈 – 도라극장>(2019)을 선보인다. 연출가 수르야(Surya)와의 협업으로 진행된 이번 작품은 2017년 겨울부터 2019년 봄까지 강화도부터 고성에 이르는 13개 지역의 DMZ 전망대를 계절 별로 촬영하고 이 지역에 얽힌 이야기들을 연출해 담은 사진 설치 연작 중 하나다. 작품의 배경인 도라 전망대는 분단의 역사를 상징하는 동시에통일 안보관광이라는 자본주의 목적 하에 만들어진 장소로, 작가는 이곳에서 촬영한 여러 장의 사진을 한 화면에 중첩시키는 방식을 통해 현실과 상상의 공존을 구현한다. <도라 극장>분단 혹은 통일이라는 이 시대의 강박을 반복함으로써 지금 한국에 살고 있는 우리가 갖고 있는 집단적 무의식을 드러내는 동시에, 지금껏 존재하지 않은 제3의 장소를 상상해보도록 독려한다. 영상, 조각, 이미지 등 45점의 다양한 작품들을 선보이는 이번 전시는 오는 3 8일까지 진행된다.

The contemporary artist Yeondoo Jung is currently participating in a group exhibition titled Compulsion to Repeat at Seoul Museum of Art, Korea. Featuring a roster of nine contemporary artists including Yeondoo Jung, Yongkwan Kim, Jeamin Cha, New Mineral Collective, Emilija Škarnulytė, and Omer Fast, this exhibition explores how compulsion operates within the complexity of the capitalist system and its emancipatory potentials. As can be inferred from the title, Compulsion to Repeat highlights the repetitive trait of compulsion while pointing to the very repetitiveness as a potential of overcoming it.

Yeondoo Jung, whose work examines the border between reality and imagination through a diverse range of mediums including photography, video, and installation based on performance, introduces DMZ Theater Series – Dora Theater (2019) for this exhibition. Made in collaboration with the producer Surya, DMZ Theater Series – Dora Theater is one among a series of photographic installation works that capture the DMZ observatory from thirteen different regions from Ganghwa Island to Goseong, all taken in between winter of 2017 to spring of 2019. Each work from the series is based on a narrative specific to the location it was taken in. Dora Observatory, which is the backdrop of Jung’s work currently on view in the exhibition, is at once a symbolic location that points to the history of division and the fruit of capitalist ideology, built as a unification and national security tour complex. Jung has overlapped a number of photographs in order to produce a single plane where reality and imagination coexist. DMZ Theater Series – Dora Theater repeats the compulsion to determine whether the era we live in is in "division or unification," in doing so imagining a non-existent third reality and revealing the collective unconscious. Featuring 45 works including video, sculpture, and image, this exhibition is on view through March 8, 2020. 

[Source from Seoul Museum of Art press release and handout texts]
 
 
13 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset), 마이애미 공공미술 커미션 프로젝트 신작 <Bent Pool> 공개

Elmgreen & Dragset, Bent Pool, 2019. Pride Park, Miami Beach Convention Center. Commissioned by the City of Miami Beach’s Art in Public Places Program. Photo: Robin Hill

전시작가: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
전시기간: 2019년 11월 26일(화)부터 영구 설치
전시기관: 미국 마이애미 비치 시 공공미술 커미션 프로젝트

웹사이트: http://www.mbartsandculture.org/elmgreen-dragset-bent-pool/

아티스트 듀오 엘름그린 & 드라그셋이 마이애미 비치 시 공공미술 커미션 프로젝트로 설치 신작
<Bent Pool>을 선보인다. 마이애미 비치 컨벤션 센터 야외 공간에 영구 설치된 <Bent Pool>은 아트 바젤 마이애미 비치가 열리는 ‘마이애미 아트 위크‘와 맞물려 공개된다. 현대인을 둘러싼 익숙한 공간과 문화구조에 대해 끊임없이 자문하고, 특유의 위트와 비판정신으로 새롭게 재해석해온 엘름그린 & 드라그셋은 이번 프로젝트에서 작가의 눈을 통해 마이애미의 익숙한 풍경을 새로운 관점으로 매개한다.

<Bent Pool>엘름그린 & 드라그셋이 그간 선보여온 ‘수영장‘ 모티프 작업 군의 연장선에 있는 작품으로 제목처럼 수영장이 아치 형태로 구부러진, 높이 6미터에 달하는 대규모 설치작이다. 작품은 일반적인 수영장의 사다리, 다이빙 보드, 조명 시설 등을 충실히 재현하되, 구부러져 세워진 형태로 인해 물을 담을 수 없다는 근본적인 한계를 지니고 있다. 미니멀리즘적인 기하추상 형태의 이 작품은 엘름그린 & 드라그셋 특유의 청록색과 무광 흰색을 병치하여 공원의 푸른색과 선명하게 어우러진다. 미국의 대표 휴양도시 마이애미에서 ‘수영장‘은 도시 곳곳에서 볼 수 있는 보편적인 시설이지만, 왜곡된 형태의 이 수영장은 일상의 익숙한 대상이 맥락에 따라 새롭게 인식될 수 있는 가능성을 제시한다. 동시에 작가는 조각의 형태와 메시지의 전달에 국한되지 않고, 특정 지역에 일상적인 즐거움과 활기를 부여하는 공공미술의 새로운 가능성을 자신의 방식대로 탐구한다.

Elmgreen & Dragset have created new installation titled Bent Pool for a commissioned project for the city of Miami Beach. Bent Pool is permanently installed outside the Miami Beach Convention Center to coincide with the Miami Art Week. Elmgreen & Dragset, who often reinterpret familiar spatial and cultural structures that surround us in modern times with criticality and subversive wit, offer viewers a fresh perspective into the landscape of the city with the Bent Pool.


Bent Pool is a 6-meter-high sculptural installation which features a swimming pool folded in half, continuing Elmgreen & Dragset’s longstanding interest in the swimming pool motif. Identified by details such as the ladder, diving board, and pool lamps, the abstracted object can easily be recognized as a swimming pool even though its arched shape prevents it from carrying water. Drawing on the Minimalist reductive tradition and use of geometric forms, Bent Pool features a turquoise blue interior, one of Elmgreen & Dragset’s signature colors, and a matte white exterior, leading the work to stand out against the greenery of the park outside the Miami Beach Convention Center. Due to Miami Beach’s status as a beloved holiday destination, swimming pools are a natural part of the city’s fabric. The distorted shaped of the Bent Pool, however, makes us more aware of how objects are perceived relative to different contexts. Elmgreen & Dragset are not limited to presenting messages through the sculptures, but develop possibilities of public art that remind us of the enjoyment that can be found in so many experiences, oftentimes in the everyday.

[Source from Miami Beach Arts & Culture website]


 
 
14 제니 홀저, 국립현대미술관 커미션 프로젝트 《당신을 위하여: 제니홀저》에서 신작 발표

Installation view of MMCA Commissioned Project FOR YOU: JENNY HOLZER, The National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, 2019. Courtesy of 2019 Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS), NY/ Society of artist copyright of Korea (SACK), Seoul

전시작가: 제니 홀저(Jenny Holzer)
전시기간: 2019년 11월 23일(토) – 2020년 7월 5일(일)
전시기관: 국립현대미술관 서울, 과천관
웹사이트: http://www.mmca.go.kr/eng/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=201911140001205


미국의 대표 개념미술가 제니 홀저의 MMCA 커미션 프로젝트 《당신을 위하여: 제니 홀저》가 국립현대미술관 서울박스와 로비, 과천의 야외 공간에서 2020년 7월 5일까지 전시된다. ‘MMCA 커미션 프로젝트’는 국제적인 작가와의 협업을 통해 미술관 공간에 새로운 담론을 이끌어 낼 작품을 선보이고자 마련된 국립현대미술관의 대규모 프로젝트다. 2019년에는 언어를 매체로 사회적 문제를 공론화하고, 소외된 이들의 목소리를 드러내는 작업을 전개해온 제니 홀저와의 프로젝트를 통해 미술관 공간을 동시대 고민을 나누는 공론의 장으로 변모시킨다.

먼저 서울관 1층 로비 벽면에 설치된 <경구들>과 <선동적 에세이>는 이번 프로젝트를 위해 국문으로 번역되어 최초로 한글 버전으로 선보이는 작품이다. <경구들>은 개인과 사회의 관습, 통용되는 진실의 모순을 파고드는 250개의 문장들로 이루어져 있다. 함께 설치된 <선동적 에세이>는 각각 100개의 단어로 이루어진 에세이 컬렉션으로 작가가 접한 정치, 유토피아, 예술, 종교에 관한 글과 선언문 등에 영감 받아 제작되었다. 서울박스에 설치된 <당신을 위하여>는 이번 프로젝트를 통해 새롭게 선보이는 LED 신작으로 현대 여성 문학 작가인 김혜순, 한강, 에밀리 정민 윤(Emily Jungmin Yoon), 스베틀라나 알렉시예비치(Svetlana Alexievich), 호진 아지즈(Hawzhin Azeez)의 글을 차용하여 선보인다. 작품은 ‘여성’ 화자들을 통해 근현대 인간이 만들어낸 재난으로 인해 인권을 유린당한 평범한 이들의 이야기를 전한다. 과천관으로 이어지는 전시에서는 야외 조각 공원에 위치한 석조 다리 난간에 11개의 경구들을 새긴 영구 설치작품이 공개된다. 제니 홀저는 이번 프로젝트를 통해 우리의 ‘삶의 문제’를 다루고, 관객들이 이에 대해 고민하게 함으로써 예술의 공공성을 더욱 확장한다.

The world-renowned American conceptual artist Jenny Holzer presents MMCA Commissioned Project Jenny Holzer: FOR YOU at Seoul Box, the lobby of the National Museum of Modern and Contemporary Art (hereafter MMCA), Seoul, and the outdoor space of the MMCA Gwacheon through July 5, 2020. The MMCA Commissioned Project spearheads collaborations leading international contemporary artists in order to generate a new platform for discourse on contemporary art on the museum premises. In 2019, the MMCA has collaborated with Jenny Holzer who utilizes language as her primary medium, experimenting with incisive poetic and aphoristic text to directly engage pressing social issues and injustice, and to provide a voice for the marginalized. Holzer’s works conceptually transform the museum space by encouraging debate and reflection on an array of compelling issues.

Installed on the wall of the first floor lobby at the MMCA Seoul, Inflammatory Essays and Truisms have been translated into Korean for the first time ever. Comprised of over 250 brief alphabetized statements, Truisms concern the oftentimes ironic construction of personal and societal beliefs, mores, and truths. Influenced by Holzer’s readings of political, utopian, art, religious, and other manifestos, Inflammatory Essays are a collection of 100-word texts. In Seoul Box, Holzer’s new monumental LED work titled FOR YOU foregrounds the voices of five contemporary female authors—Kim Hyesoon, Han Kang, Emily Jungmin Yoon, Svetlana Alexievich, and Hawzhin Azeez—who give voice to those bereft of human rights by manmade tragedies of today. At the MMCA Gwacheon, Holzer presents a selection of eleven Truisms, permanently engraved onto the railing of a stone bridge in the outdoor sculpture garden. In this project, Holzer actively engages with and addresses pressing issues by encouraging reflections on collective concerns and personal anxieties, further broadening the possibilities of public engagement with art.

[Source from the MMCA press release, website, and handout texts]
 
 
15 양혜규, 마이애미 배스 미술관에서 대규모 개인전 《In the Cone of Uncertainty》 개최

전시작가: 양혜규(Haegue Yang)
전시기간: 2019년 11월 2일(토) – 2020년 4월 5일(일)
전시기관: 미국 마이애미 배스 미술관(The Bass Museum of Art)
웹사이트: https://thebass.org/art/haegue-yang/

양혜규 작가의 대규모 개인전 《In the Cone of Uncertainty》가 마이애미 배스 미술관에서 2020년 4월 5일까지 열린다. 배스 미술관은 1964년 플로리다주 남부 마이애미 비치 시에 기증된 개인 소장품을 기반으로 설립된 곳으로, 세계적인 작가들과의 협력을 통해 기획력과 전문성을 높이 인정 받고 있다. 이번 전시는 지난 10여 년 간의 양혜규의 작업 활동을 총망라하며, 대형 블라인드 설치와 의인화된 조각, 광원 조각, 벽지 작업 등 일상적 오브제, 디지털 프로세스, 노동집약적 공예 기법 등을 다채롭게 접목해온 작가의 실험적인 작업 여정을 선보인다. 플로리다 남부 지역에서 태풍의 예상 진로를 묘사하는 표현 ‘In the Cone of Uncertainty’를 제목으로 차용한 본 전시는 라틴 아메리카로 통하는 지리적 여건과 거주 인구의 절반 이상이 이주민이라는 사회적 조건 등 이 지역의 특성을 기본적으로 함의한다. 이에 작가는 기후 변화, 인구 과잉, 자원 부족 등 현대사회가 직면한 불안과 끊임없이 변화하는 미래를 예측하고자 하는 열망의 담론을 이주와 이동이라는 시각으로 바라보는 등 동시대적 고민을 고유하고도 방대한 예술적 언어로 탐구한다.

이번 전시는 미술관 1층과 2층 그리고 두 전시장을 잇는 계단에서 전개된다. 그 중 두 공간 사이에 설치된 작품 <Coordinates of Speculative Solidarity>
(2019)는 배스 미술관이 의뢰한 장소 특정적 벽지 작업으로, 마이애미 비치의 불안정한 기후 조건을 나타내는 기상학적 자료와 도표를 추상적으로 참조한다. 재난으로 돌변한 불안정한 기후를 예측하고 통제하고자 하는 현대인의 열망에 대한 관심에서 비롯된 이 벽지 작업은 혹독한 날씨가 야기하는 공동의 운명에 직면하고 대처하고자 하는 이들을 결속시키는 지리적 공통성을 반영한다. 또 유대계 미국인 시인 아벨 미로폴의 시를 빌리 홀리데이가 불러 유명해진 동명의 노래(1939)에서 제목을 따 온 <Strange Fruit>(2012-2013)는 전선으로 연결된 전구, 채색된 파피에 마셰 그릇 등이 철제 옷걸이에 매달린 6점의 의인화된 조각으로, 이질적인 오브제들을 결합하는 방식을 통해 잘 알려지지 않은 역사 속 연관성을 조명한다. 이 외에도 두 점의 대형 블라인드 설치 마르그리트 뒤라스(Marguerite Duras, 1914-1996)의 이야기를 다루는 <Yearning Melancholy Red>(2008)와 한국의 혁명가 김산(1905-1938)과 미국의 저널리스트 님 웨일스(Nym Wales, 1907-1997)의 우연적 만남을 내포한 <Red Broken Mountainous Labyrinth>(2008)를 비롯, ‘소리 나는 조각’ 연작 중 하나인 <Boxing Ballet>(2013/2015) 등의 작품들도 함께 선보인다.

한편 현재 양혜규는 오스트리아 쿤스트하우스 그라츠에서 2020년 2월 16일까지 열리는 그룹전 《ARTS ⇆ CRAFTS: Between tradition, discourse and technologies》에도 참여 중이다. 오랫동안 예술과 공예 사이에서 지속되어 온 위계를 무너뜨리고 동시대의 미술과 수공예, 그리고 기술을 매개로 공예의 새로운 가능성을 탐구하는 이번 전시에서 작가는 인조 짚풀을 엮은 ‘중간 유형’ 연작을 소개한다.

Haegue Yang is the subject of a solo exhibition titled In the Cone of Uncertainty at The Bass Museum of Art (hereafter The Bass), Miami Beach, USA through April 5, 2020. Founded in 1964, the museum was established after the donation of a private collection, and has since been widely recognized for its planning and expertise abilities in exhibitions with international artists. The exhibition presents a selection of Yang’s oeuvre spanning the last decade which employs industrially produced quotidian items, digital processes, and labor-intensive craft techniques—including window blind installations, anthropomorphic sculptures, light sculptures, and mural-like graphic wallpaper. Taking its title from an expression of the South Florida vernacular that describes the predicted path of hurricanes, this exhibition examines the regional characteristics of Miami Beach, considering that over fifty percent of the population in Miami-Dade County is born outside of the United States, and it is a geographical and metaphorical gateway to Latin America. Framing the contemporary concerns about climate change, overpopulation, and resource scarcity within a broader consideration of movement, displacement, and migration, Yang explores current anxieties through her unique artistic practice for this exhibition.

Yang’s exhibition encompasses galleries on both the first and second floors of the museum and staircase. A commissioned site-specific wallpaper in the staircase that connects the exhibition spaces across The Bass’s two floors Coordinates of Speculative Solidarity (2019) plays with meteorological infographics and diagrams as vehicles for abstraction. Interested in how severe weather creates the human urge to predict catastrophic circumstances, the work reflects a geographic commonality that unconsciously binds people together through a shared determination to face a challenge and react in solidarity. Strange Fruit (2012-2013), taking its title from the Jewish-American Abel Meeropol’s poem famously vocalized by Billie Holiday in 1939,
is a group of anthropomorphic sculptures combined with hanging string lights dangling from metal clothing racks intertwined with colorfully painted papier-mâché bowls. This work illuminates unlikely, lesser-known connections throughout history by connecting unrelated objects. The exhibition also features two major large-scale installations made of venetian blinds titled Yearning Melancholy Red (2008), referring to the childhood of Marguerite Duras (1914-1996), and Red and Red Broken Mountainous Labyrinth (2008), bearing a story of a chance encounter between Korean revolutionary Kim San (1905-1938) and American journalist Nym Wales (1907-1997). Also on view is a major installation from the Sonic Sculptures series titled Boxing Ballet (2013/2015).

Outside of The Bass, Haegue Yang participates in a group exhibition titled ARTS
CRAFTS: Between tradition, discourse and technologies at Kunsthaus Graz, Austria, through February 16, 2020. This exhibition navigates new possibilities of crafts that mediate contemporary art, craftsmanship, and new technologies, and at the same time blurs boundaries between crafts versus art. For the exhibition, Haegue Yang presents her signature artificial straw series titled The Intermediates.

[Source from The Bass Museum of Art website]