KUKJE GALLERY
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1 수퍼플렉스, 그네 설치작 도라산전망대 설치

전시작가: 수퍼플렉스(SUPERFLEX)
전시기간: 2019년 5월 20일(월) – 2021년 5월 19일(수)
전시기관: 도라산전망대
웹사이트: https://superflex.net/activities/2019/05/20/one_two_three_swing_at_dora_observatory_south_korea

한국·덴마크 수교 60주년을 맞이해, 유머와 진지함을 넘나들며 시대정신을 예술적인 설치작업으로 선보이는 덴마크 출신 콜렉티브 그룹 수퍼플렉스의 공공예술 프로젝트 <하나 둘 셋 스윙!(One Two Three Swing!)>이 파주 도라산전망대에서 전시 중이다. <하나 둘 셋 스윙!>은 오렌지색 구조물이 지그재그로 결합한 3인용 모듈식 그네 작품으로, 순수하고 일상적인 ‘그네 타기’를 통해 관람객 마음속에 내재한 ‘집단’의 잠재력과 협업의 중요성을 은유적으로 표현한다.

도라산전망대는 비무장지대(DMZ)가 내려다보이는 도라산 정상에 위치, 국가적 화합을 도모하는 상징적 장소이다. 수퍼플렉스는 이번 작품에서 특별히 그네의 받침을 한국 화폐의 다양한 색깔로 칠하며 공간과 작품의 의미를 강조했다. 아울러 문화체육관광부와 협력 하에 조만간 북한의 지역에도 <하나 둘 셋 스윙!>을 설치할 예정이다.

한편 수퍼플렉스의 공공예술 프로젝트 <하나 둘 셋 스윙!>은 현재 영국 런던, 독일 본, 덴마크 코펜하겐 등 전세계 곳곳에 대규모로 설치되었으며, 2017년 현대자동차-테이트 모던의 ‘현대 커미션’ 전시 일환으로 시작되었다.

On the occasion of the 60th anniversary of diplomatic relations between Denmark and South Korea, the Danish artist group SUPERFLEX has installed their public art project One Two Three Swing! at the Dora Observatory in Paju, South Korea. Internationally acclaimed for their groundbreaking yet playful installations, SUPERFLEX’s One Two Three Swing! consists of modular, three-seat swing sets conjoined by a zig-zagging orange line, exploring the revolutionary potential of joining together collectively, even through the most innocent and everyday actions.

The energy of collective power will be directed by the particular significance of the site, which is located at the top of Mount Dora in South Korea, overlooking the demilitarized zone between North and South Korea. Designed specifically for this location, the seats on the swings are presented in the various colors of South Korean currency bills. Also, SUPERFLEX is collaborating with the South Korean Ministry of Culture, Sports and Tourism to install One Two Three Swing! in North Korea.

One, Two, Three Swings! was originally commissioned by Hyundai for Tate Modern in 2017 and was conceived as a recurring project, appearing in new locations all over the world. The project is currently installed in London, Bonn, and Copenhagen.

[Source from SUPERFLEX website]


 
 
2 -미셸 오토니엘, 루브르 박물관 개인전 개최 프랑스 악트 쉬드 출판사에서 신간 발간

Jean-Michel Othoniel, La rose du Louvre, 2019. Installation en cour Puget, Musée du Louvre © Claire Dorn

전시작가: 장-미셸 오토니엘(Jean-Michel Othoniel)
전시기간: 2019년 5월 25일(토) – 2020년 2월 24일(월)
전시기관: 프랑스 루브르 박물관
웹사이트: https://presse.louvre.fr/jean-michel-othoniel-au-louvre/

루브르 박물관은 올해 ‘유리 피라미드 건축 30주년’을 기념해 프랑스의 대표적인 현대미술가 장-미셸 오토니엘의 개인전 《La Rose du Louvre》를 내년 2월 24일까지 퓌제 안 뜰(Puget Courtyard)에서 전시한다. 이번 전시에서 공개되는 회화 신작 6점은 오토니엘이 17세기 유럽 대표 화가 루벤스의 그림 속, 마리와 헨리 4세의 결혼을 상징하는 장미에 영감 받아 완성한 작업이다. 꽃의 여왕이자 파워와 열정의 상징인 장미는 여성의 운명과 아름다움, 강렬한 사랑은 물론 프랑스의 역사와 루브르의 역사를 대표하는 꽃이다. 루브르의 17, 18세기의 조각상들과 함께 전시되는 오토니엘의 금빛 회화 작품들은 관람객들에게 환상적인 산책로를 제공하며 미술계 안팎에서 크게 회자되고 있다.

이와 함께 루브르 박물관과 악트 쉬드(Actes Sud)가 공동 편집한 장-미셸 오토니엘의 신간 『L’Herbier Merveilleux』이 발간됐다. 오토니엘이 수집한 꽃의 비밀언어와 상징성을 정리한 일종의 식물표본집으로, 『The Secret Language of Flowers』 제목의 영문 번역본도 함께 볼 수 있다. 실제 오토니엘은 걸작들 속 은밀한 꽃을 찾아내기 위해 특정 연구 기간 루브르에서 경비원으로 근무하며 박물관의 방들을 탐색하기도 했다. 뒤러(Dürer)의 자화상에 그려진 엉겅퀴를 비롯해 그뢰즈(Greuze)의 <The Broken Jug>(1771) 속 소녀의 옷에 달린 모란 등 조각상, 타피스트리, 프레스코, 건축요소, 가구와 그림에서 발견되는 꽃들을 촬영해 작가만의 새로운 식물표본집을 완성했다.

Jean-Michel Othoniel is the subject of a solo exhibition titled La Rose du Louvre, on view at the Louvre through February 24, 2020, on the occasion of the 30th anniversary of its iconic glass pyramid, Othoniel presents in the Puget Courtyard, among the masterpieces of the garden statuary of the 17th and 18th centuries, an installation composed of six unpublished paintings in ink on gold leaf. Through this exhibition, Othoniel invites visitors to a dreamlike walk combining sculptures, herbarium, paintings, and garden. The artist was inspired by the triumphant rose painted by Rubens in the watercolor and ink drawings series Le Mariage de Marie de Médicis et d’Henri IV (1621-1625), sealing the marriage between Marie de Medici and Henri IV. This rose is the emblematic flower of the museum; the Queen among flowers, symbol of power and passion, the rose painted with great freedom informs the audience of the destiny of a woman, her beauty, her love stronger than death, the history of France, and of the history of the museum.

Also on the occasion of the 30th anniversary of the Louvre Pyramid, Othoniel has published a book titled L’Herbier Merveilleux, co-edited by the Louvre and Actes Sud. Also published in English under the title The Secret Language of Flowers, the new book collects the notes that the artist gleaned on the secret language of flowers and their symbolism. During his studies, he worked day and night shifts as a warden at the Louvre. In 2018, the artist came back to the Louvre and explored the empty rooms of the museum to pick the flowers hidden in masterpieces of its collection. Othoniel photographed the flowers represented in the sculptures, tapestries, frescoes, architectural elements, furniture, and paintings such as the thistle in the self-portrait of Dürer and the peony in the unbuttoned shirt of the girl in The Broken Jug (1771) by Greuze, thus composing a new herbarium unique to his interests and practice.

[Source from the Louvre press release]


 
 
3 김용익, 베를린과 뉴욕 개인전 개최 및 프랑스 까예다르 출판사에서 모노그래프 발간

Installation view of Kim Yong-Ik: Speaking of Latter Genesis, 2019. Image by Jeremy Haik.

전시작가: 김용익(Kim Yong-Ik)     
전시기간: 베를린 2019년 4월 27일(토) – 8월 24일(토) / 뉴욕 2019년 5월 3일(금) – 6월 15일(토)
전시장소: 베를린 바바라 빈 갤러리(Galerie Barbara Wien), 뉴욕 티나킴 갤러리(Tina Kim Gallery)
웹사이트: http://www.barbarawien.de/gallery.php
http://www.tinakimgallery.com/exhibitions/kim-yong-ik2/press-release
https://www.cahiersdart.com/news/2018/march-2018/kim-yong-ik-untitled-utopias

한국 미술의 주요 흐름 가운데 독립적인 위치를 고수해온 대표적인 원로 작가 김용익은 ‘갤러리 위켄드 베를린’ 기간에 개막한 베를린 바바라 빈 갤러리에서의 개인전 《이것은 답이 아니다》를 오는 8월 24일까지 선보인다. 독일에서 처음으로 열리는 작가의 이번 개인전은 1970년대부터 현재에 이르기까지 근 40여 년 간 작업 세계의 근간을 이루어온 회화, 드로잉, 설치 등 주요 작업 15여 점으로 구성된다. 특히 작가의 초기 연작인 〈평면 오브제(1974–81)〉와 1990년대 초에 시작된 "땡땡이 회화" 연작 〈가까이… 더 가까이…〉 등 주요 대표작을 만날 수 있다. 또한 흰 캔버스 표면에 색연필과 연필로 사각형, 원 등 기하학적 형태를 반복적으로 얇고 희미하게 덧씌우는 방식으로 작업한 최근작을 처음 소개한다.

한편 오는 6월 15일까지 뉴욕 티나킴 갤러리에서 개최되는 김용익의 개인전에서는 2017년부터 지속해 온 장소특정적 캔버스 설치 작업이 공개된다. 일련의 질서 아래 화면을 구성하는 원들은 캔버스 표면을 넘어 갤러리 벽으로 일탈하는 등 전시장 벽면 전체를 일정한 간격으로 점령한다. 물리적, 개념적 확장을 통해 회화의 표면을 넘어 주변 공간까지 반영하는 이번 작품은 김용익이 90년대 후반 모더니즘의 규범과 제약을 교란시키고자 시도했던 월 드로잉 연작을 재해석한 작업이다. 

한편 시각예술 전문 출판사인 파리 까예다르(Cahiers d'Art)는 티나킴 갤러리, 국제갤러리와의 협력 하에 김용익의 40년 화업을 연대별로 담은 모노그래프를 발간하였다. 이 도록에는 서울시립미술관(SeMA) 관장 백지숙과 포르투 세할베스 현대미술관 디렉터 필립 베른(Philippe Vergne)의 글, 그리고 김용익과 한스 울리히 오브리스트(Hans Ulrich Obrist)의 인터뷰가 수록되었다.

Kim Yong-Ik, a conceptual artist who has maintained a distinct stance amid the dominant artistic movements in Korea throughout his 40-year career, will unveil This is not the answer at Galerie Barbara Wien to coincide with the Gallery Weekend Berlin program. As his first-ever solo presentation in Germany, Kim will show a selection of major works stemming from the 1970s to today, including sculpture, painting, and drawing. Notable works in the show include Kim’s early wall installations entitled Plane Object (1974–81) and Closer... Come Closer..., also known as the "polka dot paintings", which he began in the early 1990s. The show will also encompass his most recent works, wherein he draws lightly with coloured pencils and pencil on large white canvases, repeating and overlaying the geometrical forms of squares and circles. 

Running parallel with the Berlin show, a new rendition of Kim Yong-Ik’s canvas installation is on view at Tina Kim Gallery, New York, through June 15, 2019. For his solo exhibition at Tina Kim Gallery, Kim has created a site-specific wall installation that engages directly with the space. A series of dots line the room, moving off the canvas and directly onto the walls. By expanding his work beyond the painting surface and into the physical gallery space, the architecture becomes part of the work itself, demonstrating the artist’s refusal to be bound by the constraints of traditional artworks.

In addition, a new monograph on the artist will be published by French publishing house Cahiers d'Art in collaboration with Tina Kim Gallery and Kukje Gallery. Chronologically tracing his 40-year long career, the publication will include texts by Beck Jee-Sook, Director of the Seoul Museum of Art (SeMA); Philippe Vergne, Director of the Serralves Museum of Contemporary Art in Porto; and an artist interview by curator, art critic, and Cahiers d’Art editor Hans Ulrich Obrist.

[Source from Galerie Barbara Wien, Tina Kim Gallery, and Cahiers d'Art’s website]
 
 
4 현대미술의 거장 이우환, 상하이 당대예술박물관(PSA)에서 3인 기획전 《도전하는 영혼들: 이브 클라인, 이우환, 딩이》 전시 참가

Lee Ufan at Guggenheim. Courtesy of Solomon R. Guggenheim Museum, 2011.

전시작가: 이우환(Lee Ufan)    
전시기간: 2019년 4월 28일(일) - 7월 28일(일)
전시기관: 상하이 당대예술박물관(PSA)
웹사이트: http://www.powerstationofart.com/en/exhibition/challengingsouls-pressworksen.html

현대미술의 거장 이우환은 프랑스 누보 레알리즘의 대표적 화가이자 전위예술가 이브 클라인(Yves Klein), 중국 추상작가 딩이(Ding Yi)와 함께 2019년 7월 28일까지 상하이 당대예술박물관(PSA)에서 개막한 3인 기획전 《도전하는 영혼들: 이브 클라인, 이우환, 딩이》에서 작품을 선보인다. 

이브 클라인과 이우환의 작품이 딩이의 작품과 함께 하나의 전시 아래 중국에서 개최되는 것은 이번이 처음이다. 이들 예술가들은 전위예술의 비인기적, 엘리트주의적, 형이상학적인 맥락에 독특한 소재와 색채, 그리고 공연 요소를 도입하여 당대의 대중과 호흡할 수 있는 다양한 지점의 화두를 개척하였다는 공통점을 가진다. 게다가, 태생적으로 서로 다른 문화, 시대, 장소에서 활동한 예술가들은 전위예술에 대한 서양과 동양의 비교 및 연구를 위한 새로운 지평을 열었다. 이들의 작품은 현재 우리가 살고 있는 다양한 문화와 사회, 그리고 예술과의 관계를 재평가하는 기회를 제시한다.

《도전하는 영혼들: 이브 클라인, 이우환, 딩이》은 1960년대 이후 사회적 격변을 이겨낸 세 예술가의 시각언어를 비교하면서 실험적인 예술 운동의 궤적을 조사하는 연구 프로젝트다.

Lee Ufan is featured in a group exhibition titled The Challenging Souls: Yves Klein, Lee Ufan, Ding Yi, together with the French Nouveau Réalist and avant-garde painter Yves Klein and the Chinese abstract painter Ding Yi, on view through July 28, 2019, at the Power Station of Art in Shanghai, China. 

This is the first time the works of Yves Klein and Lee Ufan are shown in China under a common artistic umbrella with their Chinese colleague Ding Yi. These three seminal artists were pioneers who facilitated the public's further understanding of the avant-garde movement by introducing unique materials, colors, and performance elements into the non-popular, elitist, and metaphysical contexts of the avant-garde. Furthermore, the artists’ origins from different cultures, times, and locations opened new horizons for the comparative study of avant-garde art between the west and the east. Their works challenge us to reassess our relationship to art, society, and the public in the global and cross-cultural context we live in.

The Challenging Souls: Yves Klein, Lee Ufan, Ding Yi is therefore also a research project which examines the trajectory of the experimental art movement, comparing the visual languages of three artists who have prevailed social changes and upheavals since the 1960s. In doing so, one also has to discount the rise of the contemporary art market and its implications on values and artistic power. 
 
[Source from Power Station of Art’s website]
 
 
5 강서경, 58 베니스 비엔날레 본전시 《흥미로운 시대를 살아가기를》에 참가

Suki Seokyeong Kang, Land Sand Strand, installation view at the Arsenale for the 58th Venice Biennale.
Courtesy of the artist. Photo: Studio Suki Seokyeong Kang. Image provided by Kukje Gallery.


전시작가: 강서경(Suki Seokyeong Kang)    
전시기간: 2019년 5월 11일(토) - 11월 24일(일)
전시기관: 이탈리아 베니스 쟈르디니 센트럴 파빌리온 및 아르세날레
웹사이트: https://www.labiennale.org/en/art/2019/58th-exhibition
 
강서경은 이탈리아 베니스에 위치한 쟈르디니의 센트럴 파빌리온과 아르세날레에서 5월 11일 공식 개막한 제58회 베니스 비엔날레 본전시 《흥미로운 시대에 살아가기를》에 참가한다. 전세계 총 79명의 작가가 참가한 이번 베니스 비엔날레 본전시의 총감독은 런던 헤이워드 갤러리의 디렉터로 활동 중이며, 2015년 리옹비엔날레를 이끈 랄프 루고프(Ralph Rugoff)가 맡았다.

이번 베니스 비엔날레는 ‘May You Live in Interesting Times (흥미로운 시대를 살아가기를)’라는 주제 하에, 다시 한번 도래한 “흥미로운 시대” 속에서 어떻게 사고하고 살아가야 할지에 대한 일종의 가이드로 기능할 수 있는 미술을 제시하고자 한다. 동양화를 전공한 강서경은 꾸준히 전통을 참고하고, 그 논리를 재해석해 오늘의 풍경을 분석하는 고유한 작업을 전개해오고 있다. 전세계적으로 다양한 경계 간의 갈등이 고조되고 있는 현재의 “흥미로운 시대”에 강서경의 작품이 현대의 개개인에게 세상과 보다 조화롭게 관계 맺을 수 있는 어떤 대안적 관점을 제시한다는 점에서 이번 베니스 비엔날레의 주제와도 완벽히 조우한다. 

강서경은 아르세날레와 쟈르디니, 두 개의 공간에 각기 다른 두 개의 설치 작품을 소개한다. 아르세날레 전시장에서는 신작으로 구성된 <땅 모래 지류(Land Sand Strand)> 연작을 선보인다. 리버풀 비엔날레(2018)에서 처음 선보인 바 있는 이 작업은 강서경이 지난 5년 간 꾸준히 발전시켜온 <검은 자리 꾀꼬리(Black Mat Oriole)> 프로젝트의 연장선에 있다. 회화, 설치, 퍼포먼스, 영상 등 다양한 매체를 아우르는 다층 설치로, 조선시대에 발달된 한국의 전통 궁중 무용인 ‘춘앵무(春鶯舞)’를 시각적으로 재해석했다. 쟈르디니에서는 강서경의 가장 오래된 연작 중 하나인 <그랜드마더 타워(Grandmother Tower)>를 선보인다. 작가가 구축하는 시공간에 대한 시각적 논리의 원형으로 기능하기도 하는 본 연작은 작가가 할머니의 초상을 조각으로 구현하는 데서 시작되었다. 제58회 베니스 비엔날레는 오는 11월 24일까지 전시된다. 

Suki Seokyeong Kang participates in May You Live in Interesting Times, the main exhibition of the 58th Venice Biennale that takes place in the Arsenale and the Central Pavilion of the Giardini in Venice, Italy, from May 11 to November 24, 2019. Curated by Ralph Rugoff and organized by the Venice Biennale which is chaired by Paolo Baratta, the exhibition includes a total of 79 artist entries. 

Under the overarching theme of May You Live in Interesting Times, this year’s Venice Biennale aims to present art that can serve as a guide to how people can think and live in such “interesting times.” Suki Seokyeong Kang majored in Oriental Painting; her work balances painting, sculpture, video, and performance, cultivating a unique artistic vocabulary that references and reinterprets various Korean traditions. In today’s “interesting times” when there is tension surrounding geopolitics both in Korea and around the world, Kang’s work seeks to present an alternative perspective through which individuals can build harmonious relationships with one another, effectively converging with the guiding theme of this year's Venice Biennale.

Suki Seokyeong Kang introduces two different installation pieces in the Arsenale and the Giardini for the main exhibition of the biennale. Inside the Arsenale, she showcases new work from her Land Sand Strand series. First introduced at the Liverpool Biennial (2018), the series is an extension of Black Mat Oriole, a project she has developed over the past five years. Encompassing painting, installation, performance, and video, this ongoing multipart installation is a visual translation of a traditional Korean court dance called chunaengmu (春鶯舞), which was developed in the Joseon Dynasty (the last dynasty of pre-modern Korea, from 1392 to 1897). In the Giardini, Kang presents new works from one of her oldest ongoing series titled Grandmother Tower, which was first conceived as sculptural portraits of her grandmother and serves as the prototype of the artist’s visual logic through which she constructs her installations and choreographic movements.

[Source from Kukje Gallery press release]
 
 
6 장-미셸 오토니엘, 카타르 국립박물관에 대규모 설치 신작 <ALFA> 공개

ALFA, 2019. Sculpture Fountains permanently installed in the lagoon of the National Museum of Qatar, Doha.

전시작가: 장-미셸 오토니엘(Jean-Michel Othoniel)
전시장소: 카타르 도하 카타르 국립박물관(National Museum of Qatar)
웹사이트: https://www.qm.org.qa/en/project/national-museum-qatar

지난 3월 28일 프랑스 건축가 장 누벨(Jean Nouvel) 설계로 전 세계의 이목을 집중시킨 카타르 국립박물관이 10여 년 만의 공사를 마치고 공식 개관하였다. 이와 함께 박물관과 페르시아만 중간에 위치한 긴 라군에 설치된 프랑스 조각가 장-미셸 오토니엘의 대형 설치 신작 <ALFA>(2019)가 공개되었다. 약 5년에 걸쳐 진행된 오토니엘의 기념비적인 설치작 는 인근 사막의 식물과 아랍어의 특정 문자에서 영감을 받아 추상적 형태로 재해석한 신작으로 총 114개의 분수 조각이 900미터에 걸쳐 9개의 그룹으로 나뉘어 구성되었다. 그간 오토니엘의 작업에서 주요하게 사용된 유리 구슬이 아닌 검은색의 메탈 구슬 5,000개로 제작된 이 작품은 현존하는 작가의 작업 중 최대 규모이며 그간 많은 주목을 받은 프랑스 베르사유 궁전 정원의 영구 설치작 <아름다운 춤(Les Belle Danses)>(2015)의 다섯 배에 달한다. 최대 5.2 m에 달하는 의 개별 분수 조각에서 뿜어져나오는 아라베스크 문양의 물줄기들은 '사막 장미(desert rose)'의 꽃잎을 연상시키는 카타르 국립박물관 건물의 유려한 곡선과 조응하며 장관을 이룬다.

The National Museum of Qatar, having drawn worldwide attention for its building designed by the French architect Jean Nouvel, has officially opened on March 28, 2019, after having been under construction for over a decade. In conjunction with the grand opening, Jean-Michel Othoniel unveiled his newly created monumental installation ALFA (2019), which covers the entire surface of the gigantic lagoon located between the National Museum of Qatar and the Persian Gulf. Inspired by Arabic calligraphy and wild reeds, this monumental installation has taken 5 years to be created and consists of 9 groups of 114 sculptures that provide abstract interpretations of the region’s visual vocabularies. Instead of the glass beads that have been primarily used in the works of Othoniel, this time the artist has used more than 5,000 black-colored metal beads to shape the sculptures, evoking the region’s natural reeds with their reflections along the 900-meter-long shores of the lagoon. This large-scale installation is by far the biggest of all monumental projects the artist has ever created—five times larger than his signature artwork Les Belle Danses (2015) permanently installed at the Versailles in France. The tallest sculptures reaching up to 5.2 meters, the installation is also transformed into a group of fountains, launching arabesques of water toward the sky and hugging the curves of the museum’s architecture that echo the shape of desert roses.

[Source from Othoniel Studio]
 
 
7 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset), 아트바젤 홍콩 인카운터스(Encounters) 부문 참가

City in the Sky, 2019, stainless steel, steel, aluminium acrylic glass, LED lights, 400 x 500 x 220 cm.
Courtesy of the artists, Kukje Gallery, Massimo De Carlo, and Perrotin. Photo: Andrea Rossetti


전시작가: 엘름그린 & 드라그셋 (Elmgreen & Dragset)
전시기간: 2019년 3월 29일 (금) – 3월 31일 (일) (프리뷰: 3월 27일 – 28일)
전시장소:  홍콩 컨벤션 센터 (HKCEC) 국제갤러리 인카운터스 부스 EN3
웹사이트: https://www.artbasel.com/hong-kong

듀오 아티스트 엘름그린 & 드라그셋은 오는 3월 29일부터 31일까지 열리는 아트바젤 홍콩(Art Basel Hong Kong) 인카운터스(Encounters) 부문에 참가한다. 가상의 도시를 설계 및 축소하여 뒤집은 형태로 재현한 <City in the Sky>(2019)는 홍콩, 상해, 런던 등 현대에 들어 새롭게 부상한 금융 중심지로부터 영감 받은 작품이다. 전형적인 현대 도시의 건축 디자인으로 표현된 가상 도시의 마천루는 반짝반짝 빛나며 흡사 만화경을 들여다보고 있는 듯한 느낌을 자아낸다. 메가급 대도시들 간의 경쟁이 고조됨에 따라 각 지역의 정체성은 세계 곳곳에서 발생하는 다양한 사건에 영향을 받게 되는데, 이런 과정을 통해 각 도시에 내재된 야망이 발현하고 궁극적으로 도시의 경관에까지 복합적인 영향을 미치게 된다. 덴마크 오르후스의 공공도서관 DOKK1의 커미션작업으로 선보인 <Magic Mushrooms>(2015)에서 출발한 작가의 일련의 모험이 이번 신작 <City in the Sky>로 이어졌는데, 이로써 관람객으로 하여금 자신들이 꿈꾸는 이상적인 도시에 대해 반추하도록 한다. 

또한 엘름그린 & 드라그셋은 아트바젤 홍콩이 같은 기간 마련하는 토크 프로그램 “A Common Place? | Artists in Art Fairs”에도 참여한다. 대만 작가 황하이신(Hai Hsin Huang), 독립 큐레이터 파코 바라간(Paco Barragán), 칠레 작가 이반 나바로(Iván Navarro)가 패널로 함께 참여하며, 문화, 정치, 사회, 경제가 교차하는 역사적 공간으로서의 아트 페어에 대한 흥미로운 이야기를 나눌 예정이다. 아시아 아트 아카이브(Asia Art Archive)의 Özge Ersoy의 사회로 진행되는 본 행사는 3월 29일(금) 오후 2시부터 오후 3시 30분까지 홍콩 컨벤션 센터에서 개최된다.

The artist duo Elmgreen & Dragset will participate in the Encounters sector of this year’s Art Basel Hong Kong, which will open from March 29 to 31, 2019. The pair will showcase City in the Sky (2019), a new installation which manifests an imaginary city in a scaled model, installed upside-down. Inspired by the new financial centers of megacities such as Hong Kong, Shanghai, and London, it offers a kaleidoscopic overview of a fictional urban landscape in which illuminated skyscrapers are rendered as post-architectural archetypes. As the competition among global metropolises intensifies, local identities are influenced by events in other parts of the world, resulting in complex layers and aspirations that impact the cityscape. The installation prompts viewers to imagine their own ideal city. City in the Sky explores ideas first dealt with in Magic Mushrooms (2015), the duo’s permanent commission for DOKK1 in Aarhus, Denmark.

Elmgreen & Dragset will also participate in Art Basel Conversations A Common Place? | Artists in Art Fairs on Friday, March 29. The panel will be held from 2pm - 3:30pm at the Hong Kong Convention and Exhibition Centre and will be moderated by moderated by Özge Ersoy, Public Programs Lead at Asia Art Archive, Hong Kong. Other panelists include Hai Hsin Huang, Paco Barragán, and Iván Navarro.
 
 
8 엘름그린&드라그셋, 월페이퍼* 디자인 어워드(Wallpaper* Design Awards) 수상자로 선정

수상작가: Elmgreen & Dragset 엘름그린&드라그셋
수상작품: Queer Bar/Powerless Structures, Fig. 21
웹사이트: https://www.wallpaper.com/design/wallpaper-design-awards-2019-judges-awards

Elmgreen & Dragset’s Queer Bar/Powerless Structures, Fig. 21 (2005) is chosen as the winner of 2019 Wallpaper* Design Award. In contrast to the meaning associated with the title, this work speaks not so much to LGBT disenfranchisement but rather bygone pleasures. Specifically, it bemoans the fading ritual of meeting new friends or lovers at a bar, at a time when social media has all but driven in-person introductions into extinction.

A work from the same series will be shown at Kukje Gallery’s Elmgreen & Dragset exhibition which will open on March 21 through April 28. It will be a new major work in a circular form of 2 meters in diameter criticizing power and stereotypes in institutions.

듀오 아티스트 엘름그린 & 드라그셋이 영국 유명 건축·디자인 잡지 월페이퍼(Wallpaper*)가 주는 ‘2019년 월페이퍼 디자인 어워드’의 수상자로 선정됐다. 수상작 (2005)은 제목에서 연상되는 의미와는 대조적으로 성적소수자(LGBT)의 권리 박탈 문제보다는 지나간 즐거움에 대해 말한다. 특히, 소셜미디어가 사람들이 직접 대면하는 교류를 없애고, 더 이상 새로운 친구나 인연을 술집에서 만나기가 점점 어려워지는 안타까운 현실에 대해 한탄한다.

한편 엘름그린 & 드라그셋은 오는 3월 21일부터 4월 28일까지 국제갤러리에서 개최하는 첫 번째 개인전에서 같은 시리즈의 작업을 선보일 계획이다. 지름 2 m 남짓한 원형의 형태로 제작된 신작은 제도권 내 권력이나 고정 관념을 비판하는 작가의 주요 작업 중 하나이다.

[Source from Wallpaper* Magazine]

 
 
9 김홍석, 김수자, 이탈리아 국립로마현대미술관 그룹전 《The STREET. Where the world is made》 참가

A Needle Woman, 2009. Courtesy the Artist and Galleria Raffaella Cortese, Milan

전시작가: 김홍석(Xijing Men), 김수자(Kimsooja)
전시제목: The STREET. Where the world is made.
전시기간: 2018년 12월 7일(월) – 2019년 4월 28일(일)
전시기관: 이탈리아 국립로마현대미술관(Museo nazionale delle arti del XXI secolo)
웹사이트: https://www.maxxi.art/en/events/la-strada-dove-si-crea-il-mondo/
 
Gimhongsok and Kimsooja are participating in a group exhibition titled The STREET. Where the world is made. at Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Rome, Italy through April 28, 2019. More than 140 artists and over 200 works will be shown to describe a space through multicultural, polyglot, colorful, scary, stimulating, deafening story of the streets of the whole world

The exhibition is organized based on themes – public actions, daily life, politics, the community, innovation, the role of the institution – fundamental for understanding the new functions and identity of the modern-day street. Gimhongsok, together with Chen Shaoxiong and Tsuyoshi Ozawa as the project group ‘Xijing Men,’ will show I Love Xijing – The Daily Life of Xijing Presidents (2009), and Kimsooja will present A Needle Woman (2009), which investigates metaphysical themes of consciousness and social identity.


김홍석과 김수자는 이탈리아 국립로마현대미술관에서 개최하는 그룹전 The STREET. Where the world is made(2019년 4월 28일 폐막)에 참가한다. 전세계에서 온 140여 명의 작가들이 참가, 200여 점 이상의 작품을 소개하는 이번 전시의 공간은 다문화와 다중언어를 비롯해 다채롭고, 자극적이며, 귀를 먹먹하게 할 정도로 시끄러운 전세계의 거리, 즉 현대 사회의 모세혈관인 길의 이야기로 구성된다.

전시는 길거리의 풍경을 현대성의 실체를 들여다볼 수 있는 중요한 모티프로 설정했다. 현대 거리의 새로운 기능과 정체성을 이해하도록 공공의 행동, 일상적인 삶, 정치, 지역사회, 혁신 그리고 기관의 역할과 같은 기본 주제들을 이야기한다. 김홍석은 중국 아티스트 첸 샤오시옹(Chen Shaoxiong)과 일본 아티스트 츠요시 오자와(Tsuyoshi Ozawa)와 함께 결성한 프로젝트 그룹 ‘시징맨(Xijing Men)’으로 참가해 (2009)을 선보인다. 김수자는 시각적인 이미지 및 오브제 이상의 정신적이고 철학적인 탐구를 통한 다양한 문화와 삶의 인류학적 면모를 보여주는 작업 <바늘 여인>(2009)을 소개한다. 

[Source from Museo nazionale delle arti del XXI secolo Website]

 
 
10 빌 비올라, 스페인 Museo de Arte Abstracto Español에서 개인전 《Vía Mística》 개최


전시작가: Bill Viola 빌 비올라   
전시제목: Vía Mística
전시기간: 2018년 10월 18일(목) – 2019년 2월 24일(일)
전시기관: Museo de Arte Abstracto Español 지역 장소
웹사이트: https://www.march.es/arte/cuenca/exposiciones/bill-viola/?l=2

Bill Viola is featured in a solo exhibition titled Vía Mística at the city of Cuenca in Spain, a new cultural initiative and exhibition of national and international scope through February 24, 2019. 

The exhibition features works inspired by historic sites as well as museums at Cuenca. This project, curated by Viola's wife Kira Perov, features a total of eighteen works by the artist focusing on spirituality that have been distributed among venues located in Cuenca's historical center with four works currently on view at the Museo de Arte Abstracto Español. This exhibition is organized by Eulen Art with the support of the Junta de Castilla-La Mancha.

빌 비올라는 다양한 전시를 개최하며 새로운 문화의 부흥지로 떠오르고 있는 스페인의 쿠엥카 지역에서 2019년 2월 24일까지 개인전 《Vía Mística》를 선보인다.

이번 전시의 특징은 쿠엥카의 미술관뿐만 아니라 역사적 장소에 영감을 받은 작품 구성으로 선보인다는 점이다. 작가의 부인이자 이번 전시를 큐레이팅한 키라 페로브(Kira Perov)는 지역에 깃든 영성(spirituality)에 초점을 맞춘 총 18점의 작품을 지역 곳곳에서 소개하며, 그 중 네 작품은 쿠엥카 스페인 추상 미술관(Museo de Arte Abstracto Español) 공간에서 보여진다. 이번 전시는 카스티야라만차 위원회(Junta de Castilla-La Mancha)가 후원하고, 을렌 아트(Eulen Art)가 주최했다.


[Source from The Fundación, Bill Viola Website]
 
 
11 제니 홀저, 런던 Tate Modern에서 개인전 《ARTIST ROOMS: Jenny Holzer》

Exhibition view: ARTIST ROOM: Jenny Holzer, Tate Modern, London, 2018 © 2018 Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS), NY. Photo: Jack Hems

전시작가: 제니 홀저 Jenny Holzer   
전시제목: ARTIST ROOMS: Jenny Holzer
전시기간: 2018년 7월 23일(월) – 2019년 7월 31일(수)
전시기관: 런던 테이트 모던(Tate Modern)
웹사이트: https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/artist-rooms-jenny-holzer

Jenny Holzer is currently participating in a solo exhibition titled ARTIST ROOMS: Jenny Holzer at London’s Tate Modern through July 23, 2019. The show brings together key works from across Holzer’s four-decade career, including rarely seen works from the artist’s archives and installations exhibited in the UK for the first time, in Tate Modern’s dedicated ARTIST ROOMS gallery.

The show will present Holzer’s early series Truisms 1977–79, as well as Redaction Paintings, begun in 2006, which reproduce declassified government documents relating to American and British interventions in the Middle East. Other highlights include an LED sculpture titled FLOOR 2015, originally intended for display on the ground, but which the artist has chosen to mount to the ceiling, allowing audiences to experience the work from a different vantage point.

제니 홀저는 런던 테이트 모던(Tate Modern)에서 개인전 ARTIST ROOMS: Jenny Holzer》를 2019 7 23일까지 선보인다. 이번 전시는 40년간 작업한 제니 홀저의 주요 작품들을 한데 모으고, 지금까지 볼 수 없었던 작가의 아카이브 및 설치 작업을 처음 공개한다. 

전시에서는 제니 홀저의 초기 연작 (1977-99) 비롯해 2006 중동에서 미국과 영국의 개입과 관련된 기밀 해제 정부 문서를 복사하는 작업 함께 소개된다. 밖에 제니 홀저의 LED 작업 (2015) 기존 설치 방식과는 달리 천장에 설치한 작업으로, 관객들이 다각도에서 작업을 경험할 있도록 했다.

[Source from Tate Modern Website]
 
 
12 구본창, 국제갤러리 부산 점에서 개인전 《Koo Bohnchang》 개최

전시작가: 구본창 Koo Bohnchang
전시제목: Koo Bohnchang
전시기간: 2018년 12월 14일(금) – 2019년 2월 17일(일)
전시기관: 국제갤러리 부산 (Kukje Gallery Busan)                                       
웹사이트: https://www.kukjegallery.com/KJ_exhibitions_view_1.php?page=upcoming&ex_no=215&v=1

구본창은 국제갤러리 부산점에서 개인전 《Koo Bohnchang》을 2019년 2월 17일까지 선보인다. 국제갤러리 부산점의 첫 번째 기획전이자 국제갤러리에서 열리는 작가의 세 번째 개인전 《Koo Bohnchang》전은 작가가 지난 30여 년 동안 통찰력과 감성 그리고 표현력으로 일구어온 독창적인 작품 세계 및 현 경향을 만날 수 있는 기회를 제공한다. 구본창은 사진 매체의 가능성을 끊임없이 모색하며, 국내에서 사진이 현대미술의 주요 장르로 확고하게 자리매김하는데 유의미한 역할을 해왔다. 세상과 소통하기 위한 방법으로 사진을 선택한 후 파격과 실험을 거듭하던 그는 한국의 전통문화를 현대적인 감각으로 재해석하는 작업에 이르게 된다. 그 중 백자, 카메라, 작가의 완벽한 일체감을 보여준 <백자> 연작은 우연과 필연으로 직조된 구본창의 예술여정 중에서도 작업세계를 확장하는데 결정적인 역할을 했다. 또한 이번 전시에서 처음 선보이는 <청화백자> 연작은 유물이 존재했던 당대의 기호, 욕망, 가치 등의 화두를 서정적으로 풀어냄으로써 존재 자체를 사색하도록 만든다. <백자>와 <청화백자> 연작을 통해 “모든 사진은 존재와 부재의 갈림길이다”라는 작가 자신의 말을 스스로 증명하는 구본창은 소유한 사람도, 그의 욕망도, 그가 살던 시대도 사라지고 유물만 남은 상황을 오롯이 담은 사진을 통해 ‘시간성’, ‘덧없음’ 등 그의 작업 내면에 맥맥이 흐르는 주제를 강조한다. 

Kukje Gallery is pleased to present Koo Bohnchang, a solo exhibition of the artist on view at Kukje Gallery’s Busan space. This marks Koo’s third solo exhibition at Kukje Gallery, and is the first curated exhibition held in Busan since its opening. The eponymous solo exhibition will serve as a comprehensive introduction to the artist’s photographic œuvre of nearly three decades and will provide an invaluable opportunity to experience Koo’s unique philosophy and compelling images. During the course of his career, Koo's constant investigation into the possibilities of photography has played a pivotal role in establishing the medium as a major genre of contemporary art in Korea. Committed to using photography as a means to communicate with the world, the artist has continued to experiment and push the boundaries of the medium. Consequently, his work has evolved to encompass an expansive and ongoing project of viewing and reinterpreting Korean cultural artifacts through a modern lens. His best-known series Vessels explores the harmony between the white porcelain masterworks of the Joseon Dynasty (1392 – 1897), the camera, and the artist. The series in particular has played a seminal role in expanding his practice within the context of an artistic journey woven in coincidence and necessity. The Blue-and-white Porcelain Jar series, which will be exhibited for the first time since its creation in 2014, engages with the subjects of contemporary taste, desire, and value, thus encouraging the audience to contemplate the objects’ subjectivity. Koo's Vessels and Blue-and-white Porcelain Jar series both exemplify the artist’s view that, “[p]hotographs are a dividing line between existence and absence.” That is to say, despite the loss of links to these objects’ original owners, initial values, and context, the objects themselves remain a powerful presence. The photographs capture this longevity and aura, emphasizing the two main motifs of Koo’s work: time and impermanence in the human condition. 
 
 
13 가다 아메르, 뉴질랜드 Dallas Contemporary에서  개인전 《Ceramics, Knots, Thoughts, Scraps》 개최

Installation view of Ceramics, Knots, Thoughts, Scraps, 2018. Photo: Kevin Todora

전시작가: 가다 아메르 Ghada Amer   
전시제목: Ceramics, Knots, Thoughts, Scraps
전시기간: 2018년 9월 30일(일) – 2018년 12월 17일(월)
전시기관: 달라스 컨템포러리(Dallas Contemporary, Texas)
웹사이트: http://www.dallascontemporary.org/current-exhibitions.html

 
달라스 컨템포러리(Dallas Contemporary, Texas)미술관에서 가다 아메르의 개인전 《Ceramics, Knots, Thoughts, Scraps》이 올해 12월 17일까지 선보인다. 이번 전시는 가다 아메르의 세라믹 작업 전반을 처음 선보이는 자리로, 기존 자수회화 작업으로 알려진 작가의 새로운 매체 탐구의 과정과 결과물을 소개한다. 가다 아메르는 접시 등 3차원 형태의 구상 작업을 비롯해 ‘Knots’, ‘Thought’s, ‘Scraps’라고 명명한 작업을 함께 선보인다. 기술과 표현을 다루는 이 작업들은 추상적이고 과정중심적이며, 가다 아메르의 창조적인 과정과 실험적인 투자에 대한 통찰력을 제공한다. 

Ghada Amer is featured in a solo exhibition titled Ceramics, Knots, Thoughts, Scraps at Texas Dallas Contemporary through December 17, 2018. Ceramics, Knots, Thoughts, Scraps is Amer’s first exhibition dedicated to ceramics. Known for her embroidered works on canvas, Amer has recently turned to a new medium. In conjunction with her figurative works such as plates and three-dimensional forms, Amer also presents pieces she refers to as Knots, Thoughts, and Scraps. Abstract and process-driven, they offer insight into the artist’s creative process and investment in experimentation.


[Source from Dallas Contemporary Website]

 
 
14 양혜규, 뉴질랜드 Govett-Brewster Art Gallery에서  개인전 《Haegue Yang: Triple Vita Nestings》 개최

Heague Yang, Installation view: Triple Vita Nestings, Institute of Modern Art, Brisbane. Courtesy the artist. Photo: Carl Warner

전시작가: 양혜규 Haegue Yang 
전시제목: Haegue Yang: Triple Vita Nestings
전시기간: 2018년 12월 1일(토) – 2019년 3월 18일(월)
전시기관: 뉴질랜드 고벳 브루스터 미술관(Govett-Brewster, New Zealand)
웹사이트: https://govettbrewster.com/exhibitions/haegue-yang-triple-vita-nestings

양혜규가 뉴질랜드 고벳 브루스터 미술관에서 2019년 3월 18일까지 개인전 《생을 위한 삼중 둥지 틀기》를 선보이고 있다. 이번 전시는 올해 여름 호주 브리즈번 현대미술관(IMA)에서 성황리에 개최되었던 양혜규의 호주 첫 번째 개인전의 순회전으로, 조각과 설치, 영상 작업들을 소개한다. 

이번 전시 공간에는 양혜규의 비디오 에세이 <쌍과 반쪽 – 이름 없는 이웃들과의 사건들>(2009)과 오디오 작업 <모래 동굴 안의 곰 여인 이야기>(2009/2011), 그리고 블라인드 설치작 <치명적인 사랑>(2008)이 서로 얽히듯 연결되어 있다. 《생을 위한 삼중 둥지 틀기》가 제의하는 역사적 인물이나 기이한 캐릭터들, 소외감과 이웃에 대한 양혜규의 자기 반영적인 사유들은 각 캐릭터들이 서로 얽혀 있는 상호 연결된 현실을 반영한다. 특히 문화, 스포츠, 사업, 정치를 포함한 다양한 분야의 저명인사들에게 대여받은 가구를 전시하는 양혜규의 설치 작업 (2001/2018-19)가 이번에  새롭게 공개되어 일시적 ‘공동체’를 구성한다. 

Haegue Yang is featured in a solo exhibition titled Haegue Yang: Triple Vita Nestings at New Zealand’s Govett-Brewster Art Gallery through March 18, 2019. As a traveling exhibition which successfully opened at the Institute of Modern Art in Brisbane, Haegue Yang will show her installations and video works.

Although formally distinct, the works in this exhibition – from the artist’s latest video essay Doubles and Halves—Events with Nameless Neighbors (2009), to the audio work The Story of a Bear-Lady in a Sand Cave (2009/2011) and the venetian blind installation Lethal Love (2008/2018) – are inextricably linked. Evoking the biographies of historical figures, mythical creatures, and self-reflective ideas of alienation and neighbourliness, as suggested by the exhibition’s title, each character nests within another, representing our interwoven, interconnected realities. Haegue Yang will also continue her series VIP’s Union(2001/2018-19) with a version for the Govett-Brewster by inviting ‘VIPs’ from different areas of society including culture, sports, business, and politics to lend their favorite chair or table which will form a temporary ‘community’ within the gallery.

[Source from Govett-Brewster Art Gallery Website]

 
 
15 김영나 그래픽 디자이너, 샤르자에서 열리는 제1회 피크라 그래픽 디자인 비엔날레 예술 감독으로 참여

Ministry of Graphic Design, Photo: Obaid Al Budoor

전시제목: Ministry of Graphic Design
전시기간: 2018년 11월 8일(목) – 2018년 11월 30일(금)
전시기획: Na Kim, Emily Smith, Prem Krishnamurthy
전시기관: 아랍에미리트 샤르자 은행(Bank of Sharjah, Sharjah, UAE)
웹사이트: https://fikrabiennial.com/curatorial-approach/

그래픽 디자이너 김영나가 전시 기획자 프렘 크리슈나무르티(Prem Krishnamurthy), 에밀리 스미스(Emily Smith)와 함께 공동 예술감독으로 참여한 피크라 그래픽 디자인 비엔날레 Ministry of Graphic Design》오는 11월 30일까지 아랍에미리트 샤르자 은행 건물에서 진행된다. 지난 11월 8일 처음으로 선보인 피크라 그래픽 디자인 비엔날레는 디자인 관계자들을 비롯, 40명 이상의 다양한 예술가들이 한자리에 모여 그들이 속한 지역과 세계를 반영한 역사적 작업을 작품과 병치해 선보인다.


이번 피크라 디자인 비엔날레의 테마는 ‘그래픽 디자인의 내각(Ministry of Graphic Design)’으로, 아랍에미리트의 혁신적 행정 구조와 위치를 반영하듯 총 6개의 조직 부서로 전시를 구성했다. 각 부서는 현재와 잠재적 미래에 대한 상상력을 탐구하고 현실화하는 그래픽 디자인의 영향을 다채롭게 구현하는 데 초점을 맞추고 있다. 이러한 비엔날레의 개방적 접근은 그래픽 디자인 시장을 빠르게 성장, 발전시키는 상업적 의미를 넘어 그래픽 디자인을 사회 및 문화적 활동 분야로 간주하고 더 넓은 의미로 활용할 수 있는 발판을 마련한다는 점에서 의의가 있다.

김영나는 현재 서울과 베를린을 오가며 ‘테이블 유니온’의 멤버로도 활동 중이다. 2009년부터 2012년까지 계간 ‘그래픽(GRAPHIC)’ 매거진의 아트디렉터 및 편집자로 컨셉과 디자인을 총괄했으며, 2015년부터는 김영나의 모노그래프 를 기반으로 연계한 프로젝트를 이어왔다. 브루노 비엔날레, 쇼몽 그래픽 디자인 페스티벌, 서울 국제 타이포그래피 비엔날레 큐레이터로도 활동했으며, 국립현대미술관, 런던 빅토리아 앨버트 뮤지엄, 뉴욕 MoMA, 밀라노 트리엔날레 뮤지엄 등 국내외 다양한 전시에 참여한 바 있다.

The graphic designer Na Kim is one of the three artistic directors—alongside Prem Krishnamurthy and Emily Smith—of the inaugural edition of Fikra Graphic Design Biennial titled Ministry of Graphic Design, on view through November 30, 2018 at the Bank of Sharjah. The first edition of Fikra Graphic Design Biennial 2018 gathers over forty hybrid practitioners, independent initiatives, collective voices, enthusiastic newcomers, and others whose practice engages with design. Their projects are juxtaposed with historical work from both the region and the world.

Reflecting on innovation-focused administrative structures and positions in the United Arab Emirates, the theme of the Biennial, Ministry of Graphic Design comprises of six curatorial “Departments,” each focusing on diverse display formats exploring graphic design’s influence in shaping the present and imagining potential futures. The Ministry’s open-ended approach sets the stage for considering graphic design beyond its fast-paced commercial definitions as a broader social and cultural field of action.

Na Kim is currently based between Seoul and Berlin as a member of Table Union. She was responsible for the spearheading the concept and design for GRAPHIC Magazine from 2009 to 2011 and has initiated series projects based on her monograph SET since 2015. In addition, Kim has been a curator for Brno Biennale, Chaumont Festival, and Seoul International Typography Biennale. Kim’s works have been included in many institutional exhibitions around the world including the Museum of Modern and Contemporary Art Seoul, Victoria & Albert Museum, Museum of Modern Art, Milan Triennale Museum, and Die Neue Sammlung amongst others.

[Source from Fikra Graphic Design Biennial Website]