Recently Updated
1 Anish Kapoor, Subject of Solo Exhibition Anish Kapoor at Houghton Hall at Houghton Hall in Norfolk, UK 

Anish Kapoor, Sky Mirror, 2018, stainless steel. Eight Eight, 2004, onyx. Courtesy the artist and Lisson Gallery. © Anish Kapoor. All rights reserved DACS, 2020. Photo: Pete Huggins 

Artists: Anish Kapoor (아니쉬 카푸어)
Exhibition Dates: Jul 12 – Nov 1, 2020 
Exhibition Venue: Houghton Hall, Norfolk, UK
Website: www.houghtonhall.com/?page_id=3181

The internationally acclaimed contemporary artist Anish Kapoor is the subject of a solo exhibition titled Anish Kapoor at Houghton Hall, which opened on July 12, 2020, at Houghton Hall located in Norfolk, in the east of England. Built by Sir Robert Walpole, Great Britain’s first Prime Minister in around 1722, Houghton Hall is one of the country’s finest examples of Palladian architecture. Currently owned by the Cholmondeley family, the venue has displayed works by internationally acclaimed artists including Richard Long, Damien Hirst, and Henry Moore, since opening to the public in 1976. Kapoor, known for his practice that engages the physicality of materials and non-linear forms in order to explore concepts of the body, existence, and spirituality, showcases his unique artistic vocabulary and establishes an aesthetic dialogue with the classical architecture of the house and the idyllic beauty of the grounds

Curated by Mario Codognato, director of the Anish Kapoor Foundation, the exhibition will present 24 sculptures as well as a selection of drawings representative of the artist’s ground-breaking body of work created over the past four decades. Installed on the grounds is Kapoor’s iconic Sky Mirror (2018), a 5-meter diameter mirror created with stainless steel reflecting the movements of the sky. Also installed outdoors are a number of carved marble sculptures created from 2001 to 2004 featuring geometrical yet organic forms, including Grace (2004) and Eight Eight (2004). Shown throughout the galleries inside the house is a series of colored concave mirrors which come into harmony with the classical décor to create an enchanting and elegant atmosphere. The exhibition, which broadens the psychological and physical perceptions of visitors with artworks that seamlessly blend in and come into continuous dialogue and engagement with Houghton’s history, runs through November 1, 2020. 

아니쉬 카푸어, 영국 호턴 홀 개인전 《Anish Kapoor at Houghton Hall》 참가

현대미술의 거장 아니쉬 카푸어의 개인전 《Anish Kapoor at Houghton Hall》이 잉글랜드 동부에 위치한 호튼 홀에서 7월 12일부터 열린다. 호튼 홀은 영국 초대 총리 로버트 월풀(Sir Robert Walpole)을 위해 1722년경 지어진 대저택으로 특히 팔라디오 양식의 걸작으로 손꼽히는 건축물이다. 현재 콜몬들리(Cholmondeley)가 소유의 저택인 이 곳은 1976년 처음 대중에게 공개된 이후, 리차드 롱(Richard Long), 데미안 허스트(Damien Hirst), 헨리 무어(Henry Moore) 등 저명한 미술가들의 작품들을 전시해왔다. 재료의 물성과 비정형적 형태를 통해 정신적, 본질적인 영역을 탐구해온 아니쉬 카푸어는 이번 개인전에서 호튼 홀의 아름다운 경관과 미술적으로 소통하는 고유한 작품세계를 펼쳐 보인다. 

아니쉬 카푸어 재단의 디렉터 마리오 코도냐토(Mario Codognato)가 기획한 본 전시는 작가의 40여 년 예술세계를 아우르는 24점의 조각과 드로잉 작품들을 소개한다. 정원에 설치된 대표작 <Sky Mirror>(2018)는 5미터 지름의 스테인리스 소재 조각으로, 거울처럼 매끈한 표면은 시시각각의 하늘을 그대로 비춘다. 2001-2004년 사이에 제작된 기하학적이면서 유기적인 대리석 조각 <Grace>(2004), <Eight Eight>(2004) 등도 공간 곳곳에 함께 소개된다. 저택 내부로 이어지는 전시 공간에서는 형형색색의 오목한 형태의 거울 연작들이 고전적인 장식과 한데 어우러져 신비롭고도 아름다운 풍경을 자아낸다. 유서 깊은 호튼 홀의 공간과 조화를 이루는 작품들을 통해 관객들의 신체적, 정신적 감각의 확장을 일깨우는 이번 전시는 오는 11월 1일까지 계속된다. 

[Source from Houghton Hall website]
2 Daniel Boyd Announced as Recipient for 2020 ACT Architecture Awards across Four Categories

Daniel Boyd, Installation view of For our Country - Aboriginal and Torres Strait Islander memorial, Australian War Memorial, Canberra, 2019 Photo: Ben Hosking

Awarded Artist: Daniel Boyd (다니엘 보이드)
Award Institution: 호주 건축가 협회(Australian Institute of Architects)
Website: www.architecture.com.au/news_media_articles/national-aboriginal-and-torres-strait-islander-memorial-tops-act-architecture-awards/

For Our Country (2019), a memorial designed in collaboration of the Australian artist Daniel Boyd and the Melbourne-based architecture studio Edition Office, has received accolades at the 2020 ACT Architecture Awards by winning across four different categories. Organized by the Australian Institute of Architects, the ACT Architecture Awards recognizes architectural achievements in categories such as public architecture, residential, commercial, education, and sustainability. For Our Country won the esteemed Canberra Medallion along with the Cynthia Breheny Award for Small Project Architecture, the Pamille Berg Award for Art in Architecture, and the Robert Foster Award for Light in Architecture. 

The memorial, which is currently installed in the Australian War Memorial in Canberra, commemorates the services of Aboriginal and Torres Strait Islanders who sacrificed for their country. The thousands of transparent lenses set throughout the wall represent multiple perspectives that interpret history, while the reflections of light express the spiritual integrity and pride that the Aboriginal and Torres Strait Islanders hold in connection to their country. In regards to the nomination, Australian Institute of Architects ACT Jury Chair, Marcus Graham, remarked: “Physically small, but carrying an enormous weight of significance, For Our Country reflects honestly upon a complex history, and looks forward to greater cultural understanding.” The awards ceremony, which was held virtually via Youtube due to the impact of COVID-19 and social distancing restrictions, gave recognition to a total of 43 recipients across 14 categories. 

다니엘 보이드, ACT Architecture Awards 2020에서 4개 부문 수상

호주 출신 작가 다니엘 보이드(Daniel Boyd)와 멜버른 건축사무소 에디션 오피스(Edition Office)의 기념비 조각 <For Our Country>(2019)가 ACT Architecture Awards 2020에서 4개 부문을 수상했다. 호주 건축가 협회(Australian Institute of Architects)가 주관하는 이 상은 지속 가능하다 평가 받은 공공, 주거, 상업, 교육 건축물에 수여된다. <For Our Country>는 최고 권위의 상인 ‘Canberra Medallion’을 비롯하여 소규모 건축물을 대상으로 하는 ‘The Cynthia Breheny Award for Small Project’, 건축과 예술이 훌륭하게 결합된 작품에 수여하는 ‘The Pamille Berg Award for Art in Architecture’, 빛을 활용한 건축물을 선정하는 ‘The Robert Foster Award for light in Architecture’를 수상했다. 

현재 캔버라의 호주 전쟁 기념관에 설치된 <For Our Country>는 조국을 위해 희생한 원주민 및 토레스 해협 토착민을 기리는 작품이다. 벽면을 채운 수천 개의 투명한 렌즈는 역사를 바라보는 다양한 시각을 상징하며, 렌즈를 통해 들어오는 빛은 원주민들의 영적인 힘과 나라를 지켜온 긍지를 표현한다. 심사위원장 마커스 그레이엄(Marcus Graham)은 “물리적으로 작지만 엄청난 중요성을 가진 <For Our Country>는 복합적인 역사를 반영하고 있으며, 나아가 더 깊은 문화적 이해를 창출한다”고 선정 이유를 밝혔다. 시상식은 지난 6월 5일, 코로나 19로 인한 사회적 거리두기의 일환으로 유튜브 스트리밍을 통해 진행되었으며 총 14개 부문, 43명(팀)이 수상했다. 

[Source from AIA website]
3 Elmgreen & Dragset Participate in Group Exhibition OH! MY CITY at PARADISE ART SPACE, Incheon

Elmgreen & Dragset, City in the Sky, 2019, stainless steel, steel, aluminium acrylic glass, LED lights, 400 x 500 x 220 cm. Courtesy of the Artists, Kukje Gallery, Massimo De Carlo, and Perrotin. Photo: Myungrae Park. 

Artists: Elmgreen & Dragset (엘름그린 & 드라그셋)
Exhibition Dates: June 18 – Oct 4, 2020 
Exhibition Venue: PARADISE ART SPACE, Incheon, Korea
Website: www.p-city.com/front/artSpace/overview

The artist duo Elmgreen & Dragset are currently participating in the group exhibition OH! MY CITY held at PARADISE ART SPACE in Incheon. The exhibition, which presents the works of five international contemporary artists including Anibal Catalan and Chiharu Shiota, explores the multilateral meanings of cities, extending beyond their physical boundaries. Known for their signature humor and poignant sarcasm against social clichés and cultural structures pervasive in everyday life, Elmgreen & Dragset present three works that reinterpret conventional cityscapes. 

Installed within Paradise Walk, the hallway that connects PARADISE ART SPACE to Paradise City, is City in the Sky (2019)—a large-scale installation that depicts a scaled model of an imaginary city, flipped upside down. This marks the first time this work has been showcased in Korea. Inspired by financial centers being built in megacities such as Hong Kong, Shanghai, and London, City in the Sky portrays the complex layers and aspirations that impact the cityscape as the competition among global metropolises intensifies. The artists expanded on this idea, creating a kaleidoscopic overview of a fictional urban landscape in which illuminated skyscrapers are rendered as post-architectural archetypes, prompting viewers to imagine their own ideal city. The Observer (Kappa) (2019), installed in PARADISE ART SPACE, displays a lone figure deep in thought, casually leaning over the railing of a balcony. The balcony transgresses boundaries,  being at once private and public, and the work represents a portrait of an individual observing the myriad features of a city. Facing The Observer (Kappa) is a new variation of Powerless Structures, Fig. 429 (2012), of which the original version was first introduced at the Echigo-Tsumari Satoyama Museum of Contemporary Art KINARE in 2013. The exhibition, which provides an opportunity to experience the everyday city from an artistic perspective, runs through October 4, 2020. 

엘름그린 & 드라그셋, 인천 파라다이스 아트스페이스 그룹전 《OH! MY CITY》 참가

작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)이 인천 파라다이스 아트스페이스에서 열리는 그룹전 《OH! MY CITY》에 참여한다. 엘름그린 & 드라그셋을 비롯하여 아니발 카탈란(Anibal Catalan), 시오타 치하루(Chiharu Shiota) 등 현대미술가 5인의 작품들로 꾸려지는 이번 전시는 물리적 차원을 넘어 다양한 의미의 공간으로서의 도시를 조명한다. 일상과 도시에 만연한 문화구조에 질문을 제기하고, 특유의 위트와 비판정신으로 재해석해온 엘름그린 & 드라그셋은 이번 전시에서 도시의 풍경을 새로운 관점으로 매개한 작품 3점을 선보인다. 

특히 가상의 도시를 뒤집은 형태의 작품 <City in the Sky>(2019)는 작품통로 공간인 파라다이스 워크에 설치되어 국내에서 첫 선을 보인다. 홍콩, 상하이, 런던 등 세계 금융 중심지에서 영감 받은 이 작품은 대도시들 간의 고조된 경쟁과 야망을 함축하며, 도시의 마천루를 따라 빛나는 빛은 관객들로 하여금 각자가 꿈꾸는 이상적인 도시를 상상하게 한다. 이어지는 전시장에 설치된 <The Observer(Kappa)>(2019)는 공과 사의 경계인 발코니에서 홀로 사색에 잠긴 인물 형상을 나타낸 작품으로, 도시의 다양한 양상을 관찰하는 어느 개인의 자화상을 상징한다. 또한 지난 2013년 일본 에치고 쓰마리 사토야마 현대미술관 KINARE에서 공개되었던 <Powerless Structures, Fig. 429>(2012)는 전시장 내 공간에서 새로운 구성으로 소개된다. 익숙한 공간인 도시를 예술의 관점으로 바라볼 수 있는 기회를 제공하는 이번 전시는 오는 10월 4일까지 계속된다.

[Source from PARADISE ART SPACE press release]
4 Kukje Gallery Collaborates with Space-Centered Digital Experiential Design Company d’strict

Installation view of WAVE, 2020, Coex Artium, Seoul, Korea. Copyright 2020. d’strict holdings. All rights reserved. Image provided by d’strict.

Kukje Gallery is pleased to announce a collaborative relationship and a series of upcoming public art projects with the space-centered digital experiential design company d'strict. Having recently been the subject of accolades from both Korea and abroad for their public art project titled WAVE, an immersive video art installation that features giant blue waves crashing onto the wraparound display atop Coex Artium in Seoul's Samseong-dong, d'strict creates user-centered experiences for a wide range of public spaces including flagship stores, hotels, and theme parks with spectacular visual contents that employ cutting edge digital media technology. While WAVE was initially developed as a promotional advertising product for which the company's extensive experience and expertise came into play, the installation has progressed into a work of art which flawlessly integrates art and technology, presenting the artistic value and realization of technology in everyday life. Not only within this context but also in face of the global pandemic, WAVE effectively functions as a groundbreaking public art installation that spans the dimensions of both time and space in the heart of the cosmopolitan city of Seoul. In the coming months, d’strict plans to reveal Soft Body, a depiction of human and object collisions onto the screen, and WHALE, a portrayal of a virtual whale navigating its way through a big screen acting as a large water tank.

The joint effort between Kukje Gallery and d’strict represents the evolution of media art technology, along with the changes that will be brought upon the industry’s landscape, defined by the dynamics between creators and viewers/users, everyday life and art. With confidence in its success with commercial projects in recent years, d’strict is currently planning its very own artist unit in order to further explore the aesthetic potential of media art. Grounded on its persisting interest in the digitalization of the art market following the global pandemic, further exemplified by the launch of the online viewing room – kukje ON – and its ongoing digital archive, Kukje Gallery will wholeheartedly support and participate in the forthcoming creative journey of this unit. This much-anticipated encounter between the two leading entities of the art and technology sectors signals an exciting venture and a meaningful challenge in the contemporary art discourse, all of which is made possible by rediscovering the hidden values of art through the integration between art and everyday life, and sharing media art as a new phenomenon reflecting our generation today.

Established in 2004, the digital media technology-based d’strict has built a name for its commitment to curating space-centered public art projects and expanding the boundaries of the digital media business through means of digital media technology including holographic displays and projection mapping. Based on the company’s cutting edge technology, d’strict has developed distinguished visual content including Live Park (2011), the world’s first-ever digital theme park; Live Pavilion (2018), an interactive pavilion for the 2018 Pyeongchang Winter Olympics; Nexen UniverCity (2019), a three-dimensional space designed for Nexen Tire. d’strict was named the winner of the iF DESIGN AWARD (2005, 2007, 2011, 2013, 2014, 2016, 2018, 2020), Red Dot Design Award (2006), and London International Awards (2004, 2006). Corporate partnerships include those with leading companies such as Samsung Electronics, SK, LG, Hyundai Motor Company, and IKEA. Following its expansion into the Chinese market in 2015 with the launch of d’strict china, the company soon plans to open another division in Vietnam in order to further extend its business opportunities abroad. Currently, d’strict is in the final stages of preparation for ARTE MUSEUM in Jeju Island, Korea, the country’s largest permanent media art display scheduled to open within the first-half of this year.

국제갤러리, 공간기반 디지털 경험 디자인 회사 디스트릭트(d’strict)와 협력

국제갤러리는 디지털 기반 디자인 회사 디스트릭트(d’strict)와 협력관계를 맺고 향후 다채로운 아트 프로젝트를 선보일 예정이다. 현재 삼성동 코엑스 아티움 대형 전광판에 거대한 파도 영상의 퍼블릭 아트 프로젝트 <WAVE>로 국내외의 큰 주목을 받고 있는 디스트릭트는 탄탄한 디지털 미디어 기술력을 활용한 감각적인 콘텐츠를 통해 브랜드 매장, 호텔, 테마파크 등 다양한 공간에서의 사용자 경험을 디자인해왔다. <WAVE> 역시 이들의 경험과 노하우를 담은 일종의 상품이자 광고로 기획 및 제작되었지만, 디스트릭트는 기술과 예술이 융합한 <WAVE>를 통해 기술의 예술적 가치와 이를 일상에서 구현해내는 작업의 개념을 일깨웠다. 실제 <WAVE>는 현 팬데믹 상황이라는 시간의 측면에서나 서울 도심 한복판이라는 공간의 개념에서 공히 획기적인 공공미술로 기능하고 있다. 향후 거리를 가로지르는 사람과 사물이 화면에 잇따라 부딪치는 모습을 제작한 <Soft Body>, 고래가 스크린을 유영하는 <WHALE> 시리즈도 차례로 공개될 예정이다.

이번 디스트릭트와 국제갤러리와의 협력은 현 시대 미디어아트 기술의 진화는 물론 창작자-관객/사용자, 일상-예술의 관계 등 미디어 환경의 결정적인 변화를 짐작하게 하는 대목이다. 디스트릭트는 수 년에 걸쳐 심화해온 상업적 프로젝트와는 별개로, 미디어아트 자체의 예술성과 가능성을 실험하기 위해 일종의 미디어 아티스트 유닛의 결성을 본격적으로 기획 중이다. 국제갤러리는 디스트릭트 내 아티스트 유닛의 창의적, 예술적 활동을 적극적으로 지원하고 함께 진행해 나갈 예정인데, 이는 이번 코로나 19 이후 디지털 뷰잉룸 ‘국제 온’, 디지털 아카이브, 가상공간에서의 전시관람 경험을 제공하는 등 미술시장 디지털화의 가능성을 탐색해온 행보와 맥락을 같이 한다. 따라서 각자의 자리에서 제 역할에 충실해온 두 대상의 만남은 현재 현대미술이 추구하는 방향, 즉 일상과 예술의 경계를 허물어 예술의 숨은 가치를 발견하고, 시대를 반영하여 선도하는 새로운 현상으로서의 미디어아트를 활발히 공유할 수 있는 유의미한 시도 및 실험이 될 것이라는 기대를 모으고 있다. 

지난 2004년 설립 이래 최고의 디지털 미디어 기술을 기반으로 공공의 장소에서 누구나 즐길 수 있는 콘텐츠를 지속적으로 연구해온 디스트릭트는 홀로그래픽 디스플레이, 프로젝션 맵핑 등 디지털 미디어 기술을 활용한 서비스를 제공하며 디지털 미디어 사업 영역의 개척을 선도해왔다. 이렇게 진일보한 기술력을 바탕으로 세계 최초 디지털 테마파크 Live Park(2011), 평창 동계올림픽 Live Pavilion(2018), 3D 입체공간 Nexen UniverCity(2019) 등 차별화된 결과물을 만들어냈다. 주요 수상 경력으로는 iF 디자인 어워드(2005, 2007, 2011, 2013, 2014, 2016, 2018, 2020), 레드닷 디자인 어워드(2006), 런던 국제 광고제(2004, 2006) 등이 있다. 삼성전자, SK, LG, 현대자동차, IKEA 등 유수의 브랜드와 파트너십을 맺고 있으며, 2015년 중국 시장 진출을 위해 설립한 ‘디스트릭트 차이나’에 이어 올해 베트남에 추가 법인을 설립하는 등 글로벌 시장으로 활동 영역을 넓히는 중이다. 현재는 올해 상반기 제주에 개관할 국내 최대 규모의 상설 미디어아트 전시관 ‘ARTE MUSEUM’ 준비에 박차를 가하고 있다. 
5 Kimsooja, Subject of Solo Exhibition Sowing Into Painting held at Wanås Konst, Sweden

Kimsooja, A Laundry Field, Wanås Konst, 2020. Photo Mattias Givell

Artists: Kimsooja(김수자)
Exhibition Dates: May 9 – Nov 1, 2020 
Exhibition Venue: Wanås Konst, Sweden
Website: www.wanaskonst.se/en-us/Art/Art-Projects-2020/Kimsooja

The contemporary artist Kimsooja is the subject of a solo exhibition titled Sowing Into Painting, on view through November 1, 2020, at Wanås Konst, located in the south of Sweden. An arts venue that comes directly into contact with nature—such as the green meadows, lawns, and a forest—since its establishment in 1987 Wanås Konst is widely recognized for both its permanent and temporary presentations of works which are displayed in harmony with its natural surroundings. Kimsooja’s exhibition title, Sowing Into Painting, evokes the artist’s new way of working, which involves using the land as her canvas that frames her artistic practice. 
Works at the exhibition are displayed across a vast area, including both the outdoor venues and indoor Art Gallery. At the Sculpture Park, visitors are first welcomed by A Laundry Field (2020), an accumulation of 100 pieces of old-fashioned white bedsheets that represent the human life cycle. By hanging these sheets along the beech wood forest, Kim effectively incorporates aspects of nature into her working process. To Breathe (2020), a mirror floor installed in the old Hay Barn built in 1750, creates a novel landscape by reflecting and morphing its surroundings. The Art Gallery presents the artist’s Meta-Painting (2020) series which makes use of bottari, the Korean cloth bundles used to wrap personal belongings. As part of the exhibition, the artist also planted two varieties of flax in a field approximately 330m2 large. Flax is used to produce linseed oil, which is the main substance in oil paint. Kimsooja plans to extend her artistic vocabulary into nature throughout the exhibition period, while the seeds grow and change over the course of time. 

김수자, 스웨덴 바노스 콘스트에서 개인전 《Sowing Into Painting》 개최

현대미술가 김수자의 개인전 《Sowing Into Painting》이 스웨덴 남부에 위치한 바노스 콘스트에서 2020년 11월 1일까지 열린다. 바노스 콘스트는 잔디밭, 들판, 숲에 이르는 다양한 자연환경을 경험할 수 있는 예술 공간으로, 1987년 설립 이래 대자연과 조화를 이루는 다채로운 작품들을 꾸준히 선보여왔다. 이 곳에서 김수자는 전시 제목인 ‘씨 뿌려 그리기’라는 새로운 작업 방식을 통해 대지를 캔버스 삼아 고유한 예술 세계를 펼쳐 보인다.

본 전시는 야외 공간과 실내 전시 공간인 아트 갤러리에서 전개된다. 먼저 숲 속 조각 공원에는 침대보 100장을 걸어놓은 설치작 <A Laundry Field>(2020)이 전시된다. 인간의 생로병사를 상징하는 침대보를 숲에 걸어두는 방식을 통해 작가는 캔버스의 영역을 자연으로 확장해나간다. 1750년에 지어진 건초 헛간에 설치된 거울을 활용한 작업 <To Breathe>(2020)는 주변 공간을 변모시키며 새로운 풍경을 만들어낸다. 이어지는 아트 갤러리에서는 ‘보따리’를 활용한 연작 <Meta-Painting>(2020)을 소개한다. 또한 작가는 이번 전시의 일환으로 100평 규모의 텃밭에 이 지역의 주 재배 식물인 아마(亞麻) 씨앗 두 종을 파종했다. 아마 줄기는 전통적인 캔버스의 원료로, 씨앗의 기름은 유화 물감에 사용되는 원료다. 작가는 전시 기간 동안 아마 씨앗이 자라 열매를 맺는 과정을 통해 자연과 함께 유동하는 예술의 장을 펼쳐 보일 예정이다. 

[Source from Wanås Konst web page]
6 Kukje Gallery Announces the Representation of Daniel Boyd

Artist portrait of Daniel Boyd. Photo: Chunho An

Kukje Gallery is pleased to announce the representation of the Australian artist Daniel Boyd. Last December, Kukje Gallery Busan showcased Boyd’s solo exhibition Recalcitrant Radiance, which marked the artist’s first encounter with the Korean audiences. Following the success of this much anticipated presentation, Boyd’s signature works are currently on view at the gallery’s online viewing room, kukje ON. Going forward, Kukje Gallery will be introducing a comprehensive selection of Boyd’s works to both local and international audiences, with a focus on enhancing Boyd’s artistic potential and expanding his worldwide presence as one of Australia’s most acclaimed young artists. 

Daniel Boyd, who was born in 1982 in the coastal city of Cairns, Australia, engages with his Aboriginal heritage by consistently reinterpreting established perspectives of Australian colonial history. The artist’s paintings are covered with clear white dots of glue, which are superimposed onto images of icons that played significant roles in the formation of the nation’s history. In each painting, a dot acts as a “lens” through which the artist views the world. Using a technique that borrows from Australian Aboriginal dot painting, these numerous lenses facilitate the artist to read the world as multiple histories, as opposed to a singular narrative. Amalgamating the dualities between black and white, darkness and light, the viewer takes on an active role in connecting the domains between the positive and the negative, and realigning the viewpoints between the past and present. Hence, the artist offers the viewers with an opportunity to fill and enlighten the dark void of the unknown with individual knowledge and different backgrounds, completing the picture as one enters and exits through disparate vantage points.

About the Artist
Daniel Boyd is based in Sydney and has exhibited his work internationally since 2005. Boyd has participated in major biennales and exhibitions including All the World's Futures, 56th Venice Biennale, Venice (2015) curated by Okwui Enwezor and Mondialito curated by Hans Ulrich Obrist and Asad Raza at the Boghossian Foundation. He was the recipient of the 2014 Bulgari Art Award, and his works are in the collections of the Natural History Museum, London; Kadist Collection, Paris; National Gallery of Australia, Canberra; Tasmanian Museum and Art Gallery, Hobart; National Gallery of Victoria, Melbourne; Art Gallery of New South Wales, Sydney; as well as numerous private collections.

국제갤러리, 다니엘 보이드(Daniel Boyd)와 전속계약

국제갤러리는 최근 호주 출신 작가 다니엘 보이드(Daniel Boyd)와 공식 전속계약을 체결했다. 국제갤러리는 지난 2019년 12월 부산점에서 열린 다니엘 보이드의 개인전 《항명하는 광휘(Recalcitrant Radiance)》를 통해 국내에서는 처음으로 작가를 소개한 바 있다. 현재 국제갤러리의 온라인 뷰잉룸 ‘국제 온(kukje ON)’에서도 그의 대표작을 살펴볼 수 있으며, 향후에도 명실상부 호주 대표 작가인 다니엘 보이드의 다채로운 작업 및 가능성을 국내외 관객 및 고객에게 더욱 적극적으로 알리고 공유할 예정이다. 

1982년 호주 케언즈(Cairns)에서 태어난 다니엘 보이드는 원주민 출신으로, 자신의 배경을 바탕으로 호주의 역사를 새로운 관점으로 꾸준히 재해석해왔다. 그의 회화에는 호주 역사 형성 과정에서 주요 역할을 한 다양한 이미지가 등장하는데, 상당 부분이 풀(glue)로 찍은 하얗고 투명한 점들로 뒤덮여 있다. 각 점은 작가가 세상을 바라보는 일종의 ‘렌즈’로, 수많은 렌즈를 통해 세상을 단일한 역사 구조가 아닌 다수의 서사로 읽어내고자 하는 의도를 담고 있다. 또한 흑과 백, 어둠과 빛 간의 양극을 적극적으로 연결하고 합치시킨 그의 작품은 보는 이로 하여금 회화를 독해하고 과거와 현재 사이의 시점을 재조율하게 한다. 이로써 작가는 어둠과 미지의 영역을 각자의 지식, 배경, 상상력으로 채워 밝히며, 새로운 의미의 가능성을 타개해야 한다고 피력하고 있다. 

다니엘 보이드는 2015년 오쿠이 엔위저(Okwui Enwezor)가 기획한 제56회 베니스 비엔날레 《모든 세계의 미래(All the World’s Futures)》, 2017년 한스 울리히 오브리스트(Hans Ulrich Obrist)와 아사드 라자(Asad Raza)가 부뤼셀의 보고시안 파운데이션에서 기획한 《몬디알리토(Mondialito)》 등에 주요 전시에 참여했다. 2014년 불가리 미술상을 수상하였으며, 그의 작품은 캔버라의 호주 내셔널 갤러리, 호바트의 타즈마니아 박물관, 멜버른의 내셔널 빅토리아 갤러리, 시드니의 뉴사우스웨일스 아트 갤러리 등 호주 대부분의 주요 기관뿐 아니라 런던 자연사 박물관과 파리의 카디스트 컬렉션 등 세계적인 유수 기관에 소장되어 있다. 현재 호주 시드니에 거주하며 작업하고 있다.
7 Haegue Yang, Kira Kim, Kyungah Ham, and Suki Seokyeong Kang Participate in Group Exhibition Collecting for All at the Seoul Museum of Art

Installation view of Collecting for All, Seoul Museum of Art, Korea, 2020 ⓒ 2020 Seoul Museum of Art All rights reserved

Artists: Haegue Yang(양혜규), Kira Kim(김기라), Kyungah Ham(함경아), Suki Seokyeong Kang(강서경)
Exhibition Dates: Apr 16 – Jun 14, 2020 * Available for viewing from May 6, 2020. RSVP at www.yeyak.seoul.go.kr/reservation/view.web?rsvsvcid=S200421085040042177
Exhibition Venue: Seoul Museum of Art(서울시립미술관)
Website: www.sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?currentPage=1&glolangType=ENG...

The contemporary artists Haegue Yang, Kira Kim, Kyungah Ham, and Suki Seokyeong Kang are participating in the group exhibition Collecting for All, held at the Seoul Museum of Art through June 14, 2020. The exhibition, curated to provide a closer look into the museum’s collection of 5,173 works accumulated since 1985, presents 86 works from the collection, along with 45 works by artists from the collection.

Each of the six galleries located across the main branch of the museum addresses an independent theme. The Reference Room celebrates the accomplishments of female artists whose works frame varying artistic and historical discourses, one of which is Suki Seokyeong Kang’s installation Black Meanders (2011-2016) constructed of 18 different units. Displayed alongside Kang’s work is Haegue Yang’s installation Yes-I-Know-Screen (2011), which brings together doors used for Korean traditional housing in the form of folding screens. Floating Village_Song of Jaeryang Wi (2015), a collaborative video piece produced by Kira Kim and Hyungkyu Kim, is projected at the Collective Lab. Upon entering the Media Theater, visitors can engage with Le Tricheur, a painting by the 17th century French artist Georges de La Tour, followed by Kyungah Ham’s new media work, The Sharper and Fortune Teller (2009), which narrates the tale of a charlatan and a fortune teller. Other galleries of the exhibition include: the Green Library, featuring a collection of books on nature; the Performance Stage, showcasing performance art; and the Crystal Gallery, introducing an interactive light installation. 

강서경, 김기라, 양혜규, 함경아 서울시립미술관 그룹전 《모두의 소장품》 참가

현대미술가 강서경, 김기라, 양혜규, 함경아가 참여하는 그룹전 《모두의 소장품》이 2020년 6월 14일까지 서울시립미술관 서소문 본관에서 열린다. 우리 모두의 문화 자산인 소장품을 가까이서 보고 누릴 수 있도록 마련된 이번 그룹전은 서울시립미술관이 지난 1985년부터 수집한 총 5,173점의 소장 작품 중 86점과 소장 작가들의 작품 45점을 선보이는 대규모 전시로 꾸려진다. 

전시는 서소문 본관 전관에 걸쳐 총 여섯 개의 공간으로 나누어 진행된다. 다양한 예술, 역사를 참조하여 작업하는 여성 작가들의 소장품으로 구성된 ‘레퍼런스 룸’에서는 총 18점의 개별 단위들이 모인 강서경의 설치작 <검은 유랑>(2011-2016)과 한국 전통 가옥에서 쓰였던 문을 병풍 형태로 연결한 양혜규의 설치작 <그래-알아-병풍>(2011)이 전시된다. 김기라는 김형규 작가와 함께 작업한 비디오 작품 <떠다니는 마을_위재량의 노래>(2015)를 ‘콜렉티브 랩’에서 선보인다. ‘미디어 씨어터’에서는 17세기 프랑스 화가 조르주 드 라투르(Georges de La Tour)의 <사기꾼>과 <점쟁이>를 모티프로 한 함경아의 뉴미디어 작품 <사기꾼과 점쟁이>(2009)를 관람할 수 있다. 이 외에도 자연을 주제로 한 소장품과 다양한 주제의 책 컬렉션을 만날 수 있는 ‘그린 라이브러리’, 퍼포먼스 기반의 작품들로 꾸려진 ‘퍼포먼스 스테이지’, 빛을 활용한 환상적인 소장품으로 구성된 ‘크리스탈 갤러리’를 통해 우리 삶의 면면을 담은 다채로운 소장품들을 만날 수 있다. 

[Source from the Seoul Museum of Art press release]
8 Na Kim, Subject of Solo Exhibition Bottomless Bag at Buk-Seoul Museum of Art 

Installation view of Bottomless Bag, Buk-Seoul Museum of Art, Seoul Museum of Art, 2020. Photo: Unreal Studio ⓒ 2020 Seoul Museum of Art All rights reserved

Artist: Na Kim(김영나)
Exhibition Dates: Mar 26 – Sep 13, 2020 * Available for viewing from May 6, 2020. RSVP at www.yeyak.seoul.go.kr/reservation/view.web?rsvsvcid=S200504110149254014
Exhibition Venue: Children’s Gallery, Buk-Seoul Museum of Art(서울시립 북서울미술관 어린이갤러리)
Website: www.sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?exNo=497062&glolangType=ENG&searchDateType=CURR&museumCd=ORG08

The graphic designer Na Kim is the subject of a solo exhibition titled Bottomless Bag at the Seoul Museum of Art’s (hereafter SeMA) Buk-Seoul Museum of Art (hereafter Buk-SeMA) branch through September 13, 2020. This presentation marks the 14th edition of the children’s exhibition to take place at the museum. Widely recognized for her multifaceted practice that spans art and design, Kim reshapes her use of visual language to an unprecedented dimension by combining the formal elements of graphic design. Bottomless Bag owes its title to a little tool bag that used to be sold at stationary stores in front of elementary schools mainly during the 1980s to the 1990s. On view will be a selection of 11 works including murals, installations, and video which embody the moments and memories attached to objects from the past. 

The Children’s Gallery, in which the exhibition is held, is transformed into Kim’s very own “bottomless bag,” revealing the artist’s unique exploration into and relationship with her collection of archived objects. The idea of ‘collecting,’ which is the central theme for SeMA this year as well as a representation of Kim’s design methodology, suggests the importance of archived objects by reflecting upon the value and beauty of everyday life. The exhibition presents eight new works including the video installation RYB and G (2020) and print installation Self Portrait (2020), along with three earlier works including 2’13”, 4.6 Meters (2019), a set of three spiral staircases painted in primary colors, previously displayed at the Gwangju Design Biennale last September. Beck Jee-sook, Director of SeMA, has remarked: “By perceiving graphic design as a method for communication, the audience will be encouraged to cultivate a level of visual literacy which will allow them to interpret, critically assess, and create their own images upon encountering Kim’s unique design methodology and visual language through this exhibition.” 

김영나, 서울시립 북서울미술관에서 어린이 전시 《물체주머니》 개최

그래픽 디자이너 김영나의 개인전 《물체주머니》가 서울시립 북서울미술관에서 2020년 9월 13일까지 열린다. 북서울미술관이 14번째로 마련한 어린이 전시인 김영나의 개인전은 디자인과 미술을 넘나들며 전방위적으로 활동하는 작가가 고유의 디자인적 사고를 통해 시각 언어를 새롭게 재배치한 자리다. 전시 제목인 ‘물체주머니’는 1980-90년대 학교 앞 문방구에서 팔던 학습 도구 주머니 이름으로, 《물체주머니》는 추억의 사물들에 깃든 시간과 기억을 담은 벽화, 설치, 영상 등 총 11여 점의 작품을 선보인다. 

전시 공간은 디자이너의 ‘물체주머니’로 김영나가 수집과 아카이빙을 통해 발견한 사물의 의미를 작가만의 규칙으로 해석하고 관계를 만들어 나가는 방식을 펼쳐 보인다. 2020년 서울 시립미술관의 기관 의제인 동시에 김영나의 디자인 방법론인 ‘수집’은 수집을 통해 발견한 사물의 의미를 체험함으로써, 일상의 가치와 아름다움을 성찰하는 태도를 제안한다. 전시는 영상 설치작 <빨강, 노랑, 파랑 그리고 녹색>(2020), 평면 설치작 <자화상>(2020)을 포함한 신작 8점을 새롭게 선보이며, 지난 9월 광주비엔날레에서 선보인 삼원색의 나선형 계단형 작품 <2분 13초, 4.6 미터>(2019)도 함께 공개된다. 백지숙 서울시립미술 관장은 이번 전시를 통해 “디자인은 소통의 언어라는 관점에서 김영나의 디자인적 사고와 시각 언어를 통해 관람자들이 이미지를 해석하고 비판하고 창조하는 시각적 문해력(visual literacy)을 기를 수 있기를 기대한다”라고 밝혔다. 

[Source from the Buk-SeMA press release]
9 Byron Kim and Kyungah Ham Participate in Group Exhibition Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas held at the Centre for Heritage, Arts and Textile (CHAT), Hong Kong

Installation view of Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas, CHAT (Centre for Heritage, Arts and Textile), Hong Kong, 2020. Photo: Courtesy of CHAT

Artists: Byron Kim(바이런 킴), Kyungah Ham(함경아)
Exhibition Dates: Mar 21 – Jul 26, 2020 
Exhibition Venue: CHAT (Centre for Heritage, Arts and Textile), Hong Kong
Website: www.mill6chat.org/event/unconstrained-textiles-stitching-methods-crossing-ideas/

The contemporary artists Byron Kim and Kyungah Ham are currently participating in the group exhibition Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas, running through July 26, 2020 at the Centre for Heritage, Arts and Textile (hereafter CHAT), Hong Kong. CHAT, which opened its doors to the public last March, is a part of the heritage conservation project of The Mills, formerly a textile factory owned by the Nan Fung Group. Committed to curating programs that introduce the heritage and aesthetics of textile arts, CHAT’s current exhibition showcases seven artists who explore undiscovered potentials of textiles within contemporary art discourse, breaking free of the stereotype that textile belongs to the domains of female artists, crafts, and design. 

As part of the exhibition, Kyungah Ham presents a colorful array of embroidery paintings including her signature SMS series. The process of sending camouflaged messages across the border to North Korea, where the hand embroiderers interweave the message stitch by stitch into the form of an embroidery painting, followed by an unforeseeable period of waiting for the embroiderers’ response, encompasses the realities of a divided nation identified by censorship, smuggling, confidentiality, and tension. Meanwhile, Byron Kim’s paintings of bruised skin employ textile techniques such as dyeing the canvas to deliver the tenderness and sensitivity of human flesh. Kim’s work discusses the ways that people interact with society by depicting the skin as an easily damageable yet recoverable layer connecting the inner and outer dimensions of the human body. A virtual Curator Tour, led by CHAT’s director Takahashi Mizuki, is also provided online (youtube.com/watch?v=SdY5L28r0tM&feature=youtu.be) for public access. 

바이런 킴, 함경아 홍콩 CHAT 그룹전 《Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas》 참가

현대미술가 바이런 킴, 함경아가 홍콩 CHAT에서 열리는 그룹전 《Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas》(2020년 7월 26일까지)에 참여한다. 작년 3월 개관한 CHAT은 홍콩 섬유 산업을 주도해온 난펑 그룹(Nan Fung Group)의 섬유 공장을 개조하여 만든 예술 공간으로, 섬유 예술의 유산과 정신을 조명하는 전시와 다채로운 프로그램을 선보이고 있다. 7명의 작가가 참여하는 이번 그룹전은 오랫동안 여성, 공예, 디자인의 영역으로 분류되었던 섬유 예술의 새로운 가능성을 동시대 미술의 맥락에서 탐구한다.

함경아는 이번 전시에서 대표 연작 <SMS>를 비롯한 다수의 자수 회화 연작을 선보인다. 메시지가 숨겨진 도안을 북한으로 보내고, 익명의 북한 자수 노동자들이 한 땀 한 땀 자수로 새긴 결과물을 돌려받는 방식으로 제작되는 함경아의 자수 회화에는 검열, 밀수, 암호, 긴장감 등 보이지 않는 분단의 현실이 내재되어 있다. 바이런 킴은 캔버스를 피부로 전환시켜 외상을 표현한 <멍(Bruise)> 회화 연작을 소개한다. 작가는 섬세한 피부의 질감을 표현하기 위해 먼저 섬유 염색 기술로 캔버스 천을 염색하고, 그 위에 멍을 그려나간다. 작품은 내부와 외부의 경계이자, 쉽게 상처받는 동시에 놀라운 치유의 능력을 지닌 ‘피부’를 통해 우리가 세상과 관계 맺는 방식을 이야기한다. 한편 전시는 유튜브에 공개된 CHAT 디렉터 타카하시 미즈키(Takahashi Mizuki)의 ‘큐레이터 투어(Curator Tour)’를 통해서도 관람 가능하다. (youtube.com/watch?v=SdY5L28r0tM&feature=youtu.be)

[Source from the Centre for Heritage, Arts and Textile press release]
10 Ugo Rondinone Participates in Among The Trees, Group Exhibition at Hayward Gallery, London

Ugo Rondinone, Cold Moon, 2011. Courtesy of studio rondinone

Artist: Ugo Rondinone (우고 론디노네)
Exhibition Dates: Mar 4 – May 17, 2020 
Exhibition Venue: Hayward Gallery, London
Website: www.southbankcentre.co.uk/whats-on/exhibitions/hayward-gallery-art/among-the-trees

The internationally acclaimed contemporary artist Ugo Rondinone is currently participating in a group exhibition titled Among The Trees (on view through May 17, 2020) held at Hayward Gallery in London. The exhibition, which celebrates the 50th anniversary of Earth Day, includes works by a roster of 38 international contemporary artists including Eija-Liisa Ahtila, Peter Doig, and Robert Smithson. Artists involved in the exhibition collectively explore the beauty of trees along with the symbolic significance of these living organisms, ultimately capturing the multifaceted implication of trees in the context of humanity and civilization. 

Among the Trees features a wide range of works including immersive video installations, life-sized sculptures, paintings, and drawings. Widely recognized for his signature poetic exploration of nature appertaining to the passage of time and introspection of the inner self, Rondinone introduces Cold Moon (2011), an aluminum cast of an olive tree more than 2,000 years old. The twisted and gnarled form of the olive tree encompasses vast passages of time. The exhibition also presents an extensive selection of works based on the guiding subject of trees, such as the Cameroonian artist Pascale Marthine Tayou’s sculpture Plastic Tree B (2010) and Italian artist Giuseppe Penone’s sculpture Albero Porta – Cedro/Door Tree – Cedar (2012). Ralph Rugoff, Director of Hayward Gallery, has remarked: “At a moment when the destruction of the world’s forests is accelerating at a record pace, Among the Trees brings together the work of leading international artists who urge us to think about the essential roles that trees and forests play in our lives and psyches.” 

우고 론디노네, 런던 헤이워드 갤러리 그룹전 《Among The Trees》 참가

세계적인 현대미술가 우고 론디노네가 런던 헤이워드 갤러리에서 열리는 그룹전 《Among The Trees》(2020년 5월 17일까지)에 참가한다. 올해 50주년을 맞은 ‘지구의 날’을 기념하여 열리는 이번 그룹전은 우고 론디노네를 비롯해 에이야-리사 아틸라(Eija-Liisa Ahtila), 피터 도이그(Peter Doig), 로버트 스미스슨(Robert Smithson) 등 전세계 38명의 현대미술가들이 참여한다. 나무의 시각적인 아름다움과 살아있는 유기체로서의 의미를 동시에 조명하는 이번 전시는 인류의 삶과 문명에 없어서는 안될 존재인 나무의 의미를 다각적으로 탐구한다. 

본 전시는 비디오 작품, 실제 크기의 조각, 회화, 드로잉 사진을 아우르는 다양한 작품들로 구성된다. 특유의 시적 감각으로 자연이라는 소재를 시간의 흐름과 인간 내면의 관점에서 꾸준히 탐구해온 우고 론디노네는 이번 그룹전에서 2000년 이상 된 올리브 나무를 뜬 알루미늄 조각 <Cold Moon>(2011)을 선보인다. 수천 년에 걸쳐 압축된 올리브 나무의 형상을 통해 작가는 광활한 시간의 흐름을 담아낸다. 또한 전시는 카메룬 작가 파스칼 마르틴느 타유(Pascale Marthine Tayou)의 조각 <Plastic Tree B>(2010), 이탈리아 미술가 주세페 페노네(Giuseppe Penone)의 조각 <Albero Porta - Cedro/Door Tree – Cedar>(2012) 등 나무를 소재로 한 다채로운 작품들을 선보인다. 헤이워드 갤러리 관장 랄프 루고프(Ralph Rugoff)는 “그 어느 때보다 숲이 빠르게 파괴되고 있는 이 시점에, 이번 전시는 관객들이 우리의 삶과 내면에서 나무와 숲이 갖는 의미를 새롭게 바라보도록 한다”고 밝혔다. 

[Source from Hayward Gallery press release]
11 Donald Judd, Subject of a Major Retrospective at the Museum of Modern Art, New York

Installation view of Judd, The Museum of Modern Art, New York, March 1–July 11, 2020
Photo: Jonathan Muzikar © 2020 The Museum of Modern Art

Artist: Donald Jud (도날드 저드)
Exhibition Dates: Mar 1 - July 11, 2020
Exhibition Venue: MoMA (미국 뉴욕 현대미술관)
Website: www.moma.org/calendar/exhibitions/5076

Donald Judd, widely considered one of the most innovative artists of the 20th century, is the subject of a solo exhibition eponymously titled Judd at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York. During his lifetime, Judd revolutionized the language of modern sculpture by exploring the idea of ‘object-making’ and demonstrating a profound approach to form, structure, and material. The exhibition, which marks the first major retrospective for the artist to be held in the U.S. in three decades, highlights the full scope of Judd’s career by bringing together a comprehensive selection of 70 works including paintings, sculptures, drawings, objects, and furniture. 

The exhibition presents works from the 1960s to the 1990s in chronological order, including early drawings which were showcased in 1963 at the Green Gallery, New York, along with Judd’s signature series from the mid-1960s often referred to as ‘progressions’ and ‘stacks.’ The space will also feature site-specific installations created in the 1970s as well as the internationally renowned Untitled (1980-1990s) series, which captures Judd’s reserved artistic vocabulary. Meanwhile, visitors can browse through a range of Judd-designed furniture displayed at the “reading room” located by the entrance of the exhibition hall. This comprehensive survey of Judd’s life-long portfolio of works, which transformed art from the “abstract and ambiguous” to the “deliberate and specific,” runs through July 11, 2020. 

도날드 저드, 뉴욕 현대미술관에서 개인전 《Judd》 개최

20세기 미술의 거장 도날드 저드의 개인전 《Judd》가 뉴욕 현대미술관에서 열린다. 물체의 구조적 속성과 물질성에 주목하여 그 자체로 존재하는 ‘오브제’를 탐구해온 저드는 전통적인 미술사의 흐름을 바꾸는 전례 없는 예술 세계를 구축해왔다. 미국에서 30년 만에 열리는 대규모 회고전인 이번 전시는 회화, 조각, 드로잉, 오브제, 가구 작업에 이르기까지 저드의 작품 세계를 총망라하는 70여 점의 작품들을 공개한다.

이번 개인전은 1960년대부터 1990년대까지의 작품들을 연대기 순으로 선보인다. 1963년 뉴욕 그린 갤러리(Green Gallery)에 소개되었던 초기 드로잉 작품을 시작으로 1960년대 중반에 제작된 저드의 대표작 <연속(progressions)>, <쌓기(stacks)> 시리즈가 공개된다. 1970년대 장소 특정적 설치작품을 비롯하여 작가의 정제된 예술 세계가 고스란히 담긴 1980-90년대 대표작 <무제(Untitled)> 시리즈도 함께 선보인다. 한편 저드는 정통 예술의 경계를 넘어 디자인과 건축 영역에서도 활발한 활동을 펼쳤는데, 전시장 입구에 설치된 ‘reading room’에서는 저드가 디자인한 가구들이 전시된다. ‘추상적이고 모호한’ 예술을 ‘의도적이고 명료한’ 세계로 전환시킨 저드의 작품들을 만날 수 있는 이번 전시는 오는 7월 11일까지 계속된다. 

[Source from MoMA press release]
12 Park Chan-kyong Participates in Rewriting the poetry, Group Exhibition at the Gyeongnam Provincial Museum of Art

Park Chan-kyong, Citizen's Forest, 2016, video (b&w), ambisonic 3D sound, 26 min 32 sec, 3 channel video 
Courtesy of Art Sonje Center and Kukje Gallery Acknowledgement to Taipei Biennial 2016

Artist: Park Chan-kyong (박찬경)
Exhibition Dates: Feb 20 - May 17, 2020
Exhibition Venue: Gyeongnam Art Museum (청주 경남도립미술관)
Website: www.gyeongnam.go.kr/user/exhibit/exhibitViewNow.do?menuCd=DOM_000009202001001000&pageIndex=1&exhibitKey=1465

The contemporary artist Park Chan-kyong is currently participating in Rewriting the poetry, an exhibition marking the 60th anniversary of the 3•15 Movement at the Gyeongnam Provincial Museum of Art. The exhibition includes a roster of seven leading Korean contemporary artists who explore the undiscovered motives and subjects hidden behind the vast context of historical discourse. Known for his works which critically reflect upon the multilateral implications of modern Korean history by traversing reality and fiction, Park presents Citizen’s Forest (2016) as part of the exhibition.   

Inspired by Kim Soo-young’s poem Colossal Roots (1964) and Oh Yoon’s unfinished painting The Lemures (1984), Citizen’s Forest is a three-channel video presented in the form of a traditional ‘shan-su (landscape)’ scroll painting. The groups of people marching through the forest represent the countless, nameless lives lost in the tragic episodes of Korea’s modernization including the Donghak Peasant Revolution (1894), the Korean War (1950-1953), the Gwangju Uprising (1980), and the recent Sewol Ferry Disaster (2014). Park recalls these victims of the past to the present, creating a site to solemnly mourn these wandering spirits and provide consolation. The exhibition is spread across three galleries and also features Choi Suhwan’s visualization of circulating history titled doppelganger (2018) and Kang Taehun’s portrayal of the darker sides of social structure titled Dead-end#2 (2019). The exhibition, which introduces visitors to a novel outlook on the world by showcasing works that provide a multifaceted perspective on history, runs through May 17, 2020.

박찬경, 경남도립미술관 그룹전 《새로운 시(詩)의 시대》 참가

현대미술가 박찬경은 경남도립미술관에서 열리는 3.15 의거 60주년 기념전 《새로운 시(詩)의 시대》에 참가한다. 박찬경을 비롯해 7인의 한국 현대미술가들이 참가하는 이번 전시는 정형화된 거대 담론의 역사 이면에 있는 미시적인 실체와 동기, 그리고 일상적 삶에 주목한다. 실재와 허구를 오가며 한국 근현대사의 다변적 의미를 탐구하고 비판적으로 성찰해온 박찬경은 이번 전시에서 <시민의 숲>(2016)을 선보인다. 

시인 김수영(1921-1968)의 <거대한 뿌리>(1964)와 화가 오윤(1946-1986)의 미완성작 <원귀도>(1984)에서 영감 받아 제작된 <시민의 숲>은 한 폭의 산수화처럼 펼쳐진 3채널 비디오 작품이다. 작품 속 산을 둘러싸고 행군하는 인물들은 1894년 동학농민운동, 1950~53년 한국전쟁, 1980년 5·18 민주화 운동, 2014년 세월호 참사 등 역사 속 비극적 사건들의 희생자들이다. 작가는 역사 속 이름 없던 존재들을 현재로 불러내 잠들지 못한 원혼을 위로한다. 총 3개의 전시실에 걸쳐 진행되는 이번 전시는 순환되는 역사를 움직임으로 시각화한 최수환의 <도플갱어>(2018), 사회 구조의 이면을 다룬 강태훈의 <막다른 길#2>(2019) 등을 함께 선보인다. 다원적인 시각으로 역사를 응시하는 작품들을 통해 우리가 미처 보거나 생각하지 못했던 세계를 만날 수 있는 이번 전시는 오는 5월 17일까지 진행된다. 

[Source from Gyeongnam Provincial Museum of Art press release]
13 Bill Viola, Subject of Solo Exhibition The Raft at the Crocker Art Museum in California

Bill Viola, The Raft, 2004, video/sound installation. Photo: Kira Perov. Courtesy of Bill Viola Studio

Artist: Bill Viola (빌 비올라)
Exhibition Dates: Feb 16 – May 10, 2020
Exhibition Venue: Crocker Art Museum (미국 캘리포니아 새크라멘토 크로커 미술관)
Website: www.crockerart.org/exhibitions/bill-viola

The pioneering contemporary video artist Bill Viola is the subject of a solo exhibition titled The Raft at the Crocker Art Museum in Sacramento, California. Viola is widely known to address fundamental and existential themes by portraying the sublime in universal human experiences including birth, life, and death through video. The exhibition is the first in the U.S. to introduce The Raft, created by Viola as a commission for the 2004 Olympic games in Athens. 

The Raft features a large-scale video projection with the dimensions of 396.2cm x 223cm, suggesting a direct reference to the French artist Théodore Géricault’s painting The Raft of the Medusa (1819), which depicts survivors of a shipwreck on a makeshift raft. The Raft presents a group of ordinary people from all races overtaken by a sudden rush of water, huddling together for stability and helping those who have fallen once the deluge subsides. The artist captures these moments by utilizing his signature slow-motion technique, magnifying the victims’ range of emotional responses to the crisis. The exhibition, which offers the viewer a meditative and reflective experience by displaying the work within a darkened room, runs through May 10, 2020.

빌 비올라(Bill Viola), 캘리포니아 크로커 미술관에서 개인전 《The Raft》 개최

비디오아트의 선구자 빌 비올라(Bill Viola)의 개인전 《The Raft》가 미국 캘리포니아 새크라멘토 크로커 미술관(Crocker Art Museum)에서 열린다. 빌 비올라는 탄생, 삶, 죽음 등 인간 보편의 경험을 ‘비디오’라는 매체를 통해 숭고하게 표현함으로써 근원적이고 존재론적인 주제를 탐구해왔다. 특별히 이번 개인전에서는 2004년 아테네 올림픽 커미션 작품 <The Raft>(2004)를 미국에서 처음으로 선보인다. 

프랑스 화가 테오도르 제리코(Théodore Géricault)의 실제 선박 침몰사고를 그린 작품 <The Raft of the Medusa>(1819)를 모티브로 한 <The Raft>는 396.2cm x 223 cm 크기의 대형 비디오 작업이다. 작품 속 다양한 인종들의 군상 위로 갑자기 재난과 같은 폭우가 쏟아지고, 사람들은 끌어안아 서로를 지탱하는가 하면, 넘어진 사람들을 도와 일으켜 세운다. 작가는 특유의 ‘슬로모션’ 기법을 사용하여 재난을 마주한 사람들의 견고하고 섬세한 감정 변화를 더욱 선연하게 드러낸다. 어두운 방 안에 펼쳐진 화면을 통해 명상적, 성찰적인 사유의 경험을 선사하는 이번 전시는 오는 5월 10일까지 계속된다. 

[Source from the Crocker Art Museum press release]
14 Paul McCarthy, Subject of Solo Exhibition Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019 at the Hammer Museum, LA

Paul McCarthy, Cooking Show, 2001, charcoal, graphite, and oil stick on paper, 248.9 × 181 cm. Private Collection.

Artist: Paul McCarthy (폴 매카시)
Exhibition Dates: Feb 02 - May 10, 2020
Exhibition Venue: Hammer Museum (LA 해머 미술관)
Website: www.hammer.ucla.edu/exhibitions/2020/paul-mccarthy-head-space-1963-2019

The internationally acclaimed contemporary artist Paul McCarthy is the subject of a solo exhibition titled Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963-2019 at the Hammer Museum in Los Angeles through May 10, 2020. Celebrated for his works that encompass a wide spectrum of genres including performance, video, installation, sculpture, photography, and drawing, McCarthy explores ideas of omnipresent capitalist culture along with the cynical aspects of crowd psychology. This comprehensive survey endeavors to show the artist’s drawings from the last five decades of his practice, which were vital in establishing McCarthy’s artistic vocabulary. 

In this exhibition, McCarthy introduces a large body of work spanning over 600 drawings which employ a range of materials such as charcoal and graphite to more unorthodox ones including ketchup and peanut butter. Since the 1970s, the artist’s drawings which originated as part of the working process have transformed into an integral part of his sculptures, installations, and performances. McCarthy’s artistic vocabulary, mainly represented by his drawings, bestows new principles into the existing structure of nature and society through methods of duplication, magnification, reduction, distortion, and conjunction. On view at the exhibition are works such as Dopwhite, WS (2009), part of a series inspired by the Walt Disney animation ‘Snow White and the Seven Dwarfs’ (1937), the video performance CSSC Coach Stage Stage Coach (2017), and drawings from the artist’s ongoing project, NV Night Vater (2019-). Meanwhile, DelMonico Books will be publishing a catalogue on the exhibition, consisting of over 400 drawings and an artist interview. 

폴 맥카시(Paul McCarthy), LA 해머 미술관 개인전 《Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019》 개최

세계적인 현대미술가 폴 맥카시(Paul McCarthy)의 개인전 《Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019》이 LA 해머 미술관에서 2020년 5월 10일까지 열린다. 폴 맥카시는 퍼포먼스부터 비디오, 설치, 조각, 사진, 드로잉에 이르기까지 다양한 장르를 넘나들며, 우리가 무의식적으로 받아들이는 자본주의 문화와 대중심리의 어두운 심연에 주목한 작업을 전개해왔다. 특별히 이번 개인전에서는 그의 예술 세계의 근간을 이루는 지난 50년 간의 드로잉 작품들을 집중 조명한다. 

이번 전시는 석탄, 흑연 등 일반적 재료부터 비전통적 재료인 케첩, 땅콩버터 등으로 그린 600여 점의 방대한 드로잉 작품들로 구성된다. 작품 설계를 위한 발상의 수단으로 시작된 그의 드로잉은 1970년대부터 조각, 설치, 퍼포먼스 작품의 일부가 되었다. 복제, 확대/축소, 왜곡, 결합 등의 방식으로 본래의 자연 및 세상의 체계에 새로운 질서를 부여하는 작가의 독자적 세계는 드로잉 작품에도 여실히 드러난다. 이번 전시에는 월트 디즈니 애니메이션 ‘백설공주와 일곱 난쟁이’(1937)를 주제로 한 연작의 바탕이 된 <Dopwhite, WS>(2009)와 비디오 퍼포먼스 <CSSC Coach Stage Stage Coach>(2017), 그리고 <NV Night Vater>(2019–)에 활용된 드로잉 작품들이 함께 공개된다. 한편 전시를 기념하여 폴 맥카시의 드로잉 작품 400여 점과 함께 작가 인터뷰가 수록된 도록(델모니코 북스 출판)이 발간된다. 

[Source from Hammer Museum press release]

15 Roni Horn, Subject of an Eponymous Solo Exhibition at UMass

Roni Horn, Pi, 1997-98 (detail), forty-five Iris-printed photographs on Sommerset satin paper, framed. Courtesy of the artist and Hauser & Wirth 

Artist: Roni Horn (로니 혼)
Exhibition Dates: Jan 31 – Apr 26, 2020
Exhibition Venue: UMass (미국 메사추세츠 앰허스트 주립대학교 현대미술관) 
Website: www.fac.umass.edu/UMCA/Online/default.asp?BOparam::WScontent::loadArticle::permalink=RoniHorn

The internationally celebrated contemporary artist Roni Horn is the subject of a solo exhibition eponymously titled Roni Horn at the University Museum of Contemporary Art, housed in the University of Massachusetts Amherst. Widely recognized for her diverse artistic practice which encompasses photography, sculpture, and drawing, Horn consistently explores the perceptual and visual experiences of mankind within nature. The exhibition focuses on the artist’s photographic series Pi (1997-1998) which was shot in Iceland, a landscape that creates the bedrock of and background behind Horn’s artistic practice.

The title of the series, Pi, which is defined as the ratio of the circumference of a circle to its diameter, refers to the collection of cyclical events that occur in the nature and everyday life along the Arctic Circle. An assemblage of 45 large-scale photographs brings together a view of the Arctic witnessed from the windows of an elderly couple’s home, a portrait of the couple, and images of the down harvested from the feather nests of their Eider ducks. Meanwhile, the juxtaposition of stills from the daily American soap opera, Guiding Light (1952-2009), watched by many in the afternoon, against the routine life cycles of animals in Iceland, illustrate the collision of nature and culture. Horn also explores her diverse interests in the relationship between landscape, human identity, and object by capturing the continuous motion inherent in water, light, and weather. The exhibition, which offers an immersive experience of being surrounded by Icelandic scenery and people through a frieze-shaped circular installation of photographs, runs through April 26, 2020. 

로니 혼(Roni Horn), 미국 메사추세츠 엠허스트 주립대학교 현대미술관에서 개인전 《Roni Horn》 개최

세계적인 현대미술가 로니 혼(Roni Horn)의 개인전 《Roni Horn》이 미국 메사추세츠 엠허스트 주립대학교 현대미술관에서 열린다. 사진, 조각, 드로잉 등 다양한 매체를 아울러 작업을 전개해온 로니 혼은 특히 변화하는 자연환경 속 인간의 지각과 시각적 경험에 대해 지속적으로 탐구해왔다. 특별히 이번 개인전에서는 그의 예술 세계의 원천이자 주요 배경인 아이슬란드에서 촬영한 사진 연작 <Pi>(1997-1998)를 선보인다. 

‘원주율(π)’이라는 의미를 가진 작품명 ‘Pi’는 북극권 자연과 일상의 순환적 주기를 시사한다. 북아이슬란드에서 촬영한 45장의 대규모 사진 연작 <Pi>는 어느 노부부의 집에서 창문을 통해 바라본 북극의 풍경, 노부부의 사진, 그리고 노부부가 둥지에서 주운 오리 솜털 등으로 구성된다. 또 많은 아이슬란드인들이 매일 오후 시청했던 미국 드라마 ‘Guiding Light(1952-2009)’와 북극에 서식하는 동물 사진의 병치 작업은 일상과 자연이 순환하는 북극의 모습을 보여준다. 작가는 물, 빛, 날씨에 내재하는 연속적인 흐름을 포착함으로써 장소와 인간, 사물 간의 관계에 대한 폭넓은 관심사를 구체화한다. 긴 띠처럼 설치되어 있는 사진들을 통해 아이슬란드의 풍경과 인물에 둘러싸이는 듯한 경험을 선사하는 이번 전시는 오는 4월 26일까지 진행된다. 

[Source from the UMass Amherst, University Museum of Contemporary Art website]