KUKJE GALLERY
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1 폴 맥카시(Paul McCarthy), LA 해머 미술관 개인전 《Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019》 개최

Paul McCarthy, Cooking Show, 2001, charcoal, graphite, and oil stick on paper, 248.9 × 181 cm. Private Collection.

전시작가: 폴 맥카시(Paul McCarthy)
전시기간: 2020년 2월 2일(일) – 2020년 5월 10일(일)
전시기관: LA 해머 미술관(Hammer Museum)
웹사이트: https://hammer.ucla.edu/exhibitions/2020/paul-mccarthy-head-space-1963-2019

세계적인 현대미술가 폴 맥카시(Paul McCarthy)의 개인전 《Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019》이 LA 해머 미술관에서 2020년 5월 10일까지 열린다. 폴 맥카시는 퍼포먼스부터 비디오, 설치, 조각, 사진, 드로잉에 이르기까지 다양한 장르를 넘나들며, 우리가 무의식적으로 받아들이는 자본주의 문화와 대중심리의 어두운 심연에 주목한 작업을 전개해왔다. 특별히 이번 개인전에서는 그의 예술 세계의 근간을 이루는 지난 50년 간의 드로잉 작품들을 집중 조명한다. 

이번 전시는 석탄, 흑연 등 일반적 재료부터 비전통적 재료인 케첩, 땅콩버터 등으로 그린 600여 점의 방대한 드로잉 작품들로 구성된다. 작품 설계를 위한 발상의 수단으로 시작된 그의 드로잉은 1970년대부터 조각, 설치, 퍼포먼스 작품의 일부가 되었다. 복제, 확대/축소, 왜곡, 결합 등의 방식으로 본래의 자연 및 세상의 체계에 새로운 질서를 부여하는 작가의 독자적 세계는 드로잉 작품에도 여실히 드러난다. 이번 전시에는 월트 디즈니 애니메이션 ‘백설공주와 일곱 난쟁이’(1937)를 주제로 한 연작의 바탕이 된 <Dopwhite, WS>(2009)와 비디오 퍼포먼스 <CSSC Coach Stage Stage Coach>(2017), 그리고 <NV Night Vater>(2019–)에 활용된 드로잉 작품들이 함께 공개된다. 한편 전시를 기념하여 폴 맥카시의 드로잉 작품 400여 점과 함께 작가 인터뷰가 수록된 도록(델모니코 북스 출판)이 발간된다. 

The internationally acclaimed contemporary artist Paul McCarthy is the subject of a solo exhibition titled Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963-2019 at the Hammer Museum in Los Angeles through May 10, 2020. Celebrated for his works that encompass a wide spectrum of genres including performance, video, installation, sculpture, photography, and drawing, McCarthy explores ideas of omnipresent capitalist culture along with the cynical aspects of crowd psychology. This comprehensive survey endeavors to show the artist’s drawings from the last five decades of his practice, which were vital in establishing McCarthy’s artistic vocabulary. 

In this exhibition, McCarthy introduces a large body of work spanning over 600 drawings which employ a range of materials such as charcoal and graphite to more unorthodox ones including ketchup and peanut butter. Since the 1970s, the artist’s drawings which originated as part of the working process have transformed into an integral part of his sculptures, installations, and performances. McCarthy’s artistic vocabulary, mainly represented by his drawings, bestows new principles into the existing structure of nature and society through methods of duplication, magnification, reduction, distortion, and conjunction. On view at the exhibition are works such as Dopwhite, WS (2009), part of a series inspired by the Walt Disney animation ‘Snow White and the Seven Dwarfs’ (1937), the video performance CSSC Coach Stage Stage Coach (2017), and drawings from the artist’s ongoing project, NV Night Vater (2019-). Meanwhile, DelMonico Books will be publishing a catalogue on the exhibition, consisting of over 400 drawings and an artist interview. 

[Source from Hammer Museum press release]
 
 
2 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset), 제29회 B.Z. Culture Prize 수상

The winners of the B.Z. Culture Prize 2020 Volker Kutscher, Dana Salenko and Marian Walter, Peaches, David Garrett, Michael Elmgreen and Ingar Dragset, as well as Christian Petzold with B.Z. Editor-in-Chief Miriam Krekel, Axel Springer CEO Mathias Döpfner, Friede Springer, B.Z. Cultural Director Michael Zöllner and Theater Director Oliver Reese. Missing August Diehl, c/o Charles Yunck


수상작가: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
수상기관: 베를리너 차이퉁(Berliner Zeitung)
웹사이트: https://www.axelspringer.com/de/presseinformationen/respekt-verbindet-b-z-kulturpreis-zum-29-mal-verliehen

아티스트 듀오 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)이 제29회 B.Z. Culture Award의 Bronze Bear 수상자로 선정되었다. 독일 언론사 베를리너 차이퉁(Berliner Zeitung)이 주관하는 이 상은 매년 미술, 음악, 퍼포먼스, 영화, 도서 등 다양한 분야에서 활동하며 세상에 예술적 영감을 선사한 인물들에게 수여된다. 1992년을 시작으로 볼프강 틸만스(Wolfgang Tillmans), 제프 쿤스(Jeff Koons), 칼 라거펠트(Karl Lagerfeld) 등 문화예술계 인사들이 이 상을 수상한 바 있다. 올해는 엘름그린 & 드라그셋을 비롯해 영화배우 오거스트 딜(August Diehl), 영화감독 크리스티안 펫졸드(Christian Petzold), 바이올리니스트 데이비드 가렛(David Garrett) 등 8인(팀)이 함께 수상자로 선정되었다.

엘름그린 & 드라그셋은 일상에 만연한 사회적 클리셰와 문화 구조에 질문을 제기하고, 이를 특유의 위트와 비판정신으로 재해석하는 작업을 전개해왔다. 베를리너 차이퉁의 수석 에디터 미리암 크레켈(Miriam Krekel)는 “베를린을 넘어 전세계에 영향을 미치는 예술인들에게 이 상을 수상하게 되어 영광이다. 그들은 다르게 생각하고, 다르게 행동한다. 우리 수상자들은 항상 의문을 제기하고 기꺼이 답을 찾고자 한다.”라고 선정 이유를 밝혔다. 지난 1월 28일 베를리너 페스트슈필레(Haus der Berliner Festspiele)에서는 시상식과 함께 이번 상의 의미를 공유하고 축하하는 갈라쇼가 열렸다.

The artist duo Elmgreen & Dragset has been announced as the recipient of the bronze B.Z. Bear Award at the 29th B.Z. Culture Prize (hereafter the Prize). The Prize, brought together annually by Berlin’s largest media outlet Berliner Zeitung (hereafter B.Z.), honors people across a diverse range of fields including art, music, performance, film, and literature, whose works have made an artistic impact on society. Since 1992, luminaries of the arts and culture sector such as Wolfgang Tillmans, Jeff Koons, and Karl Lagerfeld have been amongst the winners. This year, the Prize was awarded to a roster of eight individuals and teams including Elmgreen & Dragset, actor August Diehl, film director and screenwriter Christian Petzold, and violinist David Garrett.

Elmgreen & Dragset raise attention to the social clichés and cultural structures pervasive in everyday life, introducing works which reinvent these ideas with their signature humor and poignant sarcasm. In regards to the Prize, Miriam Krekel, the editor-in-chief of B.Z., remarked, “Today we have the honor of honoring people whose artistic work has [made] an impact on our society far beyond the borders of Berlin… And because they dare to be different, to think differently – and to act differently. Our award winners have the courage to question things.” On January 28, 2020, a gala show was held at the Haus der Berliner Festspiele, where guests from culture, politics, and the media honored and celebrated the recipients of the Prize.

[Source from B.Z. Culture Prize press release]


 
 
3 강서경, LA 코먼웰스 앤 카운실 갤러리에서 개인전 《face》 개최

Installation view of face, Commonwealth and Council, LA, USA, 2020

전시작가: 강서경(Suki Seokyeong Kang)
전시기간: 2020년 1월 25일(토) – 2020년 3월 7일(토)
전시기관: 로스앤젤레스 코먼웰스 앤 카운실(Commonwealth and Council)
웹사이트: http://commonwealthandcouncil.com/exhibitions/face

전세계 미술계의 주목을 받고 있는 강서경 작가의 개인전 《face》가 로스앤젤레스 코먼웰스 앤 카운실(Commonwealth and Council) 갤러리에서 2020년 3월 7일까지 열린다. 회화, 설치, 영상 등을 조화시킨 작업으로 잘 알려진 강서경은 전통의 개념과 개인사에서 추출한 서사적 주제를 바탕으로 독창적인 작업 세계를 전개해 왔다. 갤러리가 제시한 ‘A face in the mirror’라는 문구가 시사하듯 작가는 이번 전시에서도 동시대 미술적 요소를 통해 전통과 역사를 비춰낸 고유한 작품세계를 선보인다. 

이번 전시는 회화, 설치, 퍼포먼스, 영상 등 다양한 매체를 아우르는 다층 설치 작업으로 구성되어 있다. 먼저 작가는 전통 악보인 ‘정간보’에서 착안한 <자리(Mat)> 연작을 통해 전통을 재해석한 작품들을 선보인다. 약 2m 길이의 화문석 위 제한된 공간에서만 행해지는 1인 궁중무용 ‘춘앵무’를 현대적으로 번안한 이 연작은 주어진 공간 안에서 균형을 찾아가며 살고 있는 개인의 가능성을 함의한다. 또한 함께 설치된 <둥근 계단들(Circled Stair)> 연작은 작가 본인의 할머니에 대한 기억을 주제로 한 작품으로 철, 실 등의 재료를 통해 위태롭지만 아름다웠던 할머니의 신체 및 존재감을 형상화한다. 이외에 조각 <Tender Meander #19-07>(2018-2019), 영상 <face Video Sculpture>(2018-2019) 등 다채로운 작품들이 현재 강서경 작가의 작업세계를 구성하는 언어 및 화두를 펼쳐 보인다. 한편 작가는 제2회 프리즈 로스앤젤레스 페어 첫 날인 2월 14일, 전시장에서 아티스트 토크 및 퍼포먼스를 선보일 예정이다. 

The internationally acclaimed contemporary artist Suki Seokyeong Kang is the subject of a solo exhibition titled face at Commonwealth and Council in Los Angeles through March 7, 2020. Highly regarded for her works that encompass and merge painting, installation, and video, Kang has been constructing a unique practice founded on ideas of Korean tradition and narrative themes extracted from her personal history. As inferred from the expression “[a] face in the mirror” that delineates the title of the exhibition, Kang presents a body of work reflecting tradition and history through methods of contemporary art. 

Kang introduces a multipart installation brought together by paintings, installation, performance, and video for the exhibition. On view are works from the artist’s signature Mat series, a body of work inspired by the traditional musical notation system jeongganbo, which reinterprets and reframes Korean tradition. The Mat series provides a contemporary visual translation of chunaengmu (春鶯舞), a solo court dance developed in the Joseon Dynasty (the last dynasty of pre-modern Korea, from 1392 to 1897) typically performed on a 2-meter wide, woven reed mat called hwamunseok. Such works portray how individuals occupy space and time as they come together to interact in society while maintaining their position within. The Circled Stair series, conceived in memory of Kang’s grandmother, visualizes her late grandmother’s precarious yet beautiful body and presence by employing materials such as steel and thread. A selection of works also on view, including Tender Meander #19-07 (2018-2019) and face Video Sculpture (2018-2019), delivers a comprehensive understanding of the artist’s unique artistic vocabularies and the ideas that constitute them. As part of the exhibition program, Kang will be presenting an artist talk and performance at the gallery on February 14, 2020, coinciding with the opening of the 2nd edition of Frieze Los Angeles. 

[Source from Commonwealth and Council website]
 
 
4 박서보, 뉴욕 구겐하임 미술관 그룹전 《Marking Time: Process in Minimal Abstraction》 참가

Park Seo-Bo, Ecriture No. 55-73, 1973, graphite and oil on canvas, 195.3 x 290.7 x 3.8 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Gift, the Samsung Foundation of Culture, 2015.50

전시작가: 박서보(Park Seo-Bo)
전시기간: 2019년 12월 18일(수) – 2020년 8월 2일(일)
전시기관: 뉴욕 구겐하임 미술관
웹사이트: https://www.guggenheim.org/exhibition/marking-time-process-in-minimal-abstraction

지난 12월 제64회 대한민국예술원상 미술 부문 수상자로 선정되는 등 국내외로 활발한 활동을 이어가고 있는 박서보가 뉴욕 구겐하임 미술관에서 열리는 그룹전 《Marking Time: Process in Minimal Abstraction》(2020년 8월 2일까지)에 참가한다. 박서보를 비롯해 아그네스 마틴(Agnes Martin), 로만 오팔카(Roman Opałka) 등 세계적인 추상 화가들의 작품들로 구성된 이번 전시는 추상에 이르는 다양한 방식들을 탐구한다. 제목이 시사하듯 작가가 작품을 완성하기까지의 시간과 노고, 반복적인 수행의 과정에 주목한 이번 전시는 관객들로 하여금 각 작품의 탄생뿐 아니라 그 이면까지 상상해보도록 한다.

박서보는 어린 아들의 행동에서 착안한 연필묘법 연작인 <묘법(描法) No. 55-73>(1973)을 선보인다. 캔버스에 유백색의 밑칠을 하고 채 마르기 전에 연필로 선긋기를 반복하는 연필묘법은 무언가를 새롭게 그려내는 것이 아닌 비워내는 작업이다. 수없이 반복되는 선 긋기는 물성과 정신성, 작가의 행위가 합일을 이루는 과정으로 곧 ‘비움’과 ‘수신’의 도구가 된다. 이번 전시에서는 폴란드 개념 미술가 로만 오팔카의 <1965/1–∞> 연작, 명상적인 추상 작업을 선보이는 인도 예술가 자리나(Zarina)의 <무제>(1977) 등이 함께 선보인다. 한편 박서보는 오는 3월 국제갤러리 K1에서 개인전을 앞두고 있다.

The internationally acclaimed painter Park Seo-Bo, who was announced as the recipient of the 64th National Academy of Arts of the Republic of Korea Award last December, is currently participating in a group exhibition titled Marking Time: Process in Minimal Abstraction (on view through August 2, 2020) at the Solomon. R. Guggenheim Museum in New York, USA. Featuring a roster of world-renowned abstract painters including Park Seo-Bo, Agnes Martin, and Roman Opałka, this exhibition explores how artists operating in a variety of contexts foregrounded process as they forged new approaches to abstraction. As can be inferred from the title, this exhibition invites viewers to imaginatively reenact aspects of the creative process, allowing for an intimate understanding of the duration, intensity, and rhythm that each works required. 

For this exhibition, Park Seo-Bo introduces Ecriture No. 55-73 from his “pencil  écriture” series which was inspired by his young son’s unschooled handwriting. Applying countless pencil lines on a canvas painted in white, such repetitive action does not imply the process of drawing something new but emptying oneself. The action of drawing countless lines with pencil incorporates materiality, spirituality, and the process of drawing as a tool for self-cultivation and emptying. The exhibition also includes work from the Polish conceptual artist Roman Opałka’s 1965/1–∞ series and the Indian abstract artist Zarina’s Untitled (1977), which frames abstract painting with the foundations of meditation. Park will also open a solo exhibition in Kukje Gallery’s newly renovated K1 space this coming March. 

[Source from the Solomon. R. Guggenheim Museum press release]
 
 
5 바이런 킴(Byron Kim), 2019년 로버트 드 니로 시니어상 수상

Artist portrait of Byron Kim. Photo: Keith Park

수상작가: 바이런 킴(Byron Kim)
수상기관: 트라이베카영화협회(Tribeca Film Institute)
웹사이트: https://meganfoxkellyartadvisory.cmail19.com/t/ViewEmail/t/CCE8E383A3E825802540EF23F30FEDED/7668B21E5122B99E4BD7C9066BE4161D

현대미술가 바이런 킴이 2019년 로버트 드 니로 시니어상(Robert De Niro Sr. Prize) 수상자로 선정되었다. 이 상은 세계적인 화가 로버트 드 니로 시니어를 기리기 위해 그의 아들인 배우 로버트 드 니로가 2011년 처음 제정한 상으로, 매년 회화 분야에 공헌한 미국 중견 작가 한 명을 선정하여 상금 2만 5천달러를 수여한다. 바이런 킴은 스탠리 휘트니(Stanley Whitney), 조이스 펜사토(Joyce Pensato), 캐서린 머피(Catherine Murphy), 로버트 보르도(Robert Bordo), 로라 오웬스(Laura Owens), R.H. 쿠에이트만(R.H. Quaytman), 헨리 테일러(Henry Taylor)에 이은 8번째 수상 작가다.

일상적인 소재와 풍경을 구상과 추상을 넘나드는 특유의 조형언어로 표현해온 바이런 킴은 2001년부터 현재까지 매주 일요일 그날의 하늘을 동일한 크기의 소형 캔버스(35.5 x 35.5 cm)에 그린 연작으로 잘 알려져 있다. 작가는 일상적인 소재를 통해 본질적이고 큰 그림의 ‘삶’을 그려내는 고유한 회화 세계를 구축해왔다. 심사위원인 아트 인 아메리카 에디터 윌리엄 스미스(William S. Smith)는 “바이런 킴은 미니멀한 시각적 어휘가 어떻게 보다 큰 주제를 표현할 수 있는지 보여주는 작가다. 그의 작품은 색, 표면, 그리고 빛의 미묘함에 주의를 기울이는 동시에 개인적 성찰에서 사회적 관여에 이르기까지 넓은 영역의 주제를 포괄한다.”며 선정 이유를 밝혔다. 한편 바이런 킴은 현재 미국 클리브랜드 현대미술관에서 개인전 《Byron Kim: The Sunday Paintings》(2020년 1월 5일까지)를 진행 중이다.

The contemporary artist Byron Kim is the 2019 recipient of the esteemed Robert De Niro, Sr. Prize. Established in 2011 by Robert De Niro, Jr. in honor of his late father, the accomplished painter Robert De Niro, Sr., the prize recognizes a mid-career American artist for their significant and innovative contributions to the field of painting with a $25,000 merit-based prize. Byron Kim is the eighth artist to have received this prize following the Stanley Whitney (2011), Joyce Pensato (2012), Catherine Murphy (2013), Robert Bordo (2014), Laura Owens (2015), R.H. Quaytman (2016), and Henry Taylor (2018).

Byron Kim’s work captures the everyday subject and scenery while balancing formal ingenuity with conceptual sophistication. Kim is widely known for his Sunday Paintings, to which the artist has been committing himself to a single painting of the sky every Sunday on a uniform 35.5 x 35.5 cm canvas since 2001. Byron Kim has been exploring intrinsic spirituality through the mundane and profound details of the everyday. William S. Smith, part of the Robert De Niro Sr. Prize selection committee and Editor of Art in America, remarked, “Byron Kim demonstrates how a minimalist visual vocabulary can be maximally affecting. His paintings reflect his careful attention to the subtleties of color, surface, and light while simultaneously demonstrating the medium’s ability to facilitate everything from broad social engagement to deeply personal rumination.” Kim is currently the subject of a solo exhibition titled Byron Kim: The Sunday Paintings at Museum of Contemporary Art Cleveland, USA, through January 5, 2020.

[Source from the official statement issued by The Estate of Robert De Niro Sr.]


 
 
6 양혜규, 내셔널 갤러리 싱가포르 커미션 시리즈 ‘아웃바운드(OUTBOUND)’ 초청, 신작 설치작 발표

Haegue Yang, Forum for Drone Speech – Singapore Simulations, 2019, laminated plywood, stainless steel wire mesh, powder-coated metal pipe, prints on holographic paper, transparent sticker, and loudspeakers. Nadine’s voice: audio, single channel, stereo, approx. 12 minutes; Birdsong: audio, single channel, stereo, 29:58 minutes, 340 x 506 x 230 cm. Courtesy of National Gallery Singapore.

전시작가: 《드론 연설을 위한 포럼 – 싱가포르 시뮬레이션(Forum for Drone Speech – Singapore Simulations)》
전시기간: 2019년 11월 28일(목)부터 약 3년간
전시기관: 싱가포르 내셔널 갤러리 싱가포르(National Gallery Singapore)
웹사이트: www.nationalgallery.sg/outbound/forum-for-drone-speech-singapore-simulations

양혜규는 11월 28일 내셔널 갤러리 싱가포르(National Gallery Singapore)의 ‘아웃바운드(OUTBOUND)’ 시리즈에 초청되어 새로운 설치작 <드론 연설을 위한 포럼 싱가포르 시뮬레이션(Forum for Drone Speech – Singapore Simulations)>을 선보인다. 내셔널 갤러리 싱가포르는 영국 식민지 시기에 건립된 두 청사, 시청(1929년)과 대법원(1939년) 건물을 개조∙통합시킨 역사적 건물로 2015년 개관 이래 싱가포르의 대표 국립미술관으로 기능하고 있다. 지난 해부터 시작된 연례 커미션 프로젝트 ‘아웃바운드’는 미술관 건물의 역사적 배경을 반추하고 예술을 보다 폭넓게 향유하기 위해 전세계에서 활발히 활동하는 현대미술 작가들을 초청해 미술관 내 다양한 공용 공간에 장소특정적 작업을 설치한다. 특히 양혜규의 작품이 설치되는 구 시청 건물은 1959년 싱가포르 독립 선언이 낭독된 곳이자 정치∙사회∙문화적으로 중요한 공공장소로 기능해온 ‘파당(Padang; 평지, ~장을 일컫는 말레이어)’을 맞은편에 면하고 있어 과거와 현재, 역사와 문화, 사회를 아우르는 양혜규의 다층적 작업과 직접적으로 소통한다.

양혜규의 <드론 연설을 위한 포럼 – 싱가포르 시뮬레이션>은 미술관의 역사에 대한 사전 조사와 자료 수집을 바탕으로 실제와 허구, 자연과 인공, 과거와 현재가 다감각적 경험을 통해 조우하는 혼성의 설치 작업이다. 기본 골조를 이루는 모조 대리석의 기하학적 구조물은 세로 홈이 패인 원통형 기둥, 반원 아치, 피라미드 등 신고전주의 건축 양식으로 장식된 대리석 건물의 물리적 환경을 반영한다. 구조물 상단을 휘어 돌며 가로지르는 금속 격자망에는 홀로그램 필름지에 프린트된 일련의 흑백 아카이브 이미지들이 펼쳐진다. 영국 식민지 시대의 싱가포르에서 활동한 영국인 조각가 도라 고딘(Dora Gordine)의 작품이자 구 시청에 전시되기도 했던 다문화적 청동 두상, 이탈리안 건축가 루돌포 놀리(Cavalieri Rudolfo Nolli)가 제작한 구 대법원 건물의 건축 장식을 비롯해 공예품, 광고와 같은 사회∙문화적 매개체 등을 아우르는 이미지들은 해당 이미지의 설치 위치와는 무관하게 구조물 위에 자유롭게 부착된 라벨을 통해 사실적-주관적으로 설명된다. 작가는 미술관이 사물이 끊임없이 재배열∙재해석되는, 대안적 서사에 대한 상상을 가능케 하는 공간임에 주목하며, 정체성과 소속감, 관계에 대한 질문을 자극한다.

함께 설치된 3점의 ‘중간 유형’과 ‘소리 나는 조각’은 각각 인공 짚풀, 방울, 무동력 흡출기 등이 공예와 산업, 전통과 현대, 기술과 문화의 결합을 형용하는 동시에 소리와 바람, 움직임과 변화의 가능성을 시사한다. 이외에도 전시장에는 구조물에 설치된 LED 스피커를 통해 실제 소리가 흘러나오기도 한다. 지난 2018년 남북 정상회담에서 남북한의 지도자가 도보다리 끝에 앉아 담소를 나누는 중계영상에서 추출한 새소리 음향과 난양공과대학(NTU)에서 개발한 휴머노이드 로봇 나딘이 6개 국어로 연설하는 목소리는 흔히 대립항으로 설정되는 자연과 인간, 기술과 정치∙역사의 복합적인 공존을 도모하며 공간에 청각적 입체감을 더한다. 양혜규의 <드론 연설을 위한 포럼 – 싱가포르 시뮬레이션>은 역사와 문명을 포괄하는 유기적이고도 입체적인 환경을 구축하여 공간을 다감각적 경험의 장으로 변모시킨다. 이번 작품은 향후 3년간 전시된다.

Haegue Yang has been invited to create a new installation titled Forum for Drone Speech – Singapore Simulations for the OUTBOUND series of National Gallery Singapore (hereafter the Gallery). Housed in two national monuments which were built in the country’s colonial past—City Hall and former Supreme Court—that have been restored and transformed, the Gallery has cemented its status as the leading national gallery of Singapore since opening its doors in 2015. Launched in 2018, OUTBOUND invites accomplished artists to create works for different spaces within the Gallery, to provoke critical reflection regarding history of the gallery while shifting perceptions of what might be considered art. The City Hall building (former Municipal Building) in particular, which houses Haegue Yang’s work, faces the Padang which is considered an important public space in political, social, and economic aspects and is also where Singapore’s self-governance was announced in 1959. Thus this building engages with Yang’s multi-layered composite which embodies both past and present, history and culture, and society.

Born out of her research on the historical context of the Gallery, Forum for Drone Speech – Singapore Simulations explores ideas of hybridity in which the real and the faux, natural and artificial, past and present encounter each other in a multi-sensorial experience. The sculptural faux marble base resembles the fluted columns, semi-arches, and pyramids and alludes to features of Western classical architecture. The base is crowned by a ribbon of wire mesh containing a selection of holographic prints of black and white. These include images of British sculptor Dora Gordine’s multi-ethnic bronze busts once displayed in the City Hall, and Italian sculptor Rudolfo Nolli’s architectural decoration of the former Supreme Court building and cultural artifacts and instruments made to perceive the world. The images are accompanied by artwork labels which playfully appropriate museological language, interweaving factual introductions with Yang’s subjective readings of them. Yang draws attention to museums as spaces in which objects are continually rearranged and reinterpreted to envision alternative narratives, provoking questions on identity, belongingness, and engagement.

The platform also hosts three of Yang’s sculptures—The Intermediates series and Sonic Swell—with materials such as artificial straw, bells, and turbine vents which evoke movement and sound combining crafts and industry, past and present, technology and cultures. Also a soundscape of birdsong, recorded in the demilitarized zone (DMZ) during the historic Inter-Korean summit in 2018, captured when the leaders of the two Koreas sitting together at the end of a footpath speaking privately at a distance, and a speech in six languages by the humanoid robot Nadine developed by Nanyang Technological University add an acoustic dimension while collapsing dichotomies—human versus nature, technology versus politics, and history. Forum for Drone Speech – Singapore Simulations embodies history and civilization, transforming the space into multisensorial experience to possess an organic three-dimensionality. 

[Source from National Gallery Singapore, Kukje Gallery press release]
 
 
7 정연두, 서울시립미술관 그룹전 《강박2》 참가

Installation view of Compulsion to Repeat, Seoul Museum of Art, Korea, 2019

전시작가: 정연두(Yeondoo Jung)
전시기간: 2019년 11월 27일(수) – 2020년 3월 8일(일)
전시기관: 서울시립미술관 서소문 본관
웹사이트: https://sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?currentPage=1&glolangType=ENG&exGr=&museumCd=&targetDate=20200128&searchDateType=CURR&exSearchPlace=&exNo=442703&searchPlace=&kwd=EXF01&kwdValue=

현대미술가 정연두는 서울시립미술관 서소문 본관에서 열리는 그룹전 《강박2》에 참여한다. 정연두를 비롯해 김용관, 차재민, 뉴 미네랄 콜렉티브(New Mineral Collective), 에밀리아 스카눌리터(Emilija Škarnulytė), 오메르 파스트(Omer Fast) 등 9()의 현대미술 작가들의 작품들로 구성된 이번 전시는 자본주의 체제 속에서 강박이 작동하는 방식과 그 대안의 가능성을 이야기한다. 제목이 시사하듯 강박의 반복적인 속성에 주목하는 동시에 그것을 극복할 수 있는 가능성 또한 반복에 있음을 피력하는 《강박2》는 이렇게 강박에 내재된 해방의 가능성을 탐구한다.

그간 허구와 현실의 경계를 탐구하며 퍼포먼스 기반의 사진, 영상, 설치 작업을 전개해온 정연두는 이번 전시에서 <DMZ 극장 시리즈 – 도라극장>(2019)을 선보인다. 연출가 수르야(Surya)와의 협업으로 진행된 이번 작품은 2017년 겨울부터 2019년 봄까지 강화도부터 고성에 이르는 13개 지역의 DMZ 전망대를 계절 별로 촬영하고 이 지역에 얽힌 이야기들을 연출해 담은 사진 설치 연작 중 하나다. 작품의 배경인 도라 전망대는 분단의 역사를 상징하는 동시에통일 안보관광이라는 자본주의 목적 하에 만들어진 장소로, 작가는 이곳에서 촬영한 여러 장의 사진을 한 화면에 중첩시키는 방식을 통해 현실과 상상의 공존을 구현한다. <도라 극장>분단 혹은 통일이라는 이 시대의 강박을 반복함으로써 지금 한국에 살고 있는 우리가 갖고 있는 집단적 무의식을 드러내는 동시에, 지금껏 존재하지 않은 제3의 장소를 상상해보도록 독려한다. 영상, 조각, 이미지 등 45점의 다양한 작품들을 선보이는 이번 전시는 오는 3 8일까지 진행된다.

The contemporary artist Yeondoo Jung is currently participating in a group exhibition titled Compulsion to Repeat at Seoul Museum of Art, Korea. Featuring a roster of nine contemporary artists including Yeondoo Jung, Yongkwan Kim, Jeamin Cha, New Mineral Collective, Emilija Škarnulytė, and Omer Fast, this exhibition explores how compulsion operates within the complexity of the capitalist system and its emancipatory potentials. As can be inferred from the title, Compulsion to Repeat highlights the repetitive trait of compulsion while pointing to the very repetitiveness as a potential of overcoming it.

Yeondoo Jung, whose work examines the border between reality and imagination through a diverse range of mediums including photography, video, and installation based on performance, introduces DMZ Theater Series – Dora Theater (2019) for this exhibition. Made in collaboration with the producer Surya, DMZ Theater Series – Dora Theater is one among a series of photographic installation works that capture the DMZ observatory from thirteen different regions from Ganghwa Island to Goseong, all taken in between winter of 2017 to spring of 2019. Each work from the series is based on a narrative specific to the location it was taken in. Dora Observatory, which is the backdrop of Jung’s work currently on view in the exhibition, is at once a symbolic location that points to the history of division and the fruit of capitalist ideology, built as a unification and national security tour complex. Jung has overlapped a number of photographs in order to produce a single plane where reality and imagination coexist. DMZ Theater Series – Dora Theater repeats the compulsion to determine whether the era we live in is in "division or unification," in doing so imagining a non-existent third reality and revealing the collective unconscious. Featuring 45 works including video, sculpture, and image, this exhibition is on view through March 8, 2020. 

[Source from Seoul Museum of Art press release and handout texts]
 
 
8 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset), 마이애미 공공미술 커미션 프로젝트 신작 <Bent Pool> 공개

Elmgreen & Dragset, Bent Pool, 2019. Pride Park, Miami Beach Convention Center. Commissioned by the City of Miami Beach’s Art in Public Places Program. Photo: Robin Hill

전시작가: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
전시기간: 2019년 11월 26일(화)부터 영구 설치
전시기관: 미국 마이애미 비치 시 공공미술 커미션 프로젝트

웹사이트: http://www.mbartsandculture.org/elmgreen-dragset-bent-pool/

아티스트 듀오 엘름그린 & 드라그셋이 마이애미 비치 시 공공미술 커미션 프로젝트로 설치 신작
<Bent Pool>을 선보인다. 마이애미 비치 컨벤션 센터 야외 공간에 영구 설치된 <Bent Pool>은 아트 바젤 마이애미 비치가 열리는 ‘마이애미 아트 위크‘와 맞물려 공개된다. 현대인을 둘러싼 익숙한 공간과 문화구조에 대해 끊임없이 자문하고, 특유의 위트와 비판정신으로 새롭게 재해석해온 엘름그린 & 드라그셋은 이번 프로젝트에서 작가의 눈을 통해 마이애미의 익숙한 풍경을 새로운 관점으로 매개한다.

<Bent Pool>엘름그린 & 드라그셋이 그간 선보여온 ‘수영장‘ 모티프 작업 군의 연장선에 있는 작품으로 제목처럼 수영장이 아치 형태로 구부러진, 높이 6미터에 달하는 대규모 설치작이다. 작품은 일반적인 수영장의 사다리, 다이빙 보드, 조명 시설 등을 충실히 재현하되, 구부러져 세워진 형태로 인해 물을 담을 수 없다는 근본적인 한계를 지니고 있다. 미니멀리즘적인 기하추상 형태의 이 작품은 엘름그린 & 드라그셋 특유의 청록색과 무광 흰색을 병치하여 공원의 푸른색과 선명하게 어우러진다. 미국의 대표 휴양도시 마이애미에서 ‘수영장‘은 도시 곳곳에서 볼 수 있는 보편적인 시설이지만, 왜곡된 형태의 이 수영장은 일상의 익숙한 대상이 맥락에 따라 새롭게 인식될 수 있는 가능성을 제시한다. 동시에 작가는 조각의 형태와 메시지의 전달에 국한되지 않고, 특정 지역에 일상적인 즐거움과 활기를 부여하는 공공미술의 새로운 가능성을 자신의 방식대로 탐구한다.

Elmgreen & Dragset have created new installation titled Bent Pool for a commissioned project for the city of Miami Beach. Bent Pool is permanently installed outside the Miami Beach Convention Center to coincide with the Miami Art Week. Elmgreen & Dragset, who often reinterpret familiar spatial and cultural structures that surround us in modern times with criticality and subversive wit, offer viewers a fresh perspective into the landscape of the city with the Bent Pool.


Bent Pool is a 6-meter-high sculptural installation which features a swimming pool folded in half, continuing Elmgreen & Dragset’s longstanding interest in the swimming pool motif. Identified by details such as the ladder, diving board, and pool lamps, the abstracted object can easily be recognized as a swimming pool even though its arched shape prevents it from carrying water. Drawing on the Minimalist reductive tradition and use of geometric forms, Bent Pool features a turquoise blue interior, one of Elmgreen & Dragset’s signature colors, and a matte white exterior, leading the work to stand out against the greenery of the park outside the Miami Beach Convention Center. Due to Miami Beach’s status as a beloved holiday destination, swimming pools are a natural part of the city’s fabric. The distorted shaped of the Bent Pool, however, makes us more aware of how objects are perceived relative to different contexts. Elmgreen & Dragset are not limited to presenting messages through the sculptures, but develop possibilities of public art that remind us of the enjoyment that can be found in so many experiences, oftentimes in the everyday.

[Source from Miami Beach Arts & Culture website]


 
 
9 제니 홀저, 국립현대미술관 커미션 프로젝트 《당신을 위하여: 제니홀저》에서 신작 발표

Installation view of MMCA Commissioned Project FOR YOU: JENNY HOLZER, The National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, 2019. Courtesy of 2019 Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS), NY/ Society of artist copyright of Korea (SACK), Seoul

전시작가: 제니 홀저(Jenny Holzer)
전시기간: 2019년 11월 23일(토) – 2020년 7월 5일(일)
전시기관: 국립현대미술관 서울, 과천관
웹사이트: http://www.mmca.go.kr/eng/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=201911140001205


미국의 대표 개념미술가 제니 홀저의 MMCA 커미션 프로젝트 《당신을 위하여: 제니 홀저》가 국립현대미술관 서울박스와 로비, 과천의 야외 공간에서 2020년 7월 5일까지 전시된다. ‘MMCA 커미션 프로젝트’는 국제적인 작가와의 협업을 통해 미술관 공간에 새로운 담론을 이끌어 낼 작품을 선보이고자 마련된 국립현대미술관의 대규모 프로젝트다. 2019년에는 언어를 매체로 사회적 문제를 공론화하고, 소외된 이들의 목소리를 드러내는 작업을 전개해온 제니 홀저와의 프로젝트를 통해 미술관 공간을 동시대 고민을 나누는 공론의 장으로 변모시킨다.

먼저 서울관 1층 로비 벽면에 설치된 <경구들>과 <선동적 에세이>는 이번 프로젝트를 위해 국문으로 번역되어 최초로 한글 버전으로 선보이는 작품이다. <경구들>은 개인과 사회의 관습, 통용되는 진실의 모순을 파고드는 250개의 문장들로 이루어져 있다. 함께 설치된 <선동적 에세이>는 각각 100개의 단어로 이루어진 에세이 컬렉션으로 작가가 접한 정치, 유토피아, 예술, 종교에 관한 글과 선언문 등에 영감 받아 제작되었다. 서울박스에 설치된 <당신을 위하여>는 이번 프로젝트를 통해 새롭게 선보이는 LED 신작으로 현대 여성 문학 작가인 김혜순, 한강, 에밀리 정민 윤(Emily Jungmin Yoon), 스베틀라나 알렉시예비치(Svetlana Alexievich), 호진 아지즈(Hawzhin Azeez)의 글을 차용하여 선보인다. 작품은 ‘여성’ 화자들을 통해 근현대 인간이 만들어낸 재난으로 인해 인권을 유린당한 평범한 이들의 이야기를 전한다. 과천관으로 이어지는 전시에서는 야외 조각 공원에 위치한 석조 다리 난간에 11개의 경구들을 새긴 영구 설치작품이 공개된다. 제니 홀저는 이번 프로젝트를 통해 우리의 ‘삶의 문제’를 다루고, 관객들이 이에 대해 고민하게 함으로써 예술의 공공성을 더욱 확장한다.

The world-renowned American conceptual artist Jenny Holzer presents MMCA Commissioned Project Jenny Holzer: FOR YOU at Seoul Box, the lobby of the National Museum of Modern and Contemporary Art (hereafter MMCA), Seoul, and the outdoor space of the MMCA Gwacheon through July 5, 2020. The MMCA Commissioned Project spearheads collaborations leading international contemporary artists in order to generate a new platform for discourse on contemporary art on the museum premises. In 2019, the MMCA has collaborated with Jenny Holzer who utilizes language as her primary medium, experimenting with incisive poetic and aphoristic text to directly engage pressing social issues and injustice, and to provide a voice for the marginalized. Holzer’s works conceptually transform the museum space by encouraging debate and reflection on an array of compelling issues.

Installed on the wall of the first floor lobby at the MMCA Seoul, Inflammatory Essays and Truisms have been translated into Korean for the first time ever. Comprised of over 250 brief alphabetized statements, Truisms concern the oftentimes ironic construction of personal and societal beliefs, mores, and truths. Influenced by Holzer’s readings of political, utopian, art, religious, and other manifestos, Inflammatory Essays are a collection of 100-word texts. In Seoul Box, Holzer’s new monumental LED work titled FOR YOU foregrounds the voices of five contemporary female authors—Kim Hyesoon, Han Kang, Emily Jungmin Yoon, Svetlana Alexievich, and Hawzhin Azeez—who give voice to those bereft of human rights by manmade tragedies of today. At the MMCA Gwacheon, Holzer presents a selection of eleven Truisms, permanently engraved onto the railing of a stone bridge in the outdoor sculpture garden. In this project, Holzer actively engages with and addresses pressing issues by encouraging reflections on collective concerns and personal anxieties, further broadening the possibilities of public engagement with art.

[Source from the MMCA press release, website, and handout texts]
 
 
10 양혜규, 마이애미 배스 미술관에서 대규모 개인전 《In the Cone of Uncertainty》 개최

전시작가: 양혜규(Haegue Yang)
전시기간: 2019년 11월 2일(토) – 2020년 4월 5일(일)
전시기관: 미국 마이애미 배스 미술관(The Bass Museum of Art)
웹사이트: https://thebass.org/art/haegue-yang/

양혜규 작가의 대규모 개인전 《In the Cone of Uncertainty》가 마이애미 배스 미술관에서 2020년 4월 5일까지 열린다. 배스 미술관은 1964년 플로리다주 남부 마이애미 비치 시에 기증된 개인 소장품을 기반으로 설립된 곳으로, 세계적인 작가들과의 협력을 통해 기획력과 전문성을 높이 인정 받고 있다. 이번 전시는 지난 10여 년 간의 양혜규의 작업 활동을 총망라하며, 대형 블라인드 설치와 의인화된 조각, 광원 조각, 벽지 작업 등 일상적 오브제, 디지털 프로세스, 노동집약적 공예 기법 등을 다채롭게 접목해온 작가의 실험적인 작업 여정을 선보인다. 플로리다 남부 지역에서 태풍의 예상 진로를 묘사하는 표현 ‘In the Cone of Uncertainty’를 제목으로 차용한 본 전시는 라틴 아메리카로 통하는 지리적 여건과 거주 인구의 절반 이상이 이주민이라는 사회적 조건 등 이 지역의 특성을 기본적으로 함의한다. 이에 작가는 기후 변화, 인구 과잉, 자원 부족 등 현대사회가 직면한 불안과 끊임없이 변화하는 미래를 예측하고자 하는 열망의 담론을 이주와 이동이라는 시각으로 바라보는 등 동시대적 고민을 고유하고도 방대한 예술적 언어로 탐구한다.

이번 전시는 미술관 1층과 2층 그리고 두 전시장을 잇는 계단에서 전개된다. 그 중 두 공간 사이에 설치된 작품 <Coordinates of Speculative Solidarity>
(2019)는 배스 미술관이 의뢰한 장소 특정적 벽지 작업으로, 마이애미 비치의 불안정한 기후 조건을 나타내는 기상학적 자료와 도표를 추상적으로 참조한다. 재난으로 돌변한 불안정한 기후를 예측하고 통제하고자 하는 현대인의 열망에 대한 관심에서 비롯된 이 벽지 작업은 혹독한 날씨가 야기하는 공동의 운명에 직면하고 대처하고자 하는 이들을 결속시키는 지리적 공통성을 반영한다. 또 유대계 미국인 시인 아벨 미로폴의 시를 빌리 홀리데이가 불러 유명해진 동명의 노래(1939)에서 제목을 따 온 <Strange Fruit>(2012-2013)는 전선으로 연결된 전구, 채색된 파피에 마셰 그릇 등이 철제 옷걸이에 매달린 6점의 의인화된 조각으로, 이질적인 오브제들을 결합하는 방식을 통해 잘 알려지지 않은 역사 속 연관성을 조명한다. 이 외에도 두 점의 대형 블라인드 설치 마르그리트 뒤라스(Marguerite Duras, 1914-1996)의 이야기를 다루는 <Yearning Melancholy Red>(2008)와 한국의 혁명가 김산(1905-1938)과 미국의 저널리스트 님 웨일스(Nym Wales, 1907-1997)의 우연적 만남을 내포한 <Red Broken Mountainous Labyrinth>(2008)를 비롯, ‘소리 나는 조각’ 연작 중 하나인 <Boxing Ballet>(2013/2015) 등의 작품들도 함께 선보인다.

한편 현재 양혜규는 오스트리아 쿤스트하우스 그라츠에서 2020년 2월 16일까지 열리는 그룹전 《ARTS ⇆ CRAFTS: Between tradition, discourse and technologies》에도 참여 중이다. 오랫동안 예술과 공예 사이에서 지속되어 온 위계를 무너뜨리고 동시대의 미술과 수공예, 그리고 기술을 매개로 공예의 새로운 가능성을 탐구하는 이번 전시에서 작가는 인조 짚풀을 엮은 ‘중간 유형’ 연작을 소개한다.

Haegue Yang is the subject of a solo exhibition titled In the Cone of Uncertainty at The Bass Museum of Art (hereafter The Bass), Miami Beach, USA through April 5, 2020. Founded in 1964, the museum was established after the donation of a private collection, and has since been widely recognized for its planning and expertise abilities in exhibitions with international artists. The exhibition presents a selection of Yang’s oeuvre spanning the last decade which employs industrially produced quotidian items, digital processes, and labor-intensive craft techniques—including window blind installations, anthropomorphic sculptures, light sculptures, and mural-like graphic wallpaper. Taking its title from an expression of the South Florida vernacular that describes the predicted path of hurricanes, this exhibition examines the regional characteristics of Miami Beach, considering that over fifty percent of the population in Miami-Dade County is born outside of the United States, and it is a geographical and metaphorical gateway to Latin America. Framing the contemporary concerns about climate change, overpopulation, and resource scarcity within a broader consideration of movement, displacement, and migration, Yang explores current anxieties through her unique artistic practice for this exhibition.

Yang’s exhibition encompasses galleries on both the first and second floors of the museum and staircase. A commissioned site-specific wallpaper in the staircase that connects the exhibition spaces across The Bass’s two floors Coordinates of Speculative Solidarity (2019) plays with meteorological infographics and diagrams as vehicles for abstraction. Interested in how severe weather creates the human urge to predict catastrophic circumstances, the work reflects a geographic commonality that unconsciously binds people together through a shared determination to face a challenge and react in solidarity. Strange Fruit (2012-2013), taking its title from the Jewish-American Abel Meeropol’s poem famously vocalized by Billie Holiday in 1939,
is a group of anthropomorphic sculptures combined with hanging string lights dangling from metal clothing racks intertwined with colorfully painted papier-mâché bowls. This work illuminates unlikely, lesser-known connections throughout history by connecting unrelated objects. The exhibition also features two major large-scale installations made of venetian blinds titled Yearning Melancholy Red (2008), referring to the childhood of Marguerite Duras (1914-1996), and Red and Red Broken Mountainous Labyrinth (2008), bearing a story of a chance encounter between Korean revolutionary Kim San (1905-1938) and American journalist Nym Wales (1907-1997). Also on view is a major installation from the Sonic Sculptures series titled Boxing Ballet (2013/2015).

Outside of The Bass, Haegue Yang participates in a group exhibition titled ARTS
CRAFTS: Between tradition, discourse and technologies at Kunsthaus Graz, Austria, through February 16, 2020. This exhibition navigates new possibilities of crafts that mediate contemporary art, craftsmanship, and new technologies, and at the same time blurs boundaries between crafts versus art. For the exhibition, Haegue Yang presents her signature artificial straw series titled The Intermediates.

[Source from The Bass Museum of Art website]


 
 
11 박찬경, 《MMCA 현대차 시리즈 2019: 박찬경 - 모임 Gathering》 개최

Installation view of MMCA Hyundai Motor Series 2019: Park Chan-kyong - Gathering at MMCA Seoul. Photo: Hong Cheolki. Image provided by MMCA, Korea.

전시작가: 박찬경(Park Chan-kyong)
전시기간: 2019 10 26() – 2020 2 23()
전시기관: 국립현대미술관 서울관
웹사이트: http://www.mmca.go.kr/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=201910180001194

MMCA 현대차 시리즈 2019 작가로 선정된 박찬경은 10월 26일부터 국립현대미술관에서 개인전 《MMCA 현대차 시리즈 2019: 박찬경 - 모임 Gathering》을 연다. 국립현대미술관이 주최하고 현대자동차가 후원하는 MMCA 현대차 시리즈는 2014년부터 10년간 한국 현대미술을 대표하는 중진 작가의 개인전을 지원하는 장기 연례 프로젝트로, 박찬경은 이불(2014), 안규철(2015), 김수자(2016), 임흥순(2017), 최정화(2018)에 이어 6번째 작가로 선정되었다. 서구적 근대화와 맹목적 성장의 추구 속에서 성찰의 기회 없이 앞만 보고 달려온 한국 사회를 신화, 전통 종교, 냉전 등의 통로로 살펴보는 작업을 전개해온 작가는 이번 전시에서 한국을 포함한 동아시아에서 관습화된 미술제도가 기능하는 과정과 의미에 대해 질문하고, 이를 비판적으로 성찰한다.

대표작 <늦게 온 보살>을 비롯한 8점의 신작과 구작 1점으로 구성된 이번 전시는 ‘액자 구조’를 통해 미술사와 미술관을 새로운 시각으로 바라보도록 한다. 전시장에서 관객들을 가장 먼저 반기며 ‘액자’ 안으로 끌어들이는 <작은 미술관>(2019)은 작가가 선택한 다양한 작품(사진)과 관련된 이미지들이 작가의 해석에 따라 다소 엉뚱하게 배치한 작업으로, 우리에게 익숙한 미술관이 인위적으로 주입된 틀이 아닌지에 대한 문제의식을 제기한다. ‘석가모니의 열반’이라는 종교적 사건과 동시대 재난인 ‘후쿠시마 원전 사고’를 하나의 담론으로 엮어 낸 55분짜리 영상 <늦게 온 보살>(2019)은 재난 이후 우리 사회에서 미술 언어가 가질 수 있는 가능성을 비판적으로 성찰한다. 또한
실제 전시실의 1:25 배율 축소모형으로 만든 <5전시실>(2019)은 관객들을 다시 액자 밖으로 끌어내 관객들로 하여금 전시장 전체를 조망하게 하고, 전시를 관람하는 행위를 새롭게 바라보게 한다. 한편 전시실 중앙에 넓게 펼쳐진 <해인(海印)>(2019)에서는 5주간 전시 주제와 관련된 각 분야 전문가들을 초빙하여 강연과 토론이 진행될 예정이다. 전시가 곧 미술에 관한 대화를 나누는 ‘모임’이 되는 이번 전시는 오는 2020년 2월 23일까지 계속된다.

Park Chan-kyong, selected as the artist of the MMCA Hyundai Motor Series 2019, is the subject of a solo exhibition titled MMCA Hyundai Motor Series 2019: Park Chan-kyong - Gathering at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (hereafter MMCA), from October 26, 2019. The MMCA Hyundai Motor Series, hosted by the MMCA and sponsored by the Hyundai Motor Company, is a decade-long art project that organizes annual exhibitions of established Korean artists since its launch in 2014. Park Chan-kyong is the sixth artist to have been selected for the series, following the exhibitions of Lee Bul (2014), Ahn Kyuchul (2015), Kimsooja (2016), IM Heung-soon (2017), and CHOIJEONGHWA (2018). Park’s work examines the Korean society, framing the rapid socioeconomic development of the past century while chronicling the often reckless pursuit of Western modernization and economic growth, through subjects including mythology, traditional religions, and the Cold War. For this exhibition, Park questions and critically examines the history and significance of conventionalized westernization of art institutions in Korea and the rest of East Asia.

In this exhibition, Park presents eight new works including the highlight piece Belated Bosal, along with one existing work. Incorporating a ‘frame structure’ that both metaphorically and architecturally manifests itself throughout the exhibition, this exhibition prompts the audience to reexamine art history and art institutions through an unfamiliar perspective. The viewer first encounters Small Museum of Art (2019) which includes photographic reproductions of selected artworks rearranged in an unconventional manner, questioning whether the underlying criteria of the conventional museum setting is a contrived framework implanted in the ways in which we view institutions. Belated Bosal (2019) is a 55-minute film which combines the story of the Buddha’s nirvana with the Fukushima Daiichi nuclear disaster, critically examining the potential of an art-language that can be put into practice amidst our society in the aftermath of disasters. Gallery 5 (2019) is a 1/25 miniature model of Gallery 5 in the MMCA Seoul (where Park’s show is held). The model encourages audiences to survey the entirety of the exhibition space and thus reflect on the act of viewing the exhibition. The Water Mark (2019), an installation of 16 cement panels sprawled out on the floor, will serve as the gathering place for lectures and conversations by experts on pertinent subjects that construct the show.. This exhibition, which gestures a gathering where elements of a single show come together to create discussions on art, will remain on view through February 23, 2020.


[Source from the MMCA press release and website]


 
 
12 아니쉬 카푸어(Anish Kapoor), 카파(CAFA) 미술관과 자금성 박물관에서 중국 첫 대규모 개인전 《Anish Kapoor》 개최

Installation view at Central Academy of Fine Arts Museum

전시작가: 아니쉬 카푸어(Anish Kapoor)
전시기간: 2019년 10월 25일(금) – 2020년 1월 1일(수), 카파(CAFA) 미술관
             2019년 11월 10일(일) – 2019년 12월 28일(토), 자금성 박물관
전시기관: 중국 베이징 카파 미술관(Central Academy of Fine Arts Museum), 중국 베이징 자금성 박물관(Taimiao Art Museum of Imperial Ancestral Temple)
웹사이트: https://anishkapoorbeijing.com/en.html

현대미술의 거장 아니쉬 카푸어의 중국 첫 대규모 개인전 《Anish Kapoor》가 베이징 카파(CAFA) 미술관과 자금성 박물관 두 곳에서 각각 2020년 1월 1일, 2019년 12월 28일까지 열린다. 지난 35년간의 작업을 총망라하는 이번 개인전은 카파 미술관 부회장 수신핑(Su Xinping)이 예술감독을, 카파 미술관 관장 장지캉(Zhang Zikang)이 큐레이팅을 맡았다. 재료의 물성과 비정형적 형태를 통해 정신적, 본질적인 영역을 탐구하는 작업을 전개해온 아니쉬 카푸어는 이번 전시에서 중국의 문화유산과 만나 새롭게 재해석되며 고유한 작품세계를 펼쳐 보인다.

먼저 카파 미술관에는 거대 설치작품 4점과 실제 작품의 미니어처 크기로 만들어진 작품 5점이 전시된다. 전시장에서 가장 먼저 만나게 되는 <Symphony for a Beloved Sun>(2013)은 지난 2013년 베를린 마틴 그로피우스 바우 미술관에서 처음 공개된 거대 설치 작품이다. 컨베이어 벨트에서 끊임없이 운반되는 조각들 위로 태양을 연상시키는 거대하고 붉은 원이 떠있는 작품은 관객들로 하여금 이러한 움직임을 가능케 하는 절대적이고 신비한 존재를 떠올리게 한다. 또한 외부와 내부의 경계가 모호한 유기적 형태의 작품 <Sectional Body preparing for Monadic Singularity>(2015)는 관객의 신체와 공간 사이의 경계를 허물며 물질의 한계를 뛰어넘는 정신성을 은유적으로 표현한다.

자금성 박물관으로 이어지는 본 전시에서는 스테인리스와 안료 조각들이 중국의 유서 깊은 공간과 조화를 이룬다. 전시장 중앙에는 스테인리스 철 덩어리 작품 두 점 <S-Curve>(2006)과 <C-Curve>(2007)가 나란히 전시된다. 원형의 곡선을 통해 기하학적인 입체의 형태를 취하는 작품은 공간을 반사, 왜곡, 그리고 전환시키며 관객들과 신체적, 정신적인 교감을 이끌어낸다. 또한 기하학적 오브제 위에 원색의 가루 안료를 뿌린 작가의 초기작 <1000 Names> 연작(1979-1982)과 <Angel>(1990) 등의 작품들도 함께 선보인다. 형태와 공간 사이의 상호 작용을 보여주는 아니쉬 카푸어의 이번 전시는 중국 관객들에게 물질을 뛰어넘는 숭고한 사유의 경험을 선사한다.


The celebrated contemporary artist Anish Kapoor is the subject of a major solo exhibition eponymously titled Anish Kapoor at the Central Academy of Fine Arts (hereafter CAFA) Museum and Taimiao Art Museum of the Imperial Ancestral Temple in Beijing through January 1, 2020, and December 28, 2019, respectively. The exhibition, which brings together some of the artist’s most significant and celebrated works from the last thirty-five years, is directed by Su Xinping, Vice President of the CAFA, and curated by Zhang Zikang, Director of the CAFA Art Museum. Engaging the physicality of materials and non-linear forms to conjure powerful metaphors about the body, existence, and spirituality, Anish Kapoor’s unique artistic practice will be reinterpreted and unfold against the backdrop of this important Chinese cultural heritage site.

In the CAFA Museum, Kapoor presents 4 monumental installations and 5 architectural scale models from his practice over the past few decades. Of his installations, the audience first encounters Symphony for a Beloved Sun (2013), previously exhibited at the Martin-Gropius-Bau, Berlin, in 2013. The work deposits bricks of red wax along several ascending conveyor belts and this system watched over by a vast, red sun that hovers above the scene. This invisible machine allows the viewer an opportunity to commune directly with the mysterious entity. Sectional Body preparing for Monadic Singularity (2015) explores the relationship between the interior and exterior. By collapsing the boundaries between the space and the body, the work conjures metaphors about spirituality which transcend the limits of materiality.

The exhibition continues across Beijing at the Taimiao Art Museum of Imperial Ancestral Temple, where a series of stainless steel and pigment sculptures are in conversation with the architecture and spiritual history of the site. The central atrium of the building presents two of Kapoor’s steel works titled S-Curve (2006) and C-Curve (2007), installed abreast of one another. Together these works morph from concave to convex, reflecting, twisting, and converting the space and generating a physical and spiritual experience in the viewer. The exhibition also presents 1000 Names (1979-1982) from Kapoor’s early pigment series which alludes colors to have material presence, along with subsequent works from the same series including Angel (1990). Kapoor’s first solo exhibition in China, this show presents a mutual interaction between form and space, giving rise to a sublime and poignant experience that transcends physicality.

[Source from Anish Kapoor in Beijing website]


 
 
13 양혜규, 뉴욕 현대미술관(MoMA) 재개관 맞아 개인전 《양혜규: 손잡이》에서 대형 설치 신작 발표

Installation view of Haegue Yang: Handles. 2019. Commissioned for the Marron Atrium by The Museum of Modern Art, New York. Photo: Denis Doorly

전시작가: 양혜규(Haegue Yang)
전시기간: 2019년 10월 21일(월) – 2020년 4월 12일(일)
전시기관: 미국 뉴욕 현대미술관(MoMA)
웹사이트: moma.org/calendar/exhibitions/5080


뉴욕 현대미술관은 양혜규 작가의 개인전 손잡이(Handles)》를 마론 아트리움에서 2020년 4월 12일까지 선보인다. 확장 공사를 마치고 올해 10월 21일 재개관한 뉴욕 현대미술관은 미술관 내에서도 가장 거대한 규모인 아트리움 공간을 위한 신작을 양혜규에게 의뢰했다. 이에 양혜규는 6점의 소리 나는 조각과 함께 현혹적인 기하학을 바탕으로 한 대형 벽 디자인과, 빛과 소리의 유희가 곁들어진 복합적 환경을 조성했다.

손잡이’는 이동과 변화를 위한 물리적 촉매제이자 접촉점으로, 양혜규는 사람과 사물 간의 일상적 접점에 주목했다. 수십여 개의 붉은색 강철 손잡이가 전시장 삼면의 벽에 걸쳐 빛을 분산시키는 홀로그램과 검정 스티커로 콜라주 된 대형 벽화와 함께 자체적인 무늬를 이룬다. 벽에 설치된 손잡이는 기능하지 않는데 반해, 조각물에 부착된 손잡이는 각기 독특한 형태를 띤 여섯 점의 구조물을 실질적으로 움직이게 한다. 이 몸체 표면 전체가 방울로 뒤덮인 6점의 구조물은 스위스 출신의 여성 미술작가이자 무용가, 건축가, 교육자였던 소피 토이버-아르프(Sophie Taeuber-Arp)의 ‘쿱 다다(Coupe Dada)’라는 소형 조각물을 참조한 조각 2 점과 신비주의 철학자 게오르기 이바노비치 구르지예프(G. I. Gurdjieff)에니어그램(Enneagram) 등을 참조한 조각 1 점, 그리고 오픈소스 손잡이 디자인을 활용한 조각 3점으로 구성된다. 바퀴가 달려 움직임이 가능한 이 조각물들은 퍼포머에 의해 활성화되면서 은은한 방울 소리를 내는데, 이렇게 조각의 인상적인 물성에 첨가된 촉각적, 청각적 요소들은 작품 및 공간 전체에 생기를 불어넣으며 일종의 주술 의식을 연상시킨다. 작품의 움직임에 따른 공명을 암시하는 방울의 합창은 이주와 디아스포라 등의 혼성적 사회·정치적 모델에 대한 작가 양혜규의 오랜 탐구를 반영한다.

양혜규는 시공간을 넘나드는 풍부한 문화적 참조를 조각적이고 감각적인 설치작업으로 통합해내는 탁월한 능력이 있다. 이번 모마 전시작은 몰입도를 끌어올린 환경을 조성해 다양한 문화적 역사를소리 나는 이동식 조각이라는 새로운 형태-언어로 번안해 미술관 공간에 생기를 불어넣을 아니라 보다 열린 역사관을 창출한다.” – 《양혜규: 손잡이》전 큐레이터 스튜어트 코머(Stuart Comer)

Haegue Yang is the subject of a solo exhibition titled Haegue Yang: Handles in the Marron Atrium at The Museum of Modern Art (hereafter MoMA) through April 12, 2020. For the opening of the museum’s expanded campus on October 21, 2019, MoMA had commissioned an installation by Yang for the Marron Atrium, the biggest exhibition space within MoMA. Haegue Yang: Handles features six dynamic sculptures, wall designs based on dazzling geometries, and the play of light and sound to create a complex environment.

As handles are points of attachment and material catalysts for movement and change, Yang considers this everyday interface between people and things. The red steel grab bars are mounted on the walls amid the dazzling hologram and the iridescent pattern of a panoramic collage. While the bars on the walls don’t work as handles, the handles attached to the six sculptures can be put to functional use, moving the works about within the space. Covered in skins of bells, these monumental works come in distinctive shapes: two of the sculptures are inspired by the work of the Swiss painter, dancer, architect, and educator Sophie Taeuber-Arp’s small sculptures titled Coupe Dada, another sculpture refers to the enneagram of the mystic philosopher G. I. Gurdjieff, and the three remaining sculptures use open-source designs for door handles. Mounted on casters, the sculptures generate a subtle rattling sound when maneuvered by performers at regular intervals, and recall the use of bells in shamanistic rites, among other sources, while the haptic and auditory qualities of Yang’s Sonic Sculptures animate their imposing physicality. The chorus of bells also suggests ideas of resonance, championing more diverse social and political models while the patterns of movement in the installation echo Yang’s ongoing investigation into concerns of migration.

Stuart Comer, The Lonti Ebers Chief Curator of Media and Performance, explains, “Haegue Yang has built a distinguished career on her singular ability to synthesize a rich array of cultural references across time periods and geographies into sculptural and sensorial installations. Her ambitious commission for MoMA presents an immersive, prismatic environment through which a diverse set of histories and forms is transformed into an exciting new vocabulary of mobile sonic sculptures that animate the space as much as they do a more open notion of history.”

[Source from the MoMA, Kukje Gallery press release]


 
 
14 김수자, 프랑스 푸아티에(Poitiers)에서 프로젝트 《여정 / 김수자(Traversées / Kimsooja)》 개최

Kimsooja, To Breathe, 2019, a site-specific installation at Tour Maubergion at Palais des duc d'Aquitaine, Poitiers, France. mirror, artist's performance sound 'The Weaving Factory, 2004-2013'. Courtesy of Ville de Poitiers for Traversées/Kimsooja and Kimsooja studio.

전시작가: 김수자(Kimsooja)
전시기간: 2019년 10월 12일(토) – 2020년 1월 19일(일)
전시장소: 프랑스 푸아티에(Poitiers) 시 전역
예술감독: 엠마 라비뉴(Emma Lavigne), 엠마뉴엘 드 몽가종(Emmanuelle de Montgazon)
초대 작가: Sammy Baloji (콩고민주공화국/벨기에), Myriam Boucher (캐나다), Compagnie l’Homme Debout (프랑스), Ensemble 0 (프랑스), Taylor Deupree (미국), Thomas Ferrand (프랑스), Subodh Gupta (인도), Jung Marie (한국), Lenio Kaklea, (프랑스/그리스), Tadashi Kawamata (일본/프랑스), Lee Mingwei (대만/프랑스), Min Tanaka (일본), Tomoko Sauvage (프랑스/일본), Achilleas Souras (영국/그리스), Stephen Vitiello (미국), Rirkrit Tiravanija (독일/태국) 
웹사이트: https://www.traversees-poitiers.fr/


현대미술가 김수자는 2019년 10월 12일부터 2020년 1월 19일까지 프랑스 푸아티에(Poitiers) 시가 주관하는 《여정 / 김수자(Traversées / Kimsooja)》 프로젝트의 첫 번째 에디션에 참가한다. 《여정》은 유구한 역사를 자랑하는 도시인 푸아티에 시를 감각적 경험의 장으로 변모시키고자 고안된 문화예술 프로젝트로, 푸아티에 시장과 전(前) 루브르 관장이자 지난 2015년 한불 50주년 예술축제를 총감독한 바 있는 앙리 루와렛(Henri Loyrette)이 비엔날레의 형식으로 창설한 전시다. 첫 번째 《여정》을 책임질 대표작가로 선정된 김수자는 자신 뿐 아니라 16인의 다른 예술가들을 초대해 각자의 시선으로 푸아티에 시를 재해석하게끔 하였다. 이로써 방문객은 작가의 눈과 신체, 새로운 관점으로 매개된 이 도시를 다시 보게 된다.

김수자는 한반도의 DMZ 근처에 거주하며 지속적으로 국경이라는 경계에 노출된 채 ‘노마드 가족원’으로 지냈던 유년기의 경험을 바탕으로, ‘여정’이라는 개념을 넓은 맥락에서 접근하여 그 진리와 미학을 고찰한다. 푸아티에 시의 랜드마크인 아끼뗀 공작 궁전(Palais des ducs d’Aquitaine)에 설치된 불투명한 굴절 필름으로 포장한 창문과 거울을 활용한 작업 <숨쉬기(To Breathe)>는 일대 주변 공간을 변모시키는데, 이로써 주위 환경은 세상의 고난에 의해 헤진 신체를 보호하는 일종의 섬세한 가죽으로 탈바꿈한다. 또한 민 타나카(Min Tanaka)는 공간을 춤추게 하고(dance the place), 레니오 카클리(Lenio Kaklea)는 지역민들의 제스처와 의례를 안무로 연출하며, 스티븐 비티엘로(Stephen Vitiello), 토모코 소바지(Tomoko Sauvage), 미리암 보처(Myriam Boucher)의 작품에서 흘러나오는 사운드는 관람객을 더욱 친밀한 성찰의 장으로 초대한다.

이번 전시는 현 사회가 시민들의 이주 패턴에 예민하게 반응하는 오늘날, 여행 및 강제 이동 등의 현상을 추동하는 요소들을 고찰한다는 점에서 더욱 의미 있다. 김수자처럼 끊임없이 이동의 상태에 놓인 작가에게 푸아티에는 잠시 보따리를 풀어놓을 수 있는 피신의 장소로 기능한다. 김수자의 세상이 담긴 보따리와 소통하기 위해 타다시 가와마타(Tadashi Kawamata) 등 여타 작가들 역시 자신만의 고치(cocoon)를 제작했고, 특히 아킬리 소라(Achilleas Souras)는 구명조끼로 이글루를 만들었다. 이 같은 작업을 통해 《여정 / 김수자》는 참여 작가들에게 여행을 타자성과 환대를 동시에 경험할 수 있는 활동으로 바라보는 창의적인 워크샵을 제공한다. 이는 김수자로 하여금 “나와 타자의 관계에 대해 고민”하도록 이끈 “경계, 그리고 그 이면에 사는 이들에 대한 생각들”과도 공명하는 지점이다.

The renowned Korean contemporary artist Kimsooja has been invited to curate and participate in the first edition of Traversées / Kimsooja in the city of Poitiers, France, through January, 19, 2020. Traversées is a cultural and urban heritage project of Poitiers devised in order to transfigure the city into a space of sensory experience, created in the form of a biennale by the Mayor of Poitiers and Henri Loyrette, former Chairman and Director of the Louvre Museum. Kimsooja, invited for the first edition of Traversées, has not only installed her works throughout the city but is also joined by 16 other artists of all backgrounds and ages, who have inspired Kim and with whom she shares a strong affinity. Traversées / Kimsooja offers viewers a fresh perspective into the city by adopting Kimsooja’s eye, body, and vision.

Kimsooja, rooted in her childhood as a member of a nomadic family along with her experiences of living near the DMZ (demilitarized zone) area, explores the notion of traversées” in a broader context to find the truth and aesthetics within it. Installed in the Palais des ducs d’Aquitaine, To Breathe disorients the viewers by the effect of the mirrored floor and film that diffracts the sunlight and bathes the interior within. This work offers shared vessels for beleaguered bodies, worn down by the inconsistencies of the world. Kimsooja’s work is complemented by those of other artists: Min Tanaka “dances the place,” Lenio Kaklea uses regional gestures and rituals as the starting point for a choreographic work, and audio from Stephen Vitiello, Tomoko Sauvage, and Myriam Boucher’s works invite viewers to a sense of familial bond and intimacy.

With the issue of migration occupying a central place in society, the Traversées project questions the factors behind the acts of travel and movement. Poitiers becomes another refuge to Kimsooja where she could unpack her possessions. In dialogue with Kimsooja’s bottari, which acts as a vessel for the artist’s world, other invited artists have created their unique versions of cocoons (or agents for wrapping), including Tadashi Kawamata’s Nest and Achilleas Souras’ emergency igloo made out of life jackets. As such, Traversées / Kimsooja invites artists into a creative workshop that sees a Traversées as a journey, an experience of otherness and hospitality. Traversées / Kimsooja presents a series of topics that resonate with Kimsooja’s work; according to the artist, “[m]y thoughts on borders and those living on the other side have led me to question the relationship between herself and the Other.”

[Source from Traversées / Kimsooja press release]
 
 
15 구본창, 한미사진미술관에서 개인전 《Incognito》 개최

Installation view at The Museum of Photography, Seoul, 2019

전시작가: 구본창(Koo Bohnchang)
전시기간: 2019년 10월 12일(토) – 2020년 1월 11일(토)
전시기관: 서울 한미사진미술관
웹사이트: http://www.photomuseum.or.kr/front/exhibitionPresentInfoView.do?no=182

한미사진미술관은 사진작가 구본창의 개인전 《Incognito》를 최근 개막해 2020년 1월 11일까지 선보인다. 구본창은 사진 매체의 가능성을 끊임없이 모색하며, 국내에서 사진이 현대미술의 주요 장르로 확고하게 자리매김하는데 유의미한 역할을 해왔다. 특히 1980년대부터 도시 곳곳에서 느껴지는 소외와 작가 자신에 대한 고민, 사라지는 과거의 흔적 등 사적인 경험을 통해 바라본 도시의 모습을 카메라에 담아왔다. 이번 개인전에서는 1980년대부터 현재에 이르기까지 작가의 사진세계를 한 눈에 조망할 수 있는 작품들이 전시된다.


구본창의 사진 작업들은 일상의 풍경은 물론 소소한 사건이 일어나는 도시에서의 경험을 작가의 정체성을 기반으로 보여준다. 사진에는 허름한 공간과 쓸쓸하면서도 해석이 모호한 풍경, 숨 가쁘게 압박하는 도시의 혼란, 이제는 사라졌을 도시의 기호들이 담겨있다. 작가가 멀리서 홀로 관찰하고, 시간과 흔적을 파편적 이미지로 재현한 작품들은 작가의 숨겨진 자아이자 그가 보는 세상이 된다. 한편 전시와 함께 발간된 사진집에는 작가의 컬러와 흑백 작품 55점, 스페인 독립 큐레이터 알레한드로 카스테요테(Alejandro Castellote)의 글이 수록되어 있다.

Koo Bohnchang is the subject of a solo exhibition titled Incognito, on view at The Museum of Photography, Seoul, through January 11, 2020. Throughout the course of his career, Koo's constant investigation into the possibilities of photography has played a pivotal role in establishing the medium as a major genre of contemporary art in Korea. Since the 1980s, Koo has photographed the urban landscape through the lens of his personal experiences including feelings of alienation in the city, concerns about his identity, and vestiges of a rapidly disappearing past. In this exhibition, a selection of Koo’s major works from the 1980s to the present are on view.

Deeply rooted in the artist’s personal identity, Koo’s photographs capture his experiences of the everyday scenery and the trivial incidents that occur in the city. The photographs depict dilapidated spaces, lonely yet ambiguous landscapes, the breathless chaos of the city, and tokens of bygone memories of what the city used to be. The artist observes quietly from afar and represents a fragmentary image of the time and traces that might disappear or have already, and these images construct Koo’s latent identity and the world that he perceives. A catalogue, which includes 55 color and black-and-white photographs and an essay by the Spanish independent curator Alejandro Castellote, has been published for the occasion of this exhibition.

[Source from The Museum of Photography website]