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1 양혜규, 마이애미 배스 미술관에서 대규모 개인전 《In the Cone of Uncertainty》 개최

전시작가: 양혜규(Haegue Yang)
전시기간: 2019년 11월 2일(토) – 2020년 4월 5일(일)
전시기관: 미국 마이애미 배스 미술관(The Bass Museum of Art)
웹사이트: https://thebass.org/art/haegue-yang/

양혜규 작가의 대규모 개인전 《In the Cone of Uncertainty》가 마이애미 배스 미술관에서 2020년 4월 5일까지 열린다. 배스 미술관은 1964년 플로리다주 남부 마이애미 비치 시에 기증된 개인 소장품을 기반으로 설립된 곳으로, 세계적인 작가들과의 협력을 통해 기획력과 전문성을 높이 인정 받고 있다. 이번 전시는 지난 10여 년 간의 양혜규의 작업 활동을 총망라하며, 대형 블라인드 설치와 의인화된 조각, 광원 조각, 벽지 작업 등 일상적 오브제, 디지털 프로세스, 노동집약적 공예 기법 등을 다채롭게 접목해온 작가의 실험적인 작업 여정을 선보인다. 플로리다 남부 지역에서 태풍의 예상 진로를 묘사하는 표현 ‘In the Cone of Uncertainty’를 제목으로 차용한 본 전시는 라틴 아메리카로 통하는 지리적 여건과 거주 인구의 절반 이상이 이주민이라는 사회적 조건 등 이 지역의 특성을 기본적으로 함의한다. 이에 작가는 기후 변화, 인구 과잉, 자원 부족 등 현대사회가 직면한 불안과 끊임없이 변화하는 미래를 예측하고자 하는 열망의 담론을 이주와 이동이라는 시각으로 바라보는 등 동시대적 고민을 고유하고도 방대한 예술적 언어로 탐구한다.

이번 전시는 미술관 1층과 2층 그리고 두 전시장을 잇는 계단에서 전개된다. 그 중 두 공간 사이에 설치된 작품
<Coordinates of Speculative Solidarity>(2019)는 배스 미술관이 의뢰한 장소 특정적 벽지 작업으로, 마이애미 비치의 불안정한 기후 조건을 나타내는 기상학적 자료와 도표를 추상적으로 참조한다. 재난으로 돌변한 불안정한 기후를 예측하고 통제하고자 하는 현대인의 열망에 대한 관심에서 비롯된 이 벽지 작업은 혹독한 날씨가 야기하는 공동의 운명에 직면하고 대처하고자 하는 이들을 결속시키는 지리적 공통성을 반영한다. 또 유대계 미국인 시인 아벨 미로폴의 시를 빌리 홀리데이가 불러 유명해진 동명의 노래(1939)에서 제목을 따 온 <Strange Fruit>(2012-2013)는 전선으로 연결된 전구, 채색된 파피에 마셰 그릇 등이 철제 옷걸이에 매달린 6점의 의인화된 조각으로, 이질적인 오브제들을 결합하는 방식을 통해 잘 알려지지 않은 역사 속 연관성을 조명한다. 이 외에도 두 점의 대형 블라인드 설치 마르그리트 뒤라스(Marguerite Duras, 1914-1996)의 이야기를 다루는 <Yearning Melancholy Red>(2008)와 한국의 혁명가 김산(1905-1938)과 미국의 저널리스트 님 웨일스(Nym Wales, 1907-1997)의 우연적 만남을 내포한 <Red Broken Mountainous Labyrinth>(2008)를 비롯, ‘소리 나는 조각’ 연작 중 하나인 <Boxing Ballet>(2013/2015) 등의 작품들도 함께 선보인다.

한편 현재 양혜규는 오스트리아 쿤스트하우스 그라츠에서 2020년 2월 16일까지 열리는 그룹전 《ARTS ⇆ CRAFTS: Between tradition, discourse and technologies》에도 참여 중이다. 오랫동안 예술과 공예 사이에서 지속되어 온 위계를 무너뜨리고 동시대의 미술과 수공예, 그리고 기술을 매개로 공예의 새로운 가능성을 탐구하는 이번 전시에서 작가는 인조 짚풀을 엮은 ‘중간 유형’ 연작을 소개한다.

Haegue Yang is the subject of a solo exhibition titled In the Cone of Uncertainty at The Bass Museum of Art (hereafter The Bass), Miami Beach, USA through April 5, 2020. Founded in 1964, the museum was established after the donation of a private collection, and has since been widely recognized for its planning and expertise abilities in exhibitions with international artists. The exhibition presents a selection of Yang’s oeuvre spanning the last decade which employs industrially produced quotidian items, digital processes, and labor-intensive craft techniques—including window blind installations, anthropomorphic sculptures, light sculptures, and mural-like graphic wallpaper. Taking its title from an expression of the South Florida vernacular that describes the predicted path of hurricanes, this exhibition examines the regional characteristics of Miami Beach, considering that over fifty percent of the population in Miami-Dade County is born outside of the United States, and it is a geographical and metaphorical gateway to Latin America. Framing the contemporary concerns about climate change, overpopulation, and resource scarcity within a broader consideration of movement, displacement, and migration, Yang explores current anxieties through her unique artistic practice for this exhibition.

Yang’s exhibition encompasses galleries on both the first and second floors of the museum and staircase. A commissioned site-specific wallpaper in the staircase that connects the exhibition spaces across The Bass’s two floors Coordinates of Speculative Solidarity (2019) plays with meteorological infographics and diagrams as vehicles for abstraction. Interested in how severe weather creates the human urge to predict catastrophic circumstances, the work reflects a geographic commonality that unconsciously binds people together through a shared determination to face a challenge and react in solidarity. Strange Fruit (2012-2013), taking its title from the Jewish-American Abel Meeropol’s poem famously vocalized by Billie Holiday in 1939,
is a group of anthropomorphic sculptures combined with hanging string lights dangling from metal clothing racks intertwined with colorfully painted papier-mâché bowls. This work illuminates unlikely, lesser-known connections throughout history by connecting unrelated objects. The exhibition also features two major large-scale installations made of venetian blinds titled Yearning Melancholy Red (2008), referring to the childhood of Marguerite Duras (1914-1996), and Red and Red Broken Mountainous Labyrinth (2008), bearing a story of a chance encounter between Korean revolutionary Kim San (1905-1938) and American journalist Nym Wales (1907-1997). Also on view is a major installation from the Sonic Sculptures series titled Boxing Ballet (2013/2015).

Outside of The Bass, Haegue Yang participates in a group exhibition titled ARTS
CRAFTS: Between tradition, discourse and technologies at Kunsthaus Graz, Austria, through February 16, 2020. This exhibition navigates new possibilities of crafts that mediate contemporary art, craftsmanship, and new technologies, and at the same time blurs boundaries between crafts versus art. For the exhibition, Haegue Yang presents her signature artificial straw series titled The Intermediates.

[Source from The Bass Museum of Art website]


 
 
2 박찬경, 《MMCA 현대차 시리즈 2019: 박찬경 - 모임 Gathering》 개최

Installation view of MMCA Hyundai Motor Series 2019: Park Chan-kyong - Gathering at MMCA Seoul. Photo: Hong Cheolki. Image provided by MMCA, Korea.

전시작가: 박찬경(Park Chan-kyong)
전시기간: 2019 10 26() – 2020 2 23()
전시기관: 국립현대미술관 서울관
웹사이트: http://www.mmca.go.kr/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=201910180001194

MMCA 현대차 시리즈 2019 작가로 선정된 박찬경은 10월 26일부터 국립현대미술관에서 개인전 《MMCA 현대차 시리즈 2019: 박찬경 - 모임 Gathering》을 연다. 국립현대미술관이 주최하고 현대자동차가 후원하는 MMCA 현대차 시리즈는 2014년부터 10년간 한국 현대미술을 대표하는 중진 작가의 개인전을 지원하는 장기 연례 프로젝트로, 박찬경은 이불(2014), 안규철(2015), 김수자(2016), 임흥순(2017), 최정화(2018)에 이어 6번째 작가로 선정되었다. 서구적 근대화와 맹목적 성장의 추구 속에서 성찰의 기회 없이 앞만 보고 달려온 한국 사회를 신화, 전통 종교, 냉전 등의 통로로 살펴보는 작업을 전개해온 작가는 이번 전시에서 한국을 포함한 동아시아에서 관습화된 미술제도가 기능하는 과정과 의미에 대해 질문하고, 이를 비판적으로 성찰한다.

대표작 <늦게 온 보살>을 비롯한 8점의 신작과 구작 1점으로 구성된 이번 전시는 ‘액자 구조’를 통해 미술사와 미술관을 새로운 시각으로 바라보도록 한다. 전시장에서 관객들을 가장 먼저 반기며 ‘액자’ 안으로 끌어들이는 <작은 미술관>(2019)은 작가가 선택한 다양한 작품(사진)과 관련된 이미지들이 작가의 해석에 따라 다소 엉뚱하게 배치한 작업으로, 우리에게 익숙한 미술관이 인위적으로 주입된 틀이 아닌지에 대한 문제의식을 제기한다. ‘석가모니의 열반’이라는 종교적 사건과 동시대 재난인 ‘후쿠시마 원전 사고’를 하나의 담론으로 엮어 낸 55분짜리 영상 <늦게 온 보살>(2019)은 재난 이후 우리 사회에서 미술 언어가 가질 수 있는 가능성을 비판적으로 성찰한다. 또한
실제 전시실의 1:25 배율 축소모형으로 만든 <5전시실>(2019)은 관객들을 다시 액자 밖으로 끌어내 관객들로 하여금 전시장 전체를 조망하게 하고, 전시를 관람하는 행위를 새롭게 바라보게 한다. 한편 전시실 중앙에 넓게 펼쳐진 <해인(海印)>(2019)에서는 5주간 전시 주제와 관련된 각 분야 전문가들을 초빙하여 강연과 토론이 진행될 예정이다. 전시가 곧 미술에 관한 대화를 나누는 ‘모임’이 되는 이번 전시는 오는 2020년 2월 23일까지 계속된다.

Park Chan-kyong, selected as the artist of the MMCA Hyundai Motor Series 2019, is the subject of a solo exhibition titled MMCA Hyundai Motor Series 2019: Park Chan-kyong - Gathering at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (hereafter MMCA), from October 26, 2019. The MMCA Hyundai Motor Series, hosted by the MMCA and sponsored by the Hyundai Motor Company, is a decade-long art project that organizes annual exhibitions of established Korean artists since its launch in 2014. Park Chan-kyong is the sixth artist to have been selected for the series, following the exhibitions of Lee Bul (2014), Ahn Kyuchul (2015), Kimsooja (2016), IM Heung-soon (2017), and CHOIJEONGHWA (2018). Park’s work examines the Korean society, framing the rapid socioeconomic development of the past century while chronicling the often reckless pursuit of Western modernization and economic growth, through subjects including mythology, traditional religions, and the Cold War. For this exhibition, Park questions and critically examines the history and significance of conventionalized westernization of art institutions in Korea and the rest of East Asia.

In this exhibition, Park presents eight new works including the highlight piece Belated Bosal, along with one existing work. Incorporating a ‘frame structure’ that both metaphorically and architecturally manifests itself throughout the exhibition, this exhibition prompts the audience to reexamine art history and art institutions through an unfamiliar perspective. The viewer first encounters Small Museum of Art (2019) which includes photographic reproductions of selected artworks rearranged in an unconventional manner, questioning whether the underlying criteria of the conventional museum setting is a contrived framework implanted in the ways in which we view institutions. Belated Bosal (2019) is a 55-minute film which combines the story of the Buddha’s nirvana with the Fukushima Daiichi nuclear disaster, critically examining the potential of an art-language that can be put into practice amidst our society in the aftermath of disasters. Gallery 5 (2019) is a 1/25 miniature model of Gallery 5 in the MMCA Seoul (where Park’s show is held). The model encourages audiences to survey the entirety of the exhibition space and thus reflect on the act of viewing the exhibition. The Water Mark (2019), an installation of 16 cement panels sprawled out on the floor, will serve as the gathering place for lectures and conversations by experts on pertinent subjects that construct the show.. This exhibition, which gestures a gathering where elements of a single show come together to create discussions on art, will remain on view through February 23, 2020.


[Source from the MMCA press release and website]


 
 
3 아니쉬 카푸어(Anish Kapoor), 카파(CAFA) 미술관과 자금성 박물관에서 중국 첫 대규모 개인전 《Anish Kapoor》 개최

Installation view at Central Academy of Fine Arts Museum

전시작가: 아니쉬 카푸어(Anish Kapoor)
전시기간: 2019년 10월 25일(금) – 2020년 1월 1일(수), 카파(CAFA) 미술관
             2019년 11월 10일(일) – 2019년 12월 28일(토), 자금성 박물관
전시기관: 중국 베이징 카파 미술관(Central Academy of Fine Arts Museum), 중국 베이징 자금성 박물관(Taimiao Art Museum of Imperial Ancestral Temple)
웹사이트: https://anishkapoorbeijing.com/en.html

현대미술의 거장 아니쉬 카푸어의 중국 첫 대규모 개인전 《Anish Kapoor》가 베이징 카파(CAFA) 미술관과 자금성 박물관 두 곳에서 각각 2020년 1월 1일, 2019년 12월 28일까지 열린다. 지난 35년간의 작업을 총망라하는 이번 개인전은 카파 미술관 부회장 수신핑(Su Xinping)이 예술감독을, 카파 미술관 관장 장지캉(Zhang Zikang)이 큐레이팅을 맡았다. 재료의 물성과 비정형적 형태를 통해 정신적, 본질적인 영역을 탐구하는 작업을 전개해온 아니쉬 카푸어는 이번 전시에서 중국의 문화유산과 만나 새롭게 재해석되며 고유한 작품세계를 펼쳐 보인다.

먼저 카파 미술관에는 거대 설치작품 4점과 실제 작품의 미니어처 크기로 만들어진 작품 5점이 전시된다. 전시장에서 가장 먼저 만나게 되는 <Symphony for a Beloved Sun>(2013)은 지난 2013년 베를린 마틴 그로피우스 바우 미술관에서 처음 공개된 거대 설치 작품이다. 컨베이어 벨트에서 끊임없이 운반되는 조각들 위로 태양을 연상시키는 거대하고 붉은 원이 떠있는 작품은 관객들로 하여금 이러한 움직임을 가능케 하는 절대적이고 신비한 존재를 떠올리게 한다. 또한 외부와 내부의 경계가 모호한 유기적 형태의 작품 <Sectional Body preparing for Monadic Singularity>(2015)는 관객의 신체와 공간 사이의 경계를 허물며 물질의 한계를 뛰어넘는 정신성을 은유적으로 표현한다.

자금성 박물관으로 이어지는 본 전시에서는 스테인리스와 안료 조각들이 중국의 유서 깊은 공간과 조화를 이룬다. 전시장 중앙에는 스테인리스 철 덩어리 작품 두 점 <S-Curve>(2006)과 <C-Curve>(2007)가 나란히 전시된다. 원형의 곡선을 통해 기하학적인 입체의 형태를 취하는 작품은 공간을 반사, 왜곡, 그리고 전환시키며 관객들과 신체적, 정신적인 교감을 이끌어낸다. 또한 기하학적 오브제 위에 원색의 가루 안료를 뿌린 작가의 초기작 <1000 Names> 연작(1979-1982)과 <Angel>(1990) 등의 작품들도 함께 선보인다. 형태와 공간 사이의 상호 작용을 보여주는 아니쉬 카푸어의 이번 전시는 중국 관객들에게 물질을 뛰어넘는 숭고한 사유의 경험을 선사한다.


The celebrated contemporary artist Anish Kapoor is the subject of a major solo exhibition eponymously titled Anish Kapoor at the Central Academy of Fine Arts (hereafter CAFA) Museum and Taimiao Art Museum of the Imperial Ancestral Temple in Beijing through January 1, 2020, and December 28, 2019, respectively. The exhibition, which brings together some of the artist’s most significant and celebrated works from the last thirty-five years, is directed by Su Xinping, Vice President of the CAFA, and curated by Zhang Zikang, Director of the CAFA Art Museum. Engaging the physicality of materials and non-linear forms to conjure powerful metaphors about the body, existence, and spirituality, Anish Kapoor’s unique artistic practice will be reinterpreted and unfold against the backdrop of this important Chinese cultural heritage site.

In the CAFA Museum, Kapoor presents 4 monumental installations and 5 architectural scale models from his practice over the past few decades. Of his installations, the audience first encounters Symphony for a Beloved Sun (2013), previously exhibited at the Martin-Gropius-Bau, Berlin, in 2013. The work deposits bricks of red wax along several ascending conveyor belts and this system watched over by a vast, red sun that hovers above the scene. This invisible machine allows the viewer an opportunity to commune directly with the mysterious entity. Sectional Body preparing for Monadic Singularity (2015) explores the relationship between the interior and exterior. By collapsing the boundaries between the space and the body, the work conjures metaphors about spirituality which transcend the limits of materiality.

The exhibition continues across Beijing at the Taimiao Art Museum of Imperial Ancestral Temple, where a series of stainless steel and pigment sculptures are in conversation with the architecture and spiritual history of the site. The central atrium of the building presents two of Kapoor’s steel works titled S-Curve (2006) and C-Curve (2007), installed abreast of one another. Together these works morph from concave to convex, reflecting, twisting, and converting the space and generating a physical and spiritual experience in the viewer. The exhibition also presents 1000 Names (1979-1982) from Kapoor’s early pigment series which alludes colors to have material presence, along with subsequent works from the same series including Angel (1990). Kapoor’s first solo exhibition in China, this show presents a mutual interaction between form and space, giving rise to a sublime and poignant experience that transcends physicality.

[Source from Anish Kapoor in Beijing website]


 
 
4 김수자, 프랑스 푸아티에(Poitiers)에서 프로젝트 《여정 / 김수자(Traversées / Kimsooja)》 개최

Kimsooja, To Breathe, 2019, a site-specific installation at Tour Maubergion at Palais des duc d'Aquitaine, Poitiers, France. mirror, artist's performance sound 'The Weaving Factory, 2004-2013'. Courtesy of Ville de Poitiers for Traversées/Kimsooja and Kimsooja studio.

전시작가: 김수자(Kimsooja)
전시기간: 2019년 10월 12일(토) – 2020년 1월 19일(일)
전시장소: 프랑스 푸아티에(Poitiers) 시 전역
예술감독: 엠마 라비뉴(Emma Lavigne), 엠마뉴엘 드 몽가종(Emmanuelle de Montgazon)
초대 작가: Sammy Baloji (콩고민주공화국/벨기에), Myriam Boucher (캐나다), Compagnie l’Homme Debout (프랑스), Ensemble 0 (프랑스), Taylor Deupree (미국), Thomas Ferrand (프랑스), Subodh Gupta (인도), Jung Marie (한국), Lenio Kaklea, (프랑스/그리스), Tadashi Kawamata (일본/프랑스), Lee Mingwei (대만/프랑스), Min Tanaka (일본), Tomoko Sauvage (프랑스/일본), Achilleas Souras (영국/그리스), Stephen Vitiello (미국), Rirkrit Tiravanija (독일/태국) 
웹사이트: https://www.traversees-poitiers.fr/


현대미술가 김수자는 2019년 10월 12일부터 2020년 1월 19일까지 프랑스 푸아티에(Poitiers) 시가 주관하는 《여정 / 김수자(Traversées / Kimsooja)》 프로젝트의 첫 번째 에디션에 참가한다. 《여정》은 유구한 역사를 자랑하는 도시인 푸아티에 시를 감각적 경험의 장으로 변모시키고자 고안된 문화예술 프로젝트로, 푸아티에 시장과 전(前) 루브르 관장이자 지난 2015년 한불 50주년 예술축제를 총감독한 바 있는 앙리 루와렛(Henri Loyrette)이 비엔날레의 형식으로 창설한 전시다. 첫 번째 《여정》을 책임질 대표작가로 선정된 김수자는 자신 뿐 아니라 16인의 다른 예술가들을 초대해 각자의 시선으로 푸아티에 시를 재해석하게끔 하였다. 이로써 방문객은 작가의 눈과 신체, 새로운 관점으로 매개된 이 도시를 다시 보게 된다.

김수자는 한반도의 DMZ 근처에 거주하며 지속적으로 국경이라는 경계에 노출된 채 ‘노마드 가족원’으로 지냈던 유년기의 경험을 바탕으로, ‘여정’이라는 개념을 넓은 맥락에서 접근하여 그 진리와 미학을 고찰한다. 푸아티에 시의 랜드마크인 아끼뗀 공작 궁전(Palais des ducs d’Aquitaine)에 설치된 불투명한 굴절 필름으로 포장한 창문과 거울을 활용한 작업 <숨쉬기(To Breathe)>는 일대 주변 공간을 변모시키는데, 이로써 주위 환경은 세상의 고난에 의해 헤진 신체를 보호하는 일종의 섬세한 가죽으로 탈바꿈한다. 또한 민 타나카(Min Tanaka)는 공간을 춤추게 하고(dance the place), 레니오 카클리(Lenio Kaklea)는 지역민들의 제스처와 의례를 안무로 연출하며, 스티븐 비티엘로(Stephen Vitiello), 토모코 소바지(Tomoko Sauvage), 미리암 보처(Myriam Boucher)의 작품에서 흘러나오는 사운드는 관람객을 더욱 친밀한 성찰의 장으로 초대한다.

이번 전시는 현 사회가 시민들의 이주 패턴에 예민하게 반응하는 오늘날, 여행 및 강제 이동 등의 현상을 추동하는 요소들을 고찰한다는 점에서 더욱 의미 있다. 김수자처럼 끊임없이 이동의 상태에 놓인 작가에게 푸아티에는 잠시 보따리를 풀어놓을 수 있는 피신의 장소로 기능한다. 김수자의 세상이 담긴 보따리와 소통하기 위해 타다시 가와마타(Tadashi Kawamata) 등 여타 작가들 역시 자신만의 고치(cocoon)를 제작했고, 특히 아킬리 소라(Achilleas Souras)는 구명조끼로 이글루를 만들었다. 이 같은 작업을 통해 《여정 / 김수자》는 참여 작가들에게 여행을 타자성과 환대를 동시에 경험할 수 있는 활동으로 바라보는 창의적인 워크샵을 제공한다. 이는 김수자로 하여금 “나와 타자의 관계에 대해 고민”하도록 이끈 “경계, 그리고 그 이면에 사는 이들에 대한 생각들”과도 공명하는 지점이다.

The renowned Korean contemporary artist Kimsooja has been invited to curate and participate in the first edition of Traversées / Kimsooja in the city of Poitiers, France, through January, 19, 2020. Traversées is a cultural and urban heritage project of Poitiers devised in order to transfigure the city into a space of sensory experience, created in the form of a biennale by the Mayor of Poitiers and Henri Loyrette, former Chairman and Director of the Louvre Museum. Kimsooja, invited for the first edition of Traversées, has not only installed her works throughout the city but is also joined by 16 other artists of all backgrounds and ages, who have inspired Kim and with whom she shares a strong affinity. Traversées / Kimsooja offers viewers a fresh perspective into the city by adopting Kimsooja’s eye, body, and vision.

Kimsooja, rooted in her childhood as a member of a nomadic family along with her experiences of living near the DMZ (demilitarized zone) area, explores the notion of traversées” in a broader context to find the truth and aesthetics within it. Installed in the Palais des ducs d’Aquitaine, To Breathe disorients the viewers by the effect of the mirrored floor and film that diffracts the sunlight and bathes the interior within. This work offers shared vessels for beleaguered bodies, worn down by the inconsistencies of the world. Kimsooja’s work is complemented by those of other artists: Min Tanaka “dances the place,” Lenio Kaklea uses regional gestures and rituals as the starting point for a choreographic work, and audio from Stephen Vitiello, Tomoko Sauvage, and Myriam Boucher’s works invite viewers to a sense of familial bond and intimacy.

With the issue of migration occupying a central place in society, the Traversées project questions the factors behind the acts of travel and movement. Poitiers becomes another refuge to Kimsooja where she could unpack her possessions. In dialogue with Kimsooja’s bottari, which acts as a vessel for the artist’s world, other invited artists have created their unique versions of cocoons (or agents for wrapping), including Tadashi Kawamata’s Nest and Achilleas Souras’ emergency igloo made out of life jackets. As such, Traversées / Kimsooja invites artists into a creative workshop that sees a Traversées as a journey, an experience of otherness and hospitality. Traversées / Kimsooja presents a series of topics that resonate with Kimsooja’s work; according to the artist, “[m]y thoughts on borders and those living on the other side have led me to question the relationship between herself and the Other.”

[Source from Traversées / Kimsooja press release]
 
 
5 구본창, 한미사진미술관에서 개인전 《Incognito》 개최

Installation view at The Museum of Photography, Seoul, 2019

전시작가: 구본창(Koo Bohnchang)
전시기간: 2019년 10월 12일(토) – 2020년 1월 11일(토)
전시기관: 서울 한미사진미술관
웹사이트: http://www.photomuseum.or.kr/front/exhibitionPresentInfoView.do?no=182

한미사진미술관은 사진작가 구본창의 개인전 《Incognito》를 최근 개막해 2020년 1월 11일까지 선보인다. 구본창은 사진 매체의 가능성을 끊임없이 모색하며, 국내에서 사진이 현대미술의 주요 장르로 확고하게 자리매김하는데 유의미한 역할을 해왔다. 특히 1980년대부터 도시 곳곳에서 느껴지는 소외와 작가 자신에 대한 고민, 사라지는 과거의 흔적 등 사적인 경험을 통해 바라본 도시의 모습을 카메라에 담아왔다. 이번 개인전에서는 1980년대부터 현재에 이르기까지 작가의 사진세계를 한 눈에 조망할 수 있는 작품들이 전시된다.


구본창의 사진 작업들은 일상의 풍경은 물론 소소한 사건이 일어나는 도시에서의 경험을 작가의 정체성을 기반으로 보여준다. 사진에는 허름한 공간과 쓸쓸하면서도 해석이 모호한 풍경, 숨 가쁘게 압박하는 도시의 혼란, 이제는 사라졌을 도시의 기호들이 담겨있다. 작가가 멀리서 홀로 관찰하고, 시간과 흔적을 파편적 이미지로 재현한 작품들은 작가의 숨겨진 자아이자 그가 보는 세상이 된다. 한편 전시와 함께 발간된 사진집에는 작가의 컬러와 흑백 작품 55점, 스페인 독립 큐레이터 알레한드로 카스테요테(Alejandro Castellote)의 글이 수록되어 있다.

Koo Bohnchang is the subject of a solo exhibition titled Incognito, on view at The Museum of Photography, Seoul, through January 11, 2020. Throughout the course of his career, Koo's constant investigation into the possibilities of photography has played a pivotal role in establishing the medium as a major genre of contemporary art in Korea. Since the 1980s, Koo has photographed the urban landscape through the lens of his personal experiences including feelings of alienation in the city, concerns about his identity, and vestiges of a rapidly disappearing past. In this exhibition, a selection of Koo’s major works from the 1980s to the present are on view.

Deeply rooted in the artist’s personal identity, Koo’s photographs capture his experiences of the everyday scenery and the trivial incidents that occur in the city. The photographs depict dilapidated spaces, lonely yet ambiguous landscapes, the breathless chaos of the city, and tokens of bygone memories of what the city used to be. The artist observes quietly from afar and represents a fragmentary image of the time and traces that might disappear or have already, and these images construct Koo’s latent identity and the world that he perceives. A catalogue, which includes 55 color and black-and-white photographs and an essay by the Spanish independent curator Alejandro Castellote, has been published for the occasion of this exhibition.

[Source from The Museum of Photography website]


 
 
6 강서경, 서울시립 북서울미술관에서 어린이 전시 《사각 생각 삼각》 개최

Installation view at SeMA, Buk-Seoul Museum of Art

전시작가: 강서경(Suki Seokyeong Kang)
전시기간: 2019년 10월 8일(화) – 2020년 3월 10일(화)
전시기관: 서울시립 북서울미술관
웹사이트: https://sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?exNo=425582&glolangType=ENG&searchDateType=CURR&museumCd=ORG08

설치미술가 강서경의 개인전 《사각 생각 삼각》이 서울시립 북서울미술관에서 2020 3 10일까지 열린다. 《사각 생각 삼각》은 북서울미술관에서 열리는 열세 번째 어린이 전시로, 사각으로 대표되는 미술의 안에 각자의 생각을 담아서 미술과 그리고 다른 누군가 사이에 삼각의 대화를 불러일으키자는 기획 의도를 담고 있다. 전통을 재해석하는 고유한 작업을 꾸준히 전개해 강서경은 이번 전시를 통해 관람객으로 하여금 전통이란 무엇인지 생각해보고, 지금 내가 서서 바라보는 것들을 통해 나만의 이야기를 만들어가는 경험을 제시한다.

어린이갤러리 1은 풍류와 쉼의 공간인 ‘포석정’을 콘셉트로 꾸며진 공간으로, 강서경의 설치 연작 <정>, <자리>, <둥근 무게>등의 작품들이 구불구불한 길을 따라 전시되어 있다. 관람객은 길을 따라 걸으며 삼각형, 사각형, 원과 같은 기본 도형을 작품 속에서 발견하게 된다. 이어지는 갤러리 2에서는 영상 작업 <검은자리 꾀꼬리_움직임>을 보며 안무가의 움직임을 이해하고 따라해 볼 수 있는 체험 공간이 마련되어 있다. 영상 작업 속 움직임을 기록한 그림을 본 관람객은 준비된 책상에서 자신의 움직임 또한 그려볼 수 있다. 백지숙 서울시립미술관 관장은 이번 전시를 통해 “작가가 작품을 쌓고 감고 엮어 펼쳐 보이는 전시장 풍경 속에서 천천히 느린 발걸음으로 산책하며 나만의 이야기를 만들어 보기를 바란다”고 밝혔다. 한편 이번 전시에서는 전시와 작품에 대한 어린이의 이해를 돕는 워크북과 동화책 형식의 도록(공동출판 나선프레스)도 함께 공개된다.

Suki Seokyeong Kang is the subject of a solo exhibition titled Square, See, Triangle at the Children’s Gallery in the Buk-Seoul Museum of Art (hereafter Buk-SeMA) through March 10, 2020. Square, See, Triangle is the thirteenth edition of the museum’s Children’s Exhibition series. This exhibition encourages viewers to reflect on their existing thoughts and ideas within the prototypical square frame of art, and ultimately create a triangular dialogue amongst the viewer, the art, and others. Known for her works that explore and reinterpret various traditional forms and methodologies from Korean culture, Kang invites the viewer to reflect on the role of tradition today and create one’s unique story by viewing and interacting with the works on view in this show.

The installation in Children’s Gallery 1 revolves around the Poseokjeong, a stone water channel typically nestled in traditional Korean pavilions where aristocrats would gather to socialize and hold poetry recitals. A venue of refined taste and for leisure, the audience can walk along the undulating path that simulates the Poseokjeong and view Kang’s representative sculptural installations including Jeong, Mat, and Heavy Rounds. All works on view consist of basic geometric shapes such as the triangle, square, and circle, inviting the audience to consider these fundamental forms throughout the exhibition. The show then segues into Children’s Gallery 2, which introduces a video work titled Black Mat Oriole_movement and provides an interactive space in which viewers can comprehend and imitate the activator’s movements from the video. These movements can also be visually reinterpreted on the desks that are also placed in Children’s Gallery 2—the audience can draw their variations of activation by referring to the drawings that record the activator’s movements in the video. Baek Ji-sook, director of the SeMA, has anticipated for “the audience to create their own stories while slowly walking along the exhibition landscape with Kang’s works that have been stacked, wrapped, and woven.” In addition, two new catalogs, each taking the form of a workbook and a children’s storybook, have been co-published with Rasun Press in order to help children understand this exhibition and works within.

[Source from the SeMA, Buk-Seoul Museum of Art press release]


 
 
7 우고 론디노네뉴욕 소더비(Sotheby’s) 방광암 연구 기금 마련 자선 경매 개최

전시작가: 우고 론디노네(Ugo Rondinone)
경매날짜: 2019년 9월 26일(목), 프리뷰: 9월 19일(목) - 25일(수)
경매장소: 소더비(Sotheby’s), 뉴욕
참여작가: Joe Bradley, Carroll Dunham, Latifa Echakhch, John Giorno, Peter Halley, Shara Hughes, Sarah Lucas, Chris Martin, Adam McEwen, Oscar Murillo, Elizabeth Peyton, Ugo Rondinone, Bosco Sodi, Pat Steir, and Franz West
웹사이트: https://www.sothebys.com/en/auctions/2019/contemporary-curated-n10116.html

스위스 출신의 세계적인 현대미술가 우고 론디노네가 오는 9월 26일 뉴욕에서 소더비와 함께 방광암 연구 기금 마련 자선 경매 ‘STOP BLADDER CANCER’를 연다. “지난 2017년 방광암을 판정 받았지만, 나는 이 암에 대해 들어본 적도, 이 암에 걸린 사람을 본 적도 없었다.” 우고 론디노네는 미국에서만 한 해 249,800명이 방광암을 판정 받고 165,100명이 사망할 정도로 흔한 병임에도 정작 치료 연구를 위한 기금이 제대로 마련되지 못하는 상황에 주목하고, 소더비와 함께 방광암에 대한 인식 개선 및 기금 마련을 위한 자선 경매를 기획했다. 이에 오스카 무리조, 사라 루카스 등 동시대 미술 작가 14명도 주요 작품을 기증함으로써 이번 행사의 취지에 그 뜻을 함께 했다.

경매 작품을 확인할 수 있는 프리뷰는 9월 19일부터 25일까지 뉴욕 소더비에서 진행되며, 판매 수익은 모두 방광암 연구를 위해 뉴욕 웨일 코넬 의과대학(Weill Cornell Medical College)에 전달될 예정이다. 이번 자선 경매는 방광암을 널리 알리는데 기여할 뿐만 아니라, 방광암 연구를 위한 기금을 마련하고 치료법 발전에 유의미한 역할을 할 것으로 기대된다. ‘STOP BLADDER CANCER’ 자선 경매에 대한 세부 내용 및 입찰 등록 방법은 www.sothebys.com에서 확인할 수 있다.

The internationally acclaimed Swiss contemporary artist Ugo Rondinone has organized a benefit auction titled STOP BLADDER CANCER in order to raise funds for critical research on bladder cancer in collaboration with Sotheby’s on September 26, 2019, in New York. Rondinone writes, “in May 2017 I was diagnosed with high-grade bladder cancer. Like most people, I had never heard of it or known someone diagnosed with bladder cancer.” Noting that funds for research on bladder cancer is relatively low considering the high incident rate of bladder cancer with 429,800 new cases and 165,100 deaths in the United States in 2019, Rondinone decided to partner with Sotheby’s to support bladder cancer research and create awareness. Fourteen contemporary artists including Oscar Murillo and Sara Lucas have contributed significant works to the auction in support of this special cause.

The pre-sale exhibition will be open to the public from September 19 to 25 and all works sold will support critical funding for bladder cancer treatment research at Weill Medical College of Cornell University. This benefit auction will help create awareness about and motivate future funding for bladder cancer research with the intention of improving the treatment of bladder cancer. Further information on STOP BLADDER CANCER, including lots and directions to register for bids, can be found on www.sothebys.com.

[Source from STOP BLADDER CANCER press release]
 
 
8 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset), 노르웨이 키스테포스 박물관에서 설치 신작 <Point of View> 공개

Elmgreen & Dragset, Point of View – Part 2, installation view at Oslo’s Kistefos Museum, Norway. Photo: Benjamin Ward

전시 작가: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
전시 기간: 2019년 9월 18일(수)부터 영구 설치
전시 기관: 노르웨이 제브나케르 키스테포스 박물관 지구(Kistefos Museum) 키스테포스 조각공원, 더 트위스트 전시관
웹사이트: https://www.kistefosmuseum.com/sculptur/points-of-view-part-1
             https://www.kistefosmuseum.com/sculptur/points-of-view-part-2-1

엘름그린 & 드라그셋의 설치 신작 <Point of View> 2점이 9월 18일부터 노르웨이 키스테포스 박물관 지구에 전시된다. 장소 특정적 설치 작품으로 유명한 엘름그린 & 드라그셋은 일상에 만연한 사회적 클리셰와 문화 구조에 질문을 제기하는 작업을 전개해왔다. 작가는 이번에도 특히 예술 기관이라는 특정 공간 속에서 개인과 사회, 예술과 제도 사이의 경계를 탐구하는 작품을 선보인다.

제브나케르에 위치한 키스테포스 조각 공원 입구에 설치된 <Point of View – Part 1>은 한 남자가 공원 입구에 세워진 벽의 구멍을 통해 공원 내부를 엿보고 있는 형상의 조각으로, 사회적이며 교양적인 기관으로 여겨지는 예술 기관에 대한 기존 관념에 저항한다. 공원 안쪽을 따라 걷다 보면 같은 남자가 이번에는 유리를 통해 ‘더 트위스트’ 전시장 안을 들여다보고 있는 모습의 또 다른 조각 <Point of View – Part 2>를 만나게 된다. 전시장의 유리창은 건물 외부의 남자와 내부의 관객들이 서로의 존재를 바라보게 하는 장치인 동시에, 관객들로부터 이 문제의 남자를 소외 및 분리시키는 일종의 경계로 기능한다. <Point of View – Parts 1&2>는 작가의 기존 설치 작품인 <Forgotten Babies #2>, <Warm Regards>와 더불어 키스테포스 박물관에 영구 전시될 예정이다.

Elmgreen & Dragset have created two new installations titled Point of View for Kistefos sculpture park and museum in Jevnaker, Norway, on view from September 18, 2019. Known for their site-specific installations, Elmgreen & Dragset have been working on undermining the rigid system and cultural frameworks that are embedded in the society we live in. This display is a continuation of the artist duo’s survey navigating the boundaries between individualism versus the collective and art versus institutions within the setting of a museum.

Point of View – Part 1 is a sculpture installed at the entrance of the Kistefos sculpture park, depicting a lonely white male figure leaning against a free-standing fragment of a wall and peeking into the park through a hole in the wall, this work challenges the conventions of the art institution as a cultural and social setting. As viewers walk through the park, a sculpture of the same male figure titled Point of View – Part 2 appears, this time peering directly into The Twist gallery through a glass window. The glass window acts as a device with which the audience looks onto the figure and vice versa, at the same time reinforcing the boundary between the audience and the lone man, further marginalizing the latter. Point of View – Parts 1&2 will be permanently displayed at Kistefos sculpture park and museum with the artist duo’s other works previously installed there, titled Forgotten Babies #2 and Warm Regards.

[Source from Kistefos website]


 
 
9 양혜규, 제 16회 이스탄불 비엔날레 《The Seventh Continent》에 참가

Installation view of The Seventh Continent, 16th Istanbul Biennial 2019, Turkey, 2019. Photo: Sahir Uğur Eren

전시작가: 양혜규(Haegue Yang)
전시기간: 2019년 9월 14일(토) – 2019년 11월 10일(일)
전시기관: 터키 이스탄불 미마르 시난 미술 대학교, 페라 박물관, 뷔위카다 섬 
웹사이트: https://bienal.iksv.org/en/16th-istanbul-biennial/the-seventh-continent

양혜규는 지난 9월 14일 터키 이스탄불에서 공식 개막한 제 16회 이스탄불 비엔날레 《The Seventh Continent》에 참가한다. 전세계 26개국, 56명의 작가가 참가하는 이번 비엔날레는 2008년부터 이스탄불 비엔날레를 이끌고 있는 비제 오레(Bige Örer)가 총감독을 맡고, 2014년 타이베이 비엔날레부터 양혜규와 인연을 맺은 몽펠리에 라 파나세 현대예술센터 관장 니콜라 부리오(Nicolas Bourriaud)가 큐레이터로 활약한다. 

이스탄불 비엔날레는 터키 면적 5배 규모의 쓰레기가 모여있는 태평양 한가운데의 공간을 가리키는 ‘7번째 대륙(The Seventh Continent)’을 주제로, 예술을 통해 인간과 자연이 공존할 수 있는 해법을 제시한다. 흔히 연관성 없다고 여겨지는 사건 및 인물들을 특유의 축약과 상징으로 엮어내는 작업을 전개해온 양혜규는 이번 비엔날레에서도 자연과 인간, 인류와 문명간의 관계를 다원적 관점에서 바라보고 새로운 가능성을 제시한다.

전시장에서 작가는 공간 전면을 감싼 벽지 작업, 조각물들, 그리고 소리, 연기 등 감각을 일깨우는 촉매적인 요소들을 선보인다. 먼저 독일의 그래픽 디자이너 마누엘 래더(Manuel Raeder)와의 협업으로 지난해 처음 공개된 <배양과 소진> 시리즈는, 현재 개인전이 진행 중인 국제갤러리를 거쳐 이번 비엔날레에서 <배양과 소진 – 이스탄불 편>으로 재탄생해 선보인다. 메두사, 천사 등의 모티프가 시사하는 고대 문화와 근현대 이후 산업문화의 사물들을 예측불허로 병치-배열한 벽지 작업을 통해 작가는 과거와 현재, 자연과 문명을 유기적으로 결합한다. 또한 벽지 작업 앞에 설치된 <중간 유형> 조각들은 시간을 초월하여 존재하는 전승문화의 흔적을 담고 있다. 한편 전시장에서 끊임없이 흘러나오는 새소리는 지난 2018년 남북 정상회담에서 남북한의 지도자가 도보다리 끝에 앉아 담소를 나누는 장면에서 포착한 음향으로, 카메라 셔터 소리와 새들이 지저귀는 소리를 통해 기술과 정치, 자연과 인간, 역사와 일상 등이 서로 조우할 수 있는 가능성을 시사한다. 제 16회 이스탄불 비엔날레는 오는 11월 10일까지 진행된다.

Haegue Yang participates in The Seventh Continent, the 16th Istanbul Biennial which takes place in various parts of Istanbul, Turkey, from September 14, 2019. Under the direction of Bige Örer, who has been the director of the Istanbul Biennial since 2008, and curated by Nicolas Bourriaud, the director of MOCO Montpellier Contemporain who has worked with Haegue Yang since Taipei Biennial 2014, this edition includes works by 56 artists and collectives from 26 countries. 

The Seventh Continent refers to an island of waste in the Pacific Ocean that is five times larger than the land mass of Turkey. This edition of the Istanbul Biennial aims to present art that facilitates dialogue between human and nature, proposing a harmonious coexistence of both parties. Known for her experimental interpretation of tracing the paths of seemingly unrelated historical figures and events, Yang develops a pluralistic approach in order to find new possibilities between human and nature, mankind and civilization. 

For her installation at the biennial, Yang introduces wallpaper covering all the walls, sculptures, and catalytic elements that stimulate the senses including sound and fog. Immediately surrounding the viewer as they enter into the space, Incubation and Exhaustion – Version Istanbul is a new variation of the wallpaper work Incubation and Exhaustion made in collaboration with the German graphic designer Manuel Raeder and first introduced last year. Incubation and Exhaustion is currently on view for Yang’s solo exhibition titled When The Year 2000 Comes at Kukje Gallery. The Istanbul version organically juxtaposes the past and present, nature and civilization by unpredictably arranging an eclectic array of elements from Medusas and “feathered” angels to postmodern industrial technology. Surrounded by the wallpaper, The Intermediates signify traces of folkloric culture that transcends time and still exists today. Moreover, the birdsong emanating through the space are excerpts from the broadcast of the Inter-Korean Summit held in 2018. The footage captures the leaders of the two Koreas sitting together at the end of a footpath speaking privately at a distance, but only contains audio elements of birds chirping, along with the footsteps and faint shutter sounds of journalists from all over the world. The audio from this historical meeting is incorporated into the artist’s installation, in which dichotomies—technology versus politics, human versus nature, and history versus everyday life—are collapsed. The 16th Istanbul Biennial will be held through November 10.

[Source from the 16th Istanbul Biennial press release]
 
 
10 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset), 내셔 조각센터에서 개인전 《Sculptures》 개최

Installation view at Nasher Sculpture Center, Dallas, US. Courtesy of the artists and Nasher Culpture Center. Photo: Kevin Todora

전시작가: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
전시기간: 2019년 9월 14일(토) – 2020년 1월 5일(일)
전시기관: 미국 댈러스 내셔 조각센터(Nasher Sculpture Center)
웹사이트: https://www.nashersculpturecenter.org/art/exhibitions/exhibition/id/662?elmgreen--dragset-sculptures

스칸디나비아 출신의 작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋의 개인전 《Elmgreen & Dragset: Sculptures》가 미국 댈러스 내셔 조각센터(Nasher Sculpture Center)에서 2020년 1월 5일까지 열린다. 현대를 사는 우리를 둘러싼 익숙한 공간과 문화구조, 그리고 고착화된 관념에 대해 끊임없이 자문하고, 특유의 위트와 비판정신으로 새롭게 재해석해온 엘름그린 & 드라그셋은 이번 전시에서도 내셔 조각센터 곳곳에 신선한 통찰력을 불어넣는 다양한 작품들을 공개한다. 

이번 전시의 대표 작품 <Watching>은 한 남자가 높은 의자 위에 앉아 쌍안경을 통해 무언가를 보고 있는 형태의 조각으로, 관람객들로 하여금 남자가 무엇을 보는지 궁금해하되 그의 눈높이에 도달할 수 없는 근본적인 한계에 봉착하게끔 만든다. 또 다른 작품 <One Day>는 진열된 소총에 자연히 이끌리는 어린아이의 형상을 통해 파괴적인 힘을 향한 인간 본연의 욕구를 드러낸다. 또한 지난 2001년 이스탄불 비엔날레에서 공개되었던 <Traces of a Never Existing History>가 미술관 야외 공간에 설치되어 새롭게 선보인다. 이번 전시를 기념하여 발간된 도록 『Elmgreen & Dragset: Sculptures』에는 작품뿐 아니라 에세이, 인터뷰 등 엘름그린 & 드라그셋의 작업세계를 담은 다양한 콘텐츠들이 수록되어 있다. 

The Scandinavian artist duo Elmgreen & Dragset is the subject of a solo exhibition titled Elmgreen & Dragset: Sculptures at the Nasher Sculpture Center in Dallas, Texas, U.S. through January 5, 2020. Elmgreen & Dragset reinterpret familiar spatial and cultural structures that surround us in modern times with criticality and subversive wit. For this show, the duo introduces a large selection of sculptures that employ both humor and poignant sarcasm.

One of the highlighted works of this exhibition, Watching depicts a young man sitting on a lifeguard chair, peering through binoculars. In the process of viewing him, viewers conjure up what he is seeing through the binoculars in their own imaginations, yet viewers will never be able to assume the position of the young man, since he is already occupying it. Another work, One Day, a sculpture of a young boy drawn instinctively to a rifle mounted in a display case, portrays the human desire towards means of power and survival. Meanwhile, Traces of a Never Existing History, originally commissioned as part of the 2001 Istanbul Biennial, is newly installed in the garden of the Nasher Sculpture Center. In conjunction with the exhibition, the Nasher Sculpture Center has also published Elmgreen & Dragset: Sculptures, an illustrated catalogue which will be the first appraisal of the duo’s sculptural oeuvre, complete with essays and interviews. 

[Source from the Nasher Sculpture Center press release and website]
 
 
11 2018 발로아즈 상 수상자 강서경, 무담 룩셈부르크에서 개인전 《Suki Seokyeong Kang》 개최

Suki Seokyeong Kang, Rove and Round - face, mat, belly #18-01, 2016–2018, assembled units, painted steel, thread on dyed mesh laundry bag, thread, wood frame, brass bolts, leather scraps, wheel, 82.7 x 65.9 x 158 cm. Collection Mudam Luxembourg | Donation 2018 – Baloise Group
Photo: Kyoungtae Kim


전시작가: 강서경(Suki Seokyeong Kang)
전시기간: 2019년 8월 31일(토) – 2020년 4월 1일(수)
전시기관: 무담 룩셈부르크(Mudam Luxembourg)
웹사이트: https://www.mudam.com/exhibitions/suki-seokyeong-kang

지난해 아트바젤의 발로아즈 상(Baloise Art Prize)을 수상하며 세계 미술계의 주목을 받고 있는 강서경의 개인전 《Suki Seokyeong Kang》이 무담 룩셈부르크(Mudam Luxembourg)에서 내년 4월 1일까지 열린다. 무담 룩셈부르크는 2015년부터 매년 발로아즈 수상작을 전시하고 있으며, 강서경은 이 곳에서 전시를 여는 4번째 수상 작가다. 회화, 설치, 영상 등을 조화시킨 독창적인 작업으로 유명한 강서경은 개인사에서 추출한 서사적인 주제를 바탕으로 작업을 전개해오고 있다. 미술관 조각 공원에 마련된 이번 전시에서는 <그랜드마더 타워> 연작과 <둥근 유랑> 연작이 공개된다.

<그랜드마더 타워 – 토 Tow #18-01>은 작가 본인의 할머니에 대한 기억을 주제로 한 작품으로 보행기, 철, 실 등의 재료를 사용하여 위태롭지만 아름다운 할머니의 신체 및 존재감을 형상화했다. 또한 작가의 신체를 모티프로 한 <둥근 유랑 – 얼굴, 자리, 배 #18-01>은 역설적인 제목에서 나타나듯 유랑이란 멀리 떠나는 것이 아니라 계속 자신의 자리를 돌고 도는 것이라는 의미가 담겨있는 작품이다. 작가는 불안하고 위태롭지만 균형을 찾아가는 신체의 모습을 통해 사회 안에서 자신의 위치와 영역을 지키며 살아가는 개인의 모습을 그려낸다. 관객을 작품 주체로 초대하여 참여자가 직접 움직임을 보여주는 ‘액티베이션(Activation)’은 오는 9월 28-29일, 10월 12-13일, 19-20일에 걸쳐 전시장에서 진행될 예정이다.
 
Suki Seokyeong Kang is the subject of a solo exhibition eponymously titled Suki Seokyeong Kang at Mudam Luxembourg through April 1, 2020. The winner of the Baloise Art Prize at Art Basel in 2018, Kang is the fourth artist to enter Mudam’s collection with the support of the Baloise Group since the museum became a partner of the Prize in 2015. Known for her works that encompass paintings, installation, and video, Kang has been working on narrative themes extracted from her personal history. In this exhibition, Kang presents new works centered around the Grandmother Tower and Rove and Round series for the museum’s Sculpture Garden.

Conceived as sculptural portraits of Kang’s grandmother, Grandmother Tower – Tow #18-01 visualizes her late grandmother’s precarious yet beautiful body and presence utilizing materials such as walkers, steel, and thread. Rove and Round – face, mat, belly, #18-01, as can be inferred from the paradoxical title, employs the artist’s own body as a motif that signifies the fact that roving is not about embarking on a journey afar, but rather circling within one’s place. Such works portray how individuals occupy space and time as they come together to interact in society while maintaining their position within. Throughout the duration of the exhibition, performances (or “activations” to use the artist’s terminology) of movements alongside the artworks are scheduled for September 28-29, October 12-13, and October 19-20.

[Source from Mudam Luxembourg press release]
 
 
12 장-미셸 오토니엘, 프랑스 Château La Coste에서 설치 프로젝트 Îles Singulières 공개

(Left) La Ligne Infinie at Château La Coste. Photo: WE ARE CONTENTS
(Right) Île Singulière at Château La Coste. Photo: WE ARE CONTENTS

전시작가: -미셸 오토니엘(Jean-Michel Othoniel)
전시기간: 2019 8 23() – 2019 11 22()
전시기관: 프랑스 Château La Cost
웹사이트:
https://chateau-la-coste.com/en/jean-michel-othoniel-iles-singulieres/

프랑스를
대표하는 현대미술가 장-미셸 오토니엘의 설치 프로젝트 《Îles Singulières》가 와이너리이자 현대 미술품을 선보이는 엑상프로방스 소재의 샤토 코스테(Château La Coste)에서 오는 11월 22일까지 전시된다. 자가 증식하는 세포처럼 유기적이며 생명력이 넘치는 작품으로 유명한 오토니엘은 유황이나 왁스, 유리와 같은 가역적이고 반사되는 성질의 재료들을 꾸준히 연구해오고 있다. 오랜 재료 탐구의 결과이기도 이번 전시에서는 작가의 대규모 설치 신작 2점이 세계적인 이탈리아 건축가 렌조 피아노(Renzo Piano)가 새롭게 설계한 공간에 설치된다.

장-미셸 오토니엘의 각기 다른 설치 작품 2점 중 먼저 만나게 되는 <La Ligne Infinie>는 푸른색 유리와 금속 벽돌로 구성된 60미터 길이의 작업으로, 관객들로 하여금 마치 물이 흐르는 수로를 보고 있는 듯한 착각을 불러일으킨다. 길을 따라 이어지는 이 작품은 건축가가 고안한 선형적인 형태의 건축물 및 공간과 완벽한 조화를 이룬다. <La Ligne Infinie>를 따라가다 보면 두 번째 설치 작품인 <Île Singulière>를 마주할 수 있다. 직사각형의
푸른색 유리 조각 위로 떠 있는 듯한 형태의 금속 벽돌로 이루어진 이 작품은 신비로운 섬과 같은 공간으로 보는 이들을 이끈다. 특히 이번 설치 프로젝트는 현대 건축에 대한 작가의 관심이 반영되어 건축적 차원으로까지 확장되었을 뿐만 아니라 관객들의 감각과 적극적으로 소통한다.

The renowned French contemporary artist Jean-Michel Othoniel has created a site-specific commission titled
Îles Singulières for Château La Coste in the city of Aix-en-Provence, a French vineyard and a celebrated venue for contemporary art, on view through November 22, 2019. Known for his organic works that depict the vitality of nature through material, Othoniel has explored a diverse range of mediums including sulfur, wax, and glass, all of which are inherently reversible and reflective. Following the artist’s extensive and devoted research on materials, in this project Othoniel presents two large-scale installations within the international Italian architect Renzo Piano’s newly conceived linear architecture for Château La Coste.

Of Othoniel’s installations, the viewer first encounters
La Ligne Infinie, a 60-meter-long brick wall composed of glass and steel bricks in which one can imagine water flowing through it. This extraordinary linear configuration works in conversation with the architecture and site conceived by Piano. Following the end of long brick wall, the viewer comes face to face with the second installation titled Île Singulière. Evocative of a mysterious island, the silver mirrored bricks float on top of a rectangular sea of blue bricks. In this project Othoniel extends his work into the architectural dimension, not only reaffirming his interest in contemporary architecture but also extending a multisensory dialogue with the audiences.

[Source from Château La Coste press release and Forbes
 article]



 
 
13 박미나, 홍콩 Over the Influence 갤러리에서 개인전 《Scream 개최


Installation view at Over the Influence, Hong Kong

전시작가: 박미나(MeeNa Park)    
전시기간: 2019년 7월 5일(금) – 2019년 8월 9일(금)
전시기관: 홍콩 Over the Influence 갤러리
웹사이트: http://overtheinfluence.com/exhibitions/meena-park-scream/
     
박미나는 홍콩 오버 더 인플루언스 갤러리에서 개인전 《Scream》을 오는 8월 9일까지 선보인다. 우리가 은연중에 체득하는 규칙이나 가치관 등의 작동 시스템을 이미지, 도상, 색채 등 시각적으로 구현하는 박미나는 현대사회에 녹아있는 레디 메이드(ready-made) 구조물을 흥미롭게 탐구한다. 작가는 초기 작업 <Orange Painting>(2002-2003) 이후 도상과 시각적 상징의 기원과 영향에 대해 연구해 왔다. 시장에서 쉽게 구할 수 있는 페인트 색이나 딩벳(Dingbat) 기호와 같은 시각적 언어들을 캔버스에 다시 그려냄으로써 통념적 상징을 새롭게 해석한다.
     
박미나의 <Scream>은 미국 만화가 찰스 슐츠(Charles Schulz)의 캐릭터인 찰리 브라운을 하나의 아이콘으로 추상화하여, 비명 지르는 행위와 입에서 나오는 음파를 다양한 색깔의 그라데이션으로 시각화한 작업이다. 아이콘을 처음 도입한 2005년에는 찰리 브라운이 아닌 에드바르트 뭉크의 <The Scream>과 할리우드 영화 <The Scream>을 염두 했으나, 만화 캐릭터 찰리 브라운과의 유사점이 계속 언급되자 만화 <피너츠(Peanuts)>를 참조하기 시작했다. 이후 박미나는 비명을 지르는 인물과 하트 모양을 기본으로 하되, 새로운 변화를 시도했다.  작가는 이러한 자신의 작업 방식을 하나의 주제에서 고음과 저음이 모방 반복되는 음악적 형태인 푸가(fugue)로 설명한다. 박미나는 <Scream> 시리즈를 통해 무한한 변이의 주제를 탐구하고, 계속해서 더 많은 의미를 찾아내고 있다.

MeeNa Park is the subject of a solo exhibition titled Scream, on view at Over the Influence in Hong Kong through August 9, 2019. Park visualizes the rules and values that we learn implicitly as images, icons, and colors, exploring ‘ready-made’ structures found in contemporary society. Since her early work Orange Painting (2002-2003), Park has explored the origin and the influence of icons and visual symbols. Such visual languages, including paint colors readily available in the market or dingbat font symbols, are redrawn onto the canvas in order to produce a new narrative interpretation of the original icon. 

Park’s Scream abstracts the American cartoonist Charles Schulz’s signature character, Charlie Brown, into an icon, visualizing the act of screaming and portraying the sound waves from the character’s gaping mouth with various color gradations. When the artist first began to incorporate the screaming icon in 2005, Park’s original inspiration was from Edvard Munch’s The Scream and the classic Hollywood movie Scream. It was only after the audience’s repeated references to the cartoon character Charlie Brown that Park began to research the cartoon Peanuts. After two iterations of the Scream series, Park has introduced new variations to the screaming figure and heart symbol. The artist equates her series to a fugue, a musical form consisting of a theme repeated in higher or lower notes. This allows Park to delve into a subject with infinite variations, approaching it again and again in order to obtain deeper significance.

[Source from Over the Influence press release]


 
 
14 김홍석, 서울시립 북서울미술관 2인전 2019 타이틀 매치 김홍석 vs. 서현석 《미완의 폐허》 참가

Installation view at Buk Seoul Museum of Art

전시작가: 김홍석(Gimhongsok)
전시기간: 2019년 6월 28일(금) – 2019년 9월 15일(일)
전시기관: 서울시립 북서울미술관
웹사이트: https://sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?exNo=316544&glolangType=KOR&searchDateType=CURR&museumCd=ORG08

일상의 주제로 새로운 관점을 제시하는 개념 미술가 김홍석이 서울시립 북서울미술관 2인전 2019 타이틀 매치 김홍석 vs. 서현석 《미완의 폐허》에 참가한다. 김홍석은 신작 <인간질서(행성)>, <불완전한 질서개발(의지)>, <무제(흑회색 벽)>, <인간질서(노동법, 예술, 사랑을 위한 책상)>, <접기-190401>을 비롯해 <백육십팔 시간의 연극(하루도 아닌, 과거도 아닌 시간)>(2018), <걸레질-161122>(2016), <미스터 안녕이 미스터 안돼에게 인사하다>(2006) 등 구작을 함께 전시한다. 김홍석은 우리가 당연하게 믿어온 ‘완전함’, ‘완성’, ‘질서’에 대한 의심을 <인간질서 프로젝트>라는 주제 하에 ‘미완성’, ‘불완전함’이 주는 불편함을 드러내는 작업으로 풀어냈다. 관습적 ‘미’와 작품 개념 등 사회적 합의로 만들어진 기존 체계를 되돌아보며, 작가 스스로 미술의 범주라고 수용해온 것들에 대한 의심과 경계를 드로잉, 설치, 조각, 회화 등 다채로운 방식으로 보여준다.

2019 타이틀 매치 김홍석 vs. 서현석 《미완의 폐허》전에서 김홍석의 ‘미완’과 서현석의 ‘폐허’는 절대적 가치가 사라진 오늘날, 작가로서 혼란스러운 상황에 대한 솔직한 고백과 미술 행위에 대한 숙고의 과정을 드러내는 개념이다. 그것을 풀어내는 김홍석과 서현석의 작업 방식은 타이틀 매치에서 서로 매치하기 어려운 방향성을 지향하는 것처럼 보이지만, 두 작가는 “오늘날 미술이 유효할 수 있는 조건”에 대한 탐색을 바탕으로 입체적인 협업을 이룬다.

Gimhongsok is featured in the 2019 Title Match Gimhongsok vs SEO Hyun-Suk, a two-person exhibition titled Incomplete Ruins at the Buk-Seoul Museums of Art. Internationally acclaimed for his conceptual work that suggests novel perspectives through everyday ideas, Gim has exhibited his new works including Human Order(Planets), Incomplete Order Development(will), Untitled(the black and grey walls), Human Order(Desk of Labor Law, Arts, and Love), and FOLD-190401, along with his earlier works such as A 168-Hour Long Play(A time that is not confined in a day or the past) (2018), MOP-161122 (2016), and Mr. Hello greets Mr. No (2006). With work that reveals the discomfort evoked by ideas of “incompleteness” and “imperfection” under the overarching theme which the artist calls the Human Order Project, Gim challenges our blindly held belief in “completeness,” “perfection,” and “order.” and Reflecting on existing orders and structures that have been shaped by social consensus, including the conventional beauty standard or the idea of what art is and what it should do, the artist utilizes a diverse range of mediums including drawings, installations, sculptures, and paintings in order to disclose his suspicions of and wariness towards what he had formerly embraced as art.

With the guiding themes of Gimhongsok's "incompletion" and SEO Hyun-Suk's "ruins," the Incomplete Ruins traces the two artists' deliberations on the artistic practices of those who live in a world where the concept of absolute value has lost its meaning. While the practices of these two artists seem to point to two disparate directions, their Title Match presents a multi-dimensional collaboration in search for the "conditions that bolster the relevance of art today."

[Source from Seoul Museum of Art website]
 
 
15 권영우, 박서보, 이우환, 하종현, 미국 크랜브룩 미술관 그룹전 참가

Installation view at Cranbrook Art Museum, 2019, Photo: PD Rearick

전시작가: 권영우(Kwon Young-Woo), 박서보(Park Seo-Bo), 이우환(Lee Ufan), 하종현(Ha Chong-Hyun)
전시기간: 2019년 6월 22일(토) – 2019년 10월 6일(일)
전시기관: 미국 블룸필드 힐스 크랜브룩 미술관
웹사이트: https://cranbrookartmuseum.org/exhibition/landlord-colors/      

권영우, 박서보, 이우환, 하종현이 참가 중인 미국 크랜브룩 미술관 그룹전 《주인의 색채: 예술, 경제 및 물성에 대해(Landlord Colors: On Art, Economy, and Materiality)》가 10월 6일까지 열린다. “1967년 흑인 폭동 사태부터 현재까지의 미국 디트로이트”, “1960-80 년대 이탈리아 아방가르드의 문화 풍토”, “1970년대 한국 독재정권 시절”, “1990 년대 소련 붕괴 이후의 쿠바”, “2009 년 금융위기 이후의 그리스”라는 5가지 소주제로 마련된 이번 전시는 예술적 혁신과 물성을 기반으로 한 서술을 통해 경제적, 사회적 붕괴의 시대를 재고한다. 루치오 폰타나, 야니스 쿠넬리스, 마리오 메르츠, 미켈란젤로 피스톨레토를 비롯해 한국작가 권영우, 박서보, 박현기, 윤형근, 이우환, 하종현 등 전세계 60 명이 넘는 예술가가 참여한 획기적인 이번 전시는 다채로운 작가들 사이에 존재하는 작품의 물성적 질감과 예상을 뛰어넘는 관계를 발견한다.

“1970년대 한국 독재정권 시절”이라는 주제 하에 선보이는 한국 화단 대표 작가들의 출품작으로는 권영우의 백색 한지 작품 <Untitled>(1976), 박서보의 ‘묘법’ 연작 <Ecriture (描法) No. 65-75>(1975), 하종현의 초기 철조망 작품 <Untitled 72-(A)-1>(1972)과 ‘접합’ 연작 <Conjunction 79-9>(1979), 그리고 이우환의 ‘관계항’ 설치작 등이 있다.

Cranbrook Art Museum presents a group exhibition Landlord Colors: On Art, Economy, and Materiality featuring Kwon Young-Woo, Park Seo-Bo, Lee Ufan, and Ha Chong-Hyun until October 6. It examines five art scenes reconsidering a period of economic and social collapse through the lens of artistic innovations and material-driven narratives: America’s Detroit from the 1967 rebellion to the present; the cultural climate of the Italian avant-garde during the 1960s-1980s; authoritarian-ruled South Korea of the 1970s; Cuba since the collapse of the Soviet Union in the 1990s to the present; and contemporary Greece since the financial crisis of 2009. Featuring more than 60 artists around the world, including Lucio Fontana, Jannis Kounellis, Mario Merz, Michelangelo Pistoletto and Korean artists, Kwon Young-Woo, Park Seo-Bo, Park Hyun-Ki, Yun Hyong-Keun, Lee Ufan, and Ha Chong-Hyun, Landlord Colors, a landmark exhibition, unearths material texture and unexpected relationship between these diverse artists.

Under the theme, authoritarian-ruled South Korea of the 1970s, representatives of Korean art present: Kwon Young-Woo’s Untitled(1976), Park Seo-Bo’s Ecriture (描法) No. 65-75(1975), Ha Chong-Hyun’s early steel spring work Untitled 72-(A)-1(1972) and Conjunction series Conjunction 79-9(1979), and Lee Ufan’s Relatum installation.  

[Source from Cranbrook Art Museum website]