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1 Kukje Gallery's Renovated K1 Building Announced as Winner of Wallpaper* Design Awards 2021

Wallpaper* February issue: Wallpaper* Design Awards 2021
‘Best Cultural Draw’ (pp. 82-83)

Awarded Venue: Kukje Gallery K1
Full article: www.kukjegallery.com/temp/2021.02_Wallpaper_Best_Cultural_Draw.pdf

Kukje Gallery is pleased to announce that its recently renovated K1 building was named a winner of Wallpaper* Design Awards 2021 for the 'Best Cultural Draw' category. Announced annually in their February issue, Wallpaper* Design Awards is an annual list of outstanding places, products, and people within the international art and design worlds as selected by the renowned British magazine. 
After undergoing two years of renovation, Kukje Gallery's K1 building is now a new multi-use arts complex. Reopening its doors to the public on June 18, 2020, K1 features a newly expanded gallery space and a reimagined café on the ground floor (Cafe @ The Restaurant) that features site-specific wall paintings by the graphic designer Na Kim and is designed by OURSTUDIO, the local practice that was tasked with transforming the architecture and interior design of the entire building while preserving the look of the original façade, which has become a historical landmark of the neighborhood. The acclaimed interior designer Teo Yang spearheaded the interior design for the rest of the floors—on the second floor is a contemporary French restaurant (The Restaurant) that features the renowned artist Haegue Yang’s installations and on the third floor is a wellness center (Wellness K) that seeks to integrate visual art with a broader platform of lifestyle. Together, this dynamic space provides a perfect getaway in the bustling city of Seoul. Even in the midst of the pandemic, the ambitious integration of art, creative cuisine, and health within the renovated K1 building immediately became a focus of interest with an outpouring of support from art lovers both locally and abroad. 

The 'Best Cultural Draw' category featured a diverse pool of venues that reflect the most innovative and visionary spaces around the world that respond to our rapidly changing times. With regards to Kukje Gallery’s new space, Wallpaper* stated, "With last summer’s reopening of its K1 building, which now encompasses exhibition spaces, a café, a restaurant and a wellness centre, it is rethinking how and where art should be experienced. The 1987 building is one of three spaces that Kukje operates in Seoul’s upscale Samcheong-dong enclave… The idea, which has proven prescient, was to create open spaces throughout, with as few dividing walls as possible so that the greenery outside is always in view." 

Teo Yang, Principal of TeoYang Studio who was tasked with transforming the interior design of the upper levels of the building including The Restaurant and Wellness K, highlighted this emphasis on balance, saying, "I hope the gallery evokes the curated atmosphere of a collector’s home... Visitors are encouraged to imagine living with the works."

In response to the news of the award, Kukje Gallery's Managing Director Bo Young Song noted that "The interior is closely connected to its surroundings, which I believe serves as a relief to people who live in a time of isolation and social distancing.” On spearheading the direction for the operation of the new multi-use arts complex in the context of a post-Covid-19 era, Song observed, “We believe that art transcends the visual. As multidisciplinary integration is increasingly relevant today, it was necessary for the gallery to keep up with and even try to move ahead of our times."

월페이퍼*(Wallpaper*) ‘디자인 어워즈 2021’ 발표, 국제갤러리 K1 선정

서울 삼청동 소재의 국제갤러리 K1이 영국의 유명 건축·디자인 잡지 월페이퍼*(Wallpaper*)가 2021년 2월호 지면을 통해 발표한 ‘디자인 어워즈 2021(Design Awards 2021)’에서 ‘최고의 문화 공간 부문(Best Cultural Draw)'에 선정됐다. 지난 2020년 6월 복합문화공간으로 새 출발한 국제갤러리 K1은 새로운 전시공간을 비롯해 그래픽 디자이너 김영나의 벽화 작업으로 시각적 즐거움을 높인 ‘카페(Cafe @ The Restaurant, 1층, 건축 설계 및 인테리어 디자인: 아워스튜디오)’, 인테리어 디자이너 양태오의 감각적인 디자인 아래 현대미술가 양혜규의 설치 작업과 미식문화가 어우러진 파인다이닝 ‘더 레스토랑(The Restaurant, 2층)’, 그리고 예술이 전하는 영감을 나누고 심신의 여유를 제공하는 공간 ‘웰니스 K(Wellness K, 3층)’가 자리하며 코로나19 사태 속에서도 미술애호가들의 관심과 사랑을 받고 있다. 

월페이퍼*는 동시대의 문화적 흐름을 반영 및 선도하는 전 세계 다양한 공간들을 대상으로 한 '최고의 문화 공간 부문’에 국제갤러리 K1을 선정한 이유로 "전시공간, 카페 및 레스토랑, 웰니스 센터 등 복합문화공간으로서 예술을 경험하는 공간과 방식에 대한 새로운 방향성을 제시한다."고 밝혔다. 더불어 "K1은 국제갤러리가 1987년부터 서울 삼청동에 개관한 세 건물 중 하나다. 건물 내부에 열린 공간을 최대한 확보하고, 삼청동 풍경을 시야에 한눈에 담을 수 있도록 공간을 구분하는 벽면을 최소화한 점에서 마치 선견지명이 있었던 듯하다"고 덧붙였다. 

아울러 2층과 3층, 지하 1층의 가구 및 조명 등 고유한 개성이 담긴 인테리어 디자인으로 호평 받은 태오양 스튜디오의 양태오 대표는 "갤러리 공간을 둘러보며 마치 세심하게 큐레이팅 된 컬렉터의 집 같은 환경을 조성하기를 희망했다"며, "이 공간에 들어서는 분들이 작품들과 함께 사는 모습을 상상하게끔 이끌고 싶었다."고 디자인 의도를 전했다.

이번 선정 소식에 대해 국제갤러리 송보영 부사장은 "K1의 레노베이션을 통해 주변 외부 환경과 긴밀한 소통을 시도했다. 특히나 요즘같이 사회적 거리두기와 자가격리가 난무한 시대에 일종의 위로가 되리라고 믿는다. 코로나시대에 우리를 진정으로 위안해 주는 것은 결국 예술과 자연인 듯하다."라고 소감을 전했다. 또한 "미술은 시각적인 것을 초월한다. 다분야적 통합(multidisciplinary integration)이 하루가 다르게 더욱 절실해지는 요즘, 시대의 흐름을 정확히 직시할 뿐만 아니라 앞을 내다보는 국제갤러리만의 행보를 제시하고자 한다."며 포스트 코로나 시대, 새로운 미래에 대한 복합문화공간 K1의 운영 전략과 비전을 함께 밝히기도 했다.

[Source from Wallpaper* Design Awards]
2 Elmgreen & Dragset reveal The Hive, a permanent site-specific installation at the Moynihan Train Hall, New York

Elmgreen & Dragset, The Hive, 2020, stainless steel, aluminum, polycarbonate, LED lights, and lacquer
Commissioned by Empire State Development in partnership with Public Art Fund for Moynihan Train Hall
Courtesy Empire State Development and Public Art Fund, NY
Photo: Nicholas Knight

Artist: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
Exhibition Dates: January 1, 2021 – 
Exhibition Venue: Moynihan Train Hall, New York 
Website: https://www.publicartfund.org/exhibitions/view/mth/

On New Year’s Day of 2021, the artist duo Elmgreen & Dragset revealed their permanent site-specific installation titled The Hive (2020) at the Pennsylvania Station in New York. Presented in celebration of the opening of the new Moynihan Train Hall—a major feature of the recent expansion undergone by the station—the work is suspended from the ceiling of the 31st Street Mid-block Entrance Hall. By offering a contemporary interpretation on the history and grandeur of the original Pennsylvania Station, Elmgreen & Dragset’s monumental installation, which depicts a kaleidoscopic overview of an imagined urban landscape inspired by iconic high-rise buildings from metropolises around the world such as New York, captures the multiplicity and synergies of these global megacities, bringing a sense of wonder at the extraordinary progression of technology and artistic vision. The title of the installation refers to the complex relationship between natural and human-built structures, which resembles the constantly evolving architecture of a beehive.

The Hive, which consists of 91 buildings that weigh over 1.3 tons and measure up to 2.7 meters, maintains a surreal and anti-gravitational appearance due to its inverted structure. Integrating more than 72,000 LED lights that outline the tightly clustered skyscrapers, the installation illuminates the entrance of the station day and night, evoking a sense of “interconnectedness” that symbolizes the station and the city itself. Rendered as post-architectural archetypes, the iconic buildings of The Hive construct complex layers that pay tribute to the diversity modern cities, prompting viewers to envision their very own imaginary cities. Along with The Hive, the station welcomes visitors with a series of public art installations commissioned through a partnership between Empire State Development and Public Art Fund, as part of New York Governor Andrew M. Cuomo’s visionary transformation of the nation’s busiest transportation hub.

엘름그린 & 드라그셋, 뉴욕 모이니한 기차 홀(Moynihan Train Hall)에 영구 설치작 <The Hive>(2020) 공개

2021년 1월 1일, 작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋은 뉴욕 펜실베니아 역(Pennsylvania Station) 내부에 영구 설치한 장소특정적 작품 <The Hive>(2020)를 공개했다. 이번 작업은 해당 역의 대규모 증축 사업의 일환으로 설계된 뉴욕 31번가 모이니한 기차 홀(Moynihan Train Hall) 개장을 기념하여 홀 입구 천장에 자리하게 되었다. 펜실베니아 역의 고유한 역사와 웅장한 분위기를 현대적으로 재해석한 이 대형 설치작은 뉴욕을 포함한 세계 주요 대도시에서 착안한 가상 도시의 마천루를 통해 현대 도시에 내재된 복합적인 정체성과 이들 간의 시너지를 표현하고, 인류가 이룩한 경이로운 기술적 진보와 예술적 상상력을 상기시킨다. 작품명인 ‘The Hive’는 끊임없이 유동적으로 진화하는 벌집의 형태를 연상케 하는 도시의 자연적, 인위적 구조 사이의 복잡한 관계성을 가리킨다. 

최고 높이 2.7m, 무게 1.3톤에 달하는 91개의 건물 형상들이 뒤집힌 형상인 <The Hive>는 위아래가 반전된 형태를 통해 중력을 거스르는 듯한 초현실적인 분위기를 풍긴다. 빽빽하게 모인 건물들을 따라 빛나는 72,000여 개의 LED 조명은 밤낮으로 역의 입구를 비추며, 기차역이 상징하는 대도시의 ‘상호 연결성’을 보여준다. 세계 중심지들을 움직이게끔 하는 다양성을 향한 존중의 의미를 담은 <The Hive>는 현대인들에게 이상적인 도시란 무엇인가 상상하고 반추할 수 있는 기회를 제공한다. 한편 펜실베니아 역을 미국 동부의 교통 요충지이자 뉴욕 최대규모의 기차역으로 발전시키고자 하는 앤드류 쿠오모 뉴욕 주지사의 포부를 담은 모이니한 기차 홀 곳곳에서는 엠파이어스테이트개발공사(Empire State Development)와 퍼블릭 아트 펀드(Public Art Fund)의 협업 하에 제작된 다양한 현대미술 작가들의 공공미술 커미션 작업을 만나볼 수 있다. 

[Source from Public Art Fund press release]
3 Swiss Arts Publisher Scheidegger & Spiess Publishes HONG SEUNG-HYE: ORGANIC GEOMETRY, English Catalogue Raisonné on the Korean Contemporary Artist Hong Seung-Hye

HONG SEUNG-HYE: ORGANIC GEOMETRY, Scheidegger & Spiess, 2020

Artist: Hong Seung-Hye
Publisher: Scheidegger & Spiess
Publication Date: 2020
Language: English 
Format / dimensions / pages: Hardcover / 24 x 30 cm / 224   
Website: www.park-books.com/index.php?pd=ss&lang=en&page=books&book=1185

Scheidegger & Spiess, one of Switzerland’s leading publishers for art, recently published HONG SEUNG-HYE: ORGANIC GEOMETRY, the first English catalogue raisonné on Hong Seung-Hye. Established in Zurich in 1962, Scheidegger & Spiess has partnered with renowned artists and museums across the world, building an international reputation for publishing superb books focused on art, photography, and architecture. HONG SEUNG-HYE: ORGANIC GEOMETRY, which marks Hong’s first catalogue raisonné in English, demonstrates the publisher’s continued interest in tracing the careers of Korean artists. The 244-page-long publication provides a comprehensive overview of Hong’s versatile career, displaying over 200 reproductions of the artist’s work from her Organic Geometry series. HONG SEUNG-HYE: ORGANIC GEOMETRY provides an opportunity to understand the organic contextual and formal development of Hong’s unique artistic vocabulary which is rooted in the idea of the combination and accumulation of the pixel—the fundamental basis of organic geometry—which first appeared in the artist’s work in 1997, to her current practice of traversing between two-dimensional planes and three-dimensional spaces. Contributors and writers include distinguished art professionals who have closely followed Hong’s work over these past two decades, such as Baek Ji-sook, director of the Seoul Museum of Art; curator and art critic Michael Lim; art historian Yun Nanjie; and art critic Hwang In. 

HONG SEUNG-HYE: ORGANIC GEOMETRY can be purchased online via Kukje Gallery’s official website (international delivery available), as well as on online bookstores including YES24 and Interpark. The limited edition version of the book, which features a yellow book cover, can only be purchased offline at Kukje Gallery and The Book Society in Seoul, Korea.  

스위스 미술전문 출판사 샤이데거 & 슈피스(Scheidegger & Spiess), 한국작가 홍승혜 영문 카탈로그 레조네 『HONG SEUNG-HYE: ORGANIC GEOMETRY』 발간 

한국의 대표 중견작가 홍승혜의 첫 영문 카탈로그 레조네 『HONG SEUNG-HYE: ORGANIC GEOMETRY』가 스위스를 대표하는 미술전문 출판사 샤이데거 & 슈피스(Scheidegger & Spiess)에서 발간됐다. 1962년 취리히에 설립된 샤이데거 & 슈피스는 저명한 미술관 및 예술가와 협력한 미술, 사진, 건축 중심의 완성도 높은 출판물로 정평이 나 있다. 이번 홍승혜의 첫 영문 카탈로그 레조네는 한국작가에 대한 출판사의 지속적인 관심에서 비롯되었으며, 오랜 제작 기간을 거쳐 작가의 고유언어로 자리 잡은 <유기적 기하학(ORGANIC GEOMETRY)> 연작 200여 점을 총망라한 224쪽의 책으로 완성되었다. 이는 1997년 디지털 이미지의 최소 단위 ‘픽셀(pixel)’을 결합·축적하는 것을 시작으로 이제는 평면과 입체를 넘나드는 홍승혜의 작품세계가 어떻게 내용적, 형식적으로 진화해왔는지 그 유기적 흐름을 한눈에 살펴보는 기회를 제공할 것으로 기대된다. 아울러 지난 20년간 홍승혜의 작업을 곁에서 목격해온 서울시립미술관 관장 백지숙, 미술비평가 임근준, 미술학자 윤난지, 미술평론가 황인의 글도 이 책에 수록되었다.  

홍승혜 영문 카탈로그 레조네 『HONG SEUNG-HYE: ORGANIC GEOMETRY』 구입은 국제갤러리 웹사이트(해외 배송 가능) 및 YES24, 인터파크 도서 등 국내 서점을 통해 온라인 주문이 가능하며, 한정판으로 제작된 노란색 표지의 책은 삼청동 국제갤러리와 통의동 더북소사이어티에서 만날 수 있다. 

[Source from Scheidegger & Spiess website]
4 Haegue Yang, Kim Hong Joo, Lee Ufan, Park Seo-Bo, and Suki Seokyeong Kang participate in Art Plant Asia 2020 Hare Way Object 

Haegue Yang, Sonic Obscuring Hairy Hug, 2020
Photo: Tabial

Artists: Haegue Yang(양혜규), Kim Hong Joo(김홍주), Lee Ufan(이우환), Park Seo-Bo(박서보), Suki Seokyeong Kang(강서경)
Exhibition Dates: Oct 23, 2020 – Nov 22, 2020 
Exhibition Venue: Deoksugung Palace, Seoul, Korea
Website: http://artplantasia.org/

Haegue Yang, Kim Hong Joo, Lee Ufan, Park Seo-Bo, and Suki Seokyeong Kang are currently participating in Art Plant Asia 2020’s main exhibition Hare Way Object, which runs through November 22, 2020, at Deoksugung Palace, Seoul, Korea. The title of the exhibition—Hare Way Object—is an arbitrary combination of ‘Hare Way,’ an old term describing the Jeongdong area where Deoksugung Palace is located, and ‘Object,’ a word that describes all matters not mankind, representing the interrelated landscapes of the current Asian and Korean contemporary art scenes. A wide range of works by a roster of eleven painters from postwar and 1970s Korea, nineteen Korean contemporary artists, and three Asian contemporary artists are shown in harmony with one another in the main halls, corridors, and courtyards of Deoksugung Palace. Participating artists include important figures from Korea’s postwar era such as Kim Tschang-Yeul, Kim Whanki, Nam Kwan, and Yun Hyong-keun, followed by contemporary Korean and Asian artists including Lee Bul, Chung Heeseung, Ho Rui An, and Royce Ng. The exhibition aims to reflect upon and encompass the growth of Asian and Korean art throughout history. 

Displayed in the hallways of Hamnyeongjeon are works created by Korean painters between the 1950s and 1970s, reinterpreted within the traditional setting of Deoksugung Palace. In the ‘Modern and Contemporary Room 2,’ visitors encounter works including Lee Ufan’s signature From Line series and Park Seo-Bo’s Ecriture No. 21-75 (1975), showcased in tandem with Kim Hong Joo’s hyperrealistic portrait titled Untitled (1979). Such juxtaposition provides a striking visual contrast between Dansaekhwa paintings, which exerted a powerful influence on the local arts scene throughout the 1970s, and Kim’s hyperrealistic paintings characterized by his unique technique of using ultra-fine brushstrokes. Seen in the halls of Seogeodang, Junmyeongdang, Jeukjodang, and the outdoor courtyards are a series of contemporary artworks, one of which is Haegue Yang’s Sonic Obscuring Hairy Hug (2020) from the artist’s Sonic Sculptures (2013-) series, employing bells as the main material. The sculpture, covered with black brass- and nickel-plated bells and plastic twine, emits a unique energy as it hangs from the ceiling. At the corner of Hamnyeongjeon stands Suki Seokyeong Kang’s Narrow Meadow #18-04 (2013-2018) and Rove and Round #18-02 (2018-2019), marking a rare encounter between the modern and traditional by blending in with the serene backgrounds of the palace. Along with the exhibition, which runs for approximately a month, Art Plant Asia 2020 will be hosting a series of collateral programs such as Gallery Day along with local and international academic seminars. 

강서경, 김홍주, 박서보, 양혜규, 이우환, 아트 플랜트 아시아 2020 주제전 《토끼 방향 오브젝트》 참가

강서경, 김홍주, 박서보, 양혜규, 이우환이 참가 중인 아트 플랜트 아시아 2020 주제전 《토끼 방향 오브젝트》가 서울 덕수궁에서 11월 22일까지 열린다. 덕수궁이 위치한 정동 쪽을 의미하는 옛말 ‘묘방’(卯方)과 인간 외의 모든 사물을 뜻하는 단어 ‘오브젝트’가 순서 없이 나열된 후 조합된 스크래블 형식의 전시제목은, 한 단어로 정의하기엔 어려운 아시아 및 한국 미술의 복합적인 현재를 상징한다. 덕수궁의 전각, 행각, 야외를 배경으로 펼쳐지는 이번 행사는 근현대 작가 11인(팀), 한국 현대미술가 19명(팀), 아시아 작가 3인의 작품을 조화롭게 선보이며, 한국 및 아시아 현대미술의 역사와 흐름을 돌이켜본다. 전후 시대를 관통하여 활동했던 김창열, 김환기, 남관, 윤형근과 동시대 한국 및 아시아 작가인 이불, 정희승, 호루이안(Ho Rui An), 로이스응(Royce Ng) 등이 참가하고 있다. 

근현대 작품들이 주를 이루는 덕수궁 내 함녕전 행각에서는 1950년대부터 1970년대의 한국미술이 고궁이라는 전통적인 환경에서 재해석된다. 다양한 ‘방’들로 나뉘어져 있는 전시공간 중 근현대 방 2에서는 이우환의 <선으로부터> 시리즈 대표작과 박서보의 <묘법 No. 21-75>가 김홍주의 극사실주의 초상화 <무제>(1979)와 나란히 전시되어, 1970년대 미술계 주류를 형성한 단색화와 이와는 상반되는 세밀한 회화기법을 함께 만날 수 있다. 함녕전 행각에 이어 석어당, 준명당, 즉조당 등의 전각 및 야외 공간에서는 현대미술가들의 작품을 선보이는데, 대표적으로 방울을 전면적으로 활용한 <소리 나는 조각>(2013-) 연작에서 유래된 양혜규의 <소리나는 깜깜이 털투성이 포옹>(2020)이 있다. 검정 놋쇠 도금 방울과 검정색 털로 뒤덮인 작품은 방 안에 홀로 매달린 채 독특한 생명력을 발산한다. 함녕전 행각 한 켠을 차지한 강서경의 두 작품, <좁은초원 #18-04>(2013-2018)과 <둥근 유랑 #18-02>(2018-2019)은 고즈넉한 궁의 풍경과 자연스럽게 어우러지며 현실과 전통의 조우를 상상하게끔 한다. 약 한달 간 진행되는 이번 전시와는 별개로, 삼청동 일대의 갤러리들이 참여하는 ‘갤러리 데이’ 및 사물을 주제로 하는 국내외 세미나들로 구성된 전시 연계 프로그램도 같은 기간 동안 다수 진행될 예정이다.  

[Source from Art Plant Asia 2020 press release]
5 Bill Viola, Subject of a Major Solo Exhibition at the Busan Museum of Art(BMA), Korea

Bill Viola, The Quintet of the Astonished, 2000 © Bill Viola Studio 

Artist: 빌 비올라 (Bill Viola)
Exhibition Dates: October 21, 2020 – April 4, 2021 
Exhibition Venue: Busan Museum of Art (BMA)
Website: https://art.busan.go.kr/eng/03_display/display01.jsp?amode=view&id=202009281450331996

Bill Viola, the internationally acclaimed video artist who addresses fundamental and existential themes by portraying the sublime in universal experiences including life and death, presence and absence, along with human and nature, is the subject of a major solo exhibition titled Bill Viola: ENCOUNTER at the Busan Museum of Art (hereafter BMA), Korea, through April 4, 2021. The exhibition is held as part of the second edition of the museum’s annual program ‘Lee Ufan and His Friends,’ which was inaugurated in 2019. Viola’s artistic vocabulary, which combines Western methodology with Eastern philosophy, is considered to draw an art historical parallel with the work of Lee Ufan. Viola’s meditative yet innovative works, created throughout the past four decades, are presented across the main building of the BMA, as well as Space Lee Ufan. 

Upon entering the main building of the museum, visitors first encounter works created in between 1995 and 2014. These include The Greeting (1995), first showcased at the Venice Biennale in 1995, and Martyrs (2014), a series of four panels commissioned for a permanent installation in St. Paul’s Cathedral in London. Martyrs, in particular, received much attention across the global art scene at the time as it was unconventional for a cathedral to commission a video as opposed to a traditional painting. The 7-minute-long work, consisting of four plasma screens, reinterprets the ideas of martyrdom within a contemporary context by depicting four individual figures each enduring the excruciating pain caused by one of the four natural elements—earth, water, air, and fire. Displayed at Space Lee Ufan are some of Viola’s earlier works created in the 1970s such as Migration (1976) and The Reflecting Pool (1977-79), which demonstrate the artist’s contemplation on portraying vital themes including the underlying structure of human existence and relationship between mankind and the rest of the world through video.  

빌 비올라, 부산시립미술관에서 개인전 《빌 비올라, 조우》 개최

비디오아트의 거장 빌 비올라는 오는 2021년 4월 4일까지 열리는 부산시립미술관에서의 개인전을 통해 삶과 죽음, 존재와 부재, 물질과 정신, 인간과 자연 등 세계의 본질을 관통하는 작업세계를 펼쳐 보인다. 2019년부터 진행된 부산시립미술관 연례 기획인 ‘이우환과 그 친구들’의 일환으로 개최되는 이번 전시는 동양적인 사상 위에 서구적인 방법론을 가미한 빌 비올라의 작업 세계가 미학적 접근의 면에서 이우환 작가와 그 맥락을 함께 하고 있음을 보여준다. 전시는 미술관 본관과 이우환 공간을 아우르며 빌 비올라의 초기작부터 최근작까지, 지난 40여 년 간 이어져온 명상적이고도 실험적인 작업 등을 폭넓게 감상할 수 있는 기회를 제공한다. 

미술관 본관에서는 1995년부터 2014년에 거의 20여 년에 걸쳐 제작된 작품이 전시된다. 1995년 베니스 비엔날레에서 선보였던 <인사>(1995), 런던 세인트 폴 성당에 영구 설치된 <순교자>(2014) 연작 등 주요 전시작을 만날 수 있다. 특히 <순교자> 연작은 비올라가 세인트 폴 성당의 의뢰로 제작한 작업으로, 당시 전통 회화가 아닌 비디오아트라는 점에서 전세계 미술계의 큰 주목을 받은 바 있다. 물, 불, 흙, 공기 등 ‘자연의 4요소’가 가하는 극한의 고통을 견디는 인간상을 담은 7분짜리 네 가지 영상은 순교에 대한 현대적 해석을 제시한다. 이우환 공간에서 전시 중인 초기작 <이주>(1976), <투영하는 연못>(1977-79) 등은 1970년대 당시 작가가 비디오라는 매체를 통해 제기하고자 했던 ‘인간과 세계와의 관계와 본질적인 존재 구조’에 대한 고찰 그리고 이를 향한 예술적 고뇌를 증명한다. 

[Source from Busan Museum of Art(BMA) website]
6 Elmgreen & Dragset Install Van Gogh’s Ear at K11 MUSEA, Hong Kong

Elmgreen & Dragset, Van Gogh’s Ear, 2016. Installation view: K11 MUSEA, Hong Kong, 2020.
Courtesy of K11 MUSEA

Artist: 엘름그린 & 드라그셋 (Elmgreen & Dragset)
Exhibition Dates: October 7, 2020 – March 31, 2021 
Exhibition Venue: K11 MUSEA Art and Culture Centre 
Website: https://www.k11musea.com/art-and-culture/artwork/?target=van-gogh-s-ear/

The artist duo Elmgreen & Dragset’s large-scale installation, titled Van Gogh’s Ear (2016), will be on view at Victoria Dockside through the end of March 2021 in celebration of the first anniversary of the opening of K11 MUSEA. Internationally acclaimed for their subversive wit and underlying criticality, Elmgreen & Dragset reinterpret familiar spatial structures and question existing cultural stereotypes. Van Gogh’s Ear, which was previously showcased in 2016 at Rockefeller Center in New York, transforms the familiar cityscape faced by Hong Kong residents. The work, making a direct reference to Vincent van Gogh’s left ear which was severed in a fit of mania by the artist himself, provides a refreshing perspective on the structure of the installation, and wittily translates the visual and geometric concepts that prevail in today’s society. 

Van Gogh’s Ear, one of Elmgreen & Dragset’s iconic pieces that demonstrate the duo’s longstanding interest in the swimming pool motif, is an upright, nine-meter-high swimming pool that takes the form of an ear. While its vertical installation prevents it from carrying water, the work features a cyan blue interior (alluding to the presence of water) and a matte-white border, along with elements such as pool lamps, a diving board, and a stainless steel ladder that can easily identify the work as an actual swimming pool. Founded on the Minimalist reductive tradition and using geometric forms, the installation creates a surreal contrast against its hectic urban surroundings, bringing new energy to the city’s iconic neighborhood and challenging existing conventions for public art.  

엘름그린 & 드라그셋, 홍콩 K11 뮤제아(MUSEA)에 <Van Gogh’s Ear>(2016) 설치

작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)이 홍콩 K11 뮤제아(K11 MUSEA) 오픈 1주년을 기념하여 빅토리아 독사이드(Victoria Dockside) 부근 야외공간에서 대규모 설치 작품 <Van Gogh's Ear>(2016)를 2021년 3월 말까지 선보인다. 특유의 위트의 비판정신으로 무장한 채 일상과 도시의 문화구조에 질문을 제기하고 재해석해온 듀오는 2016년, 뉴욕 록펠러 센터에서 처음 공개한 이 작품을 홍콩 도심에 설치함으로써 익숙한 풍경을 바라보는 새로운 관점을 제시한다. 화가 빈센트 반 고흐가 잘라낸 귀를 언급하는 작품제목 역시 보는 이들로 하여금 작품 형태에 대한 색다른 시점의 이해를 권하는 동시에 현대의 시각기호학적 개념을 재치 있게 풀어낸다.  

엘름그린 & 드라그셋이 그간 선보여온 '수영장' 모티프 작업의 연장선에 있는 해당 작품에서 세로로 설치된 수영장은 귀 모양으로 구부러진 형태를 보인다. 쏟아질 수 밖에 없는 구조에 담겨있는 푸른색 물과 이를 둘러싸고 있는 무광 흰색 테두리, 그리고 이와 함께 수면 아래의 조명, 표면의 다이빙 보드, 스테인리스 스틸 소재의 사다리 등 수영장을 구성하는 전형적인 요소들은 일상에서 흔히 찾아볼 수 있는 보편적인 수영장 시설을 재현한다. 미니멀리즘적이고 기하추상적인 형태의 이 작품은 혼잡한 도심과 초현실적인 대비를 이루며, 일상 속 활기를 부여하는 공공미술의 새로운 역할을 자신의 방식대로 탐구한다. 

[Source from K11 MUSEA website]
7 Elmgreen & Dragset, Subject of Major Retrospective 2020 at the Espoo Museum of Modern Art (EMMA), Finland

2020 by Elmgreen & Dragset at EMMA – Espoo Museum of Modern Art Sep 26 2020 – Jan 17 2021. Photo: Paula Virta / EMMA

Artists: Elmgreen & Dragset (엘름그린 & 드라그셋)
Exhibition Dates: Sep 26, 2020 – Jan 17, 2021
Exhibition Venue: EMMA – Espoo Museum of Modern Art, Helsinki, Finland
Website: www.emmamuseum.fi/en/exhibitions/elmgreen-dragset/

Elmgreen & Dragset are the subject of a major retrospective titled 2020 at the Espoo Museum of Modern Art (hereafter EMMA) in Helsinki, Finland, in celebration of the 25th anniversary of their collaboration. The artist duo reinterprets familiar spatial structures and cultural stereotypes that surround us today with their signature criticality and subversive wit. The exhibition space, transformed into a familiar yet surreal parking lot environment, provides a unique perspective to how we perceive the year 2020, throughout these unprecedented times caused by the pandemic. 

The parking lot, displaying cars and traffic signs along with Elmgreen & Dragset’s site-specific installations, delivers a seemingly familiar yet uncannily peculiar atmosphere. Sculptural installations including The Outsiders (2020), portraying two men lying together in the back of an old Mercedes estate car, followed by The Wait (2013-2020) and I Must Make Amends (2018), focus on the social properties and implications of the automobile—a private property owned by a majority of people today—revealing the perceptions and power structures in our society. The artist duo uses the parking lot—a public yet mobile environment—as a metaphor for the circumstances we face in 2020, where space and time have become temporary. Running through the works is an underlying concern for the loss of togetherness and a culture that emphasizes the individual within a post-pandemic community. Released in accordance with the exhibition, the Finnish rapper Paperi T’s new song and performancecan be seen via the museum’s website. 

엘름그린 & 드라그셋, 핀란드 EMMA 현대미술관 개인전 《2020》 개최

엘름그린 & 드라그셋의 듀오 결성 25주년을 기념한 개인전 《2020》이 핀란드 EMMA 현대미술관에서 오는 1월 17일까지 열린다. 엘름그린 & 드라그셋은 현대인을 둘러싼 공간과 사회적 클리셰에 끊임없이 질문을 제기하고, 이를 특유의 위트와 비판정신으로 표현한 작업을 선보여 왔다. 이번 전시에서 이들은 전시 공간 전체를 초현실적인 주차장으로 변모시키며 유례없는 팬데믹 시기인 ‘2020년’을 새로운 관점으로 재해석한다. 

자동차와 주차 표식, 그리고 장소특정적 설치 작품이 어우러진 주차장은 익숙한 듯 낯선 풍경으로 관객의 시선을 사로잡는다. 오래된 벤츠 뒷자석에 두 남자가 누워있는 형상의 조각 <The Outsiders>(2020)를 비롯해 <The Wait>(2013-2020), <I Must Make Amends>(2018) 등은 거의 모든 현대인의 사적 소유물인 동시에 다양한 사회적 의미를 지닌 자동차의 속성에 주목한다. 엘름그린 & 드라그셋은 공공장소지만 누구도 머무르지 않는 비장소적 특징을 지닌 주차장이라는 공간을 통해 어딘가에 들어갔다 빠르게 떠나야만 하는 2020년의 상황을 은유적으로 나타낸다. 작가의 관점으로 매개된 주차장은 팬데믹 상황 속에서 진행되는 개인화와 공동체 의식의 상실, 그 이후의 삶에 대한 질문을 던진다. 특별히 미술관 웹사이트에서는 이번 전시를 위해 핀란드의 가수 파페리 티가 직접 만든 노래를 전시와 함께 감상할 수 있다. (https://emmamuseum.fi/en/ed2020/)

[Source from EMMA – Espoo Museum of Modern Art press release]
8 Koo Bohnchang, Subject of Solo Exhibition Light Shadow: Koo Bohnchang at the Korean Cultural Centre AU Australia Gallery, Sydney, Australia

Koo Bohnchang (b.1953), Vessel (MG 08 BW), 2005, archival pigment print, 100 x 80 cm. Courtesy of the artist.

Artists: Koo Bohnchang (구본창)
Exhibition Dates: Aug 28, 2020 – Nov 13, 2020
Exhibition Venue: Korean Cultural Centre Australia Gallery, Sydney, Australia
Website: www.koreanculture.org.au/exhibition/

The photographer Koo Bohnchang is the subject of a solo exhibition titled Light Shadow: Koo Bohnchang at the Korean Cultural Centre AU (hereafter KCC), Sydney, Australia, through November 13, 2020. Established in 2011 in celebration of the 50th anniversary of diplomatic relations between Korea and Australia, the KCC has served a pivotal role in introducing the arts and culture of Korea to local audiences. The exhibition, organized by the KCC as part of Australia’s largest photography festival called ‘Head On Photo Festival,’ showcases Koo’s Vessels series, which captures the essence of white porcelains from Korea’s Joseon Dynasty. 

Throughout his career, Koo has traveled widely in search of white porcelains of the Joseon Dynasty scattered across different institutions around the world—namely Kyoto’s Koryo Museum of Art along with other renowned institutions in Paris and London—meticulously documenting each vessel as if it were a portrait of a person. The 39 works on view extend beyond the mere visual depiction of the vessel as a subject, conveying the imperfect yet unique beauty of it imbued with warmth and spirit. The exhibition includes a series of 12 photographs presenting the moon jar in the form of the moon rising and falling across 12 phases, as well as a collection of three scrolled photographs of the vessel. These works are accompanied by an essay written on Koo’s white porcelains by the Korean novelist Park Wansuh. Due to COVID-19, the KCC will be sharing exhibition-related content, including the artist interview, online via the institution’s Facebook page to heighten visitor experience. 

구본창, 시드니 한국문화원에서 개인전 《백자 사진전: 구본창》 개최

사진작가 구본창의 호주 첫 개인전 《백자 사진전: 구본창》이 오는 11월 13일까지 시드니 한국문화원에서 열린다. 한국-호주 수교 50주년을 기념하여 2011년 처음 시드니에 문을 연 한국문화원은 한국의 문화예술을 현지에 소개하는 다채로운 활동을 전개해왔다. 한국문화원이 호주 최대 규모의 사진축제 헤드온 포토페스티벌(Head On Photo Festival)의 일환으로 기획한 이번 전시에서 구본창은 한국 백자 고유의 숨결을 담아낸 <백자> 연작을 선보인다.

교토의 고려미술관을 시작으로 파리, 런던 등 전세계 박물관에 흩어져 있는 조선의 백자를 카메라에 담아온 구본창은 마치 초상화를 찍듯 백자의 모습을 섬세하게 포착한다. 본 전시에서는 대상을 시각적으로 재현하는데 그치지 않고, 순백자가 가진 온기, 비정형성, 불완전함의 깊은 아름다움을 담아낸 <백자> 연작 39점을 만날 수 있다. 달항아리를 달이 뜨고 지는 12단계로 표현한 사진 연작 12점, 달항아리 사진을 족자로 설치한 작품 3점도 한자리에 소개된다. 또한 소설가 박완서(1931~2011)가 생전에 쓴 ‘백자송’의 내용도 작품과 함께 펼쳐진다. 한편 한국문화원은 펜데믹 상황을 고려하여 작가 인터뷰 영상 등 온라인으로 즐길 수 있는 콘텐츠를 문화원 페이스북을 통해 공개해 작품에 대한 이해를 돕는다.

[Source from Korean Cultural Centre Australia website]
9 MeeNa Park participates in Group Exhibition Diving into the Color at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea

MeeNa Park, 14 Shades of Monochrome and Green, Blue, Red and Black Light, 2020, lights, wall painting

Artists: MeeNa Park (박미나)
Exhibition Dates: July 22, 2020 – Feb 28, 2021 
Exhibition Venue: National Museum of Modern and Contemporary Art, Gwacheon, Korea
Website: www.mmca.go.kr/eng/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=202006150001275

The contemporary artist MeeNa Park participates in the group exhibition Diving into the Color, held at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea, from July 22, 2020. The largest children’s exhibition to be held at the museum’s Gwacheon branch since its opening in 1986, the presentation includes works by six artists including MeeNa Park, Kim Yongkwan, Kim Jin Song, Park Kiwon, Back Inkyo, and Jo Sook Jin, presenting vibrant, colorful spaces that aim to awaken the senses and imagination of visiting children. MeeNa Park, who has challenged stereotypical norms by collecting and researching different compositions of color according to her own standards, will be showcasing an installation and a series of approximately 180 paintings as part of the exhibition. 

The exhibition, which takes place across an area of 2,645㎡ at the Circular Gallery on the first floor, is comprised of three sections titled ‘Exhibition Zone,’ ‘Activity Zone,’ and ‘Learning Zone.’ Displayed on the outer walls of the gallery is Park’s mural titled 14 Shades of Monochrome and Green, Blue, Red and Black Light (2020), showcasing 14 shades of monochrome along with green, blue, red, and black light in the shape of a rectangular cube. The work, which utilizes various color theories involving color, monochrome, brightness, and color adaptation, provides a hands-on experience with color characteristics and theories for children. Further installed on the walls are Coloring Drawings (2020) and 12 Colors (2020), a vast collection of approximately 180 drawings that provide a multisensory experience with color. Alongside these physically engaging works of art, the Activity Zone offers a program titled “Moving Color! Breathing Sculpture!” where visitors can create works of their own, while the Learning Zone provides an education program titled “Open Yard.” The museum will also be offering accessible tour programs for children with disabilities including vision impairment and hearing loss. The exhibition, which provides an opportunity to engage with and discover the joy of contemporary art within a colorfully curated environment, runs through February 28, 2021. 

박미나, 과천 국립현대미술관 그룹전 《신나는 빛깔 마당》 참가

현대미술가 박미나는 과천 국립현대미술관에서 7월 22일부터 진행되는 어린이 전시 《신나는 빛깔 마당》에 참여한다. 1986년 과천관 개관 이후 최대 규모로 열리는 이번 어린이 전시는 박미나, 김용관, 김진송, 박기원, 백인교, 조숙진 6인의 작가들이 어린이의 감각과 상상력을 일깨울 수 있는 다채로운 색의 공간을 펼쳐 보인다. 자신만의 기준으로 색상을 수집, 연구하여 기존의 인식 체계를 전환하는 색채 작업을 펼쳐온 박미나는 이번 전시에서 여러 가지 색깔 재료를 사용한 설치작 1점과 회화 연작 180여 점을 선보인다. 

2,645㎡ 규모의 원형 전시실에서 펼쳐지는 본 전시는 전시, 체험, 교육 공간으로 구성된다. 박미나 는 전시 공간에 외벽 벽화 ‘무채색 14단계’와 내부 벽화 ‘녹색, 파랑, 빨강, 검정 광원’으로 이루어진 직육면체 형태의 작품 <무채색 14단계와 녹색, 파랑, 빨강, 검정 광원>(2020)을 소개한다. 유채색과 무채색, 명도, 색순응 등 다양한 색의 원리를 활용한 본 작품은 아이들로 하여금 색의 특징과 원리를 몸으로 경험할 수 있는 기회를 제공한다. 또한 벽면에는 수많은 색으로 구성된 <색칠 공부 드로잉>(2020), <12 Colors>(2020) 연작 180여 점이 설치되어 색에 대한 다양한 감각을 일깨운다. 또한 전시 공간 외에 나만의 작품을 만들어 보는 체험 공간 ‘엉뚱한 상상조각’과 교육 공간 ‘모두의 마당’이 함께 운영되며, 시각, 청각 장애아동을 위한 전시 해설 프로그램이 제공될 예정이다. 일상과 닿아 있는 색의 공간에서 현대미술의 즐거움을 스스로 발견할 수 있는 이번 전시는 내년 2월 28일까지 계속된다.

[Source from MMCA press release]
10 Park Chan-kyong Participates in Yokohama Triennale 2020: Afterglow

Park Chan-kyong, Belated Bosal, 2019, HD film, black & white, 4-channel sound, 55 min. Courtesy of the artist. Photo: Hong Cheolki

Artist: Park Chan-kyong (박찬경)
Exhibition Dates: July 17 – Oct 11, 2020 
Exhibition Venue: Yokohama Museum of Art, Japan
Website: www.yokohamatriennale.jp/english/2020/

The contemporary artist Park Chan-kyong is currently participating in Yokohama Triennale 2020, held from July 17, 2020, in Yokohama, one of Japan’s major cultural hubs. Initiated in 2001, the triennale has been held every three years since, shaping conversations around contemporary art and showcasing an extensive roster of both established and emerging artists from across the globe. Raqs Media Collective, a collective of three artists based in New Delhi, India, is the artistic director of this year’s event which is titled Afterglow, referring to the Big Bang’s destructive energy that inspired creativity over time and gave birth to life, along with its radiation that is simultaneously toxic and therapeutic. The triennale aims to focus on the cycle of destruction/toxicity and recovery/care in the contemporary world that continues to affect its members, exploring methods of sustainability and survival. Visitors are welcome to experience the presentation across three venues: the Yokohama Museum of Art, PLOT 48, and NYK MARITIME MUSEUM. 

On display at the Yokohama Museum of Art is Belated Bosal (2019), which was showcased last year at the artist’s solo exhibition titled MMCA Hyundai Motor Series 2019: Park Chan-kyong – Gathering, in the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Seoul. Belated Bosal, a 55-minute long film that creates comprehensive discourse across religious and historical events such as the parinirvana of Buddha Sakyamuni and the Fukushima Nuclear Accident, critically explores the potentials of art as a method of communication in a post-disaster society. This year’s 90-day long Yokohama Triennale runs through October 11, 2020, presenting works by 67 international artists including Park Chan-kyong, Aono Fumiaki, and Nick Cave, followed by relevant digital content such as ‘Episōdo’—filmed conversations around participating artists and works—and ‘Sourcebook’—an archive documenting artists’ working processes. 

박찬경, 요코하마 트리엔날레 2020 《AFTERGLOW》 참가

현대미술가 박찬경은 7월 17일부터 일본 대표 문화도시 요코하마에서 열리는 요코하마 트리엔날레 2020에 참여한다. 2001년 시작한 요코하마 트리엔날레는 3년마다 열리는 국제미술전으로 국제적으로 명성 높은 작가뿐 아니라 신진 예술가들을 폭넓게 소개함으로써 다각적인 현대미술의 동향을 제시해왔다. 인도 뉴델리를 거점으로 활동하는 3명의 작가로 구성된 락스 미디어 콜렉티브(Raqs Media Collective)가 예술감독을 맡은 이번 트리엔날레는 잔광, 여운이란 뜻의 ‘AFTERGLOW’를 주제로 지구상의 생명체를 탄생시킨 빅뱅의 파괴적인 에너지와 이로부터 파생된 방사선이 지니는 파괴와 독성 그리고 회복과 치유의 순환적 성질에 주목한다. 지금도 우리에게 영향을 미치는 이러한 에너지의 흐름 속에서 현대인의 지속과 생존의 방법을 모색하는 이번 트리엔날레는 요코하마 미술관, 플롯 48, 유센 역사 박물관을 아울러 진행된다. 

박찬경은 지난해 국립현대미술관 개인전 《MMCA 현대차 시리즈 2019: 박찬경 - 모임 Gathering》에서 선보인 바 있는 영상 작품 <늦게 온 보살>(2019)을 요코하마 미술관에서 전시한다. ‘석가모니의 열반’이라는 종교적 사건과 동시대 재난인 ‘후쿠시마 원전 사고’를 하나의 담론으로 엮어 낸 55분 길이의 영상 <늦게 온 보살>은 재난 이후 우리 사회에서 미술 언어가 가질 수 있는 가능성을 비판적으로 모색한다. 박찬경을 비롯해 아오노 후미아키(Aono Fumiaki), 닉 케이브(Nick Cave) 등 총 67명의 작가들이 참여하는 이번 트리엔날레는 본 전시와 함께 작가와 작품, 다양한 담론에 대한 논의를 담은 영상 콘텐츠 ‘Episōdo’, 트리엔날레 준비 과정에서 수집한 자료들을 모은 ‘Sourcebook’ 등 다채로운 디지털 콘텐츠를 제공한다. 본 트리엔날레는 오는 10월 11일까지, 총 90여 일간 진행된다. 

[Source from Yokohama Triennale 2020 website]
11 Anish Kapoor, Subject of Solo Exhibition Anish Kapoor at Houghton Hall at Houghton Hall in Norfolk, UK 

Anish Kapoor, Sky Mirror, 2018, stainless steel. Eight Eight, 2004, onyx. Courtesy the artist and Lisson Gallery. © Anish Kapoor. All rights reserved DACS, 2020. Photo: Pete Huggins 

Artists: Anish Kapoor (아니쉬 카푸어)
Exhibition Dates: Jul 12 – Nov 1, 2020 
Exhibition Venue: Houghton Hall, Norfolk, UK
Website: www.houghtonhall.com/?page_id=3181

The internationally acclaimed contemporary artist Anish Kapoor is the subject of a solo exhibition titled Anish Kapoor at Houghton Hall, which opened on July 12, 2020, at Houghton Hall located in Norfolk, in the east of England. Built by Sir Robert Walpole, Great Britain’s first Prime Minister in around 1722, Houghton Hall is one of the country’s finest examples of Palladian architecture. Currently owned by the Cholmondeley family, the venue has displayed works by internationally acclaimed artists including Richard Long, Damien Hirst, and Henry Moore, since opening to the public in 1976. Kapoor, known for his practice that engages the physicality of materials and non-linear forms in order to explore concepts of the body, existence, and spirituality, showcases his unique artistic vocabulary and establishes an aesthetic dialogue with the classical architecture of the house and the idyllic beauty of the grounds

Curated by Mario Codognato, director of the Anish Kapoor Foundation, the exhibition will present 24 sculptures as well as a selection of drawings representative of the artist’s ground-breaking body of work created over the past four decades. Installed on the grounds is Kapoor’s iconic Sky Mirror (2018), a 5-meter diameter mirror created with stainless steel reflecting the movements of the sky. Also installed outdoors are a number of carved marble sculptures created from 2001 to 2004 featuring geometrical yet organic forms, including Grace (2004) and Eight Eight (2004). Shown throughout the galleries inside the house is a series of colored concave mirrors which come into harmony with the classical décor to create an enchanting and elegant atmosphere. The exhibition, which broadens the psychological and physical perceptions of visitors with artworks that seamlessly blend in and come into continuous dialogue and engagement with Houghton’s history, runs through November 1, 2020. 

아니쉬 카푸어, 영국 호턴 홀 개인전 《Anish Kapoor at Houghton Hall》 참가

현대미술의 거장 아니쉬 카푸어의 개인전 《Anish Kapoor at Houghton Hall》이 잉글랜드 동부에 위치한 호튼 홀에서 7월 12일부터 열린다. 호튼 홀은 영국 초대 총리 로버트 월풀(Sir Robert Walpole)을 위해 1722년경 지어진 대저택으로 특히 팔라디오 양식의 걸작으로 손꼽히는 건축물이다. 현재 콜몬들리(Cholmondeley)가 소유의 저택인 이 곳은 1976년 처음 대중에게 공개된 이후, 리차드 롱(Richard Long), 데미안 허스트(Damien Hirst), 헨리 무어(Henry Moore) 등 저명한 미술가들의 작품들을 전시해왔다. 재료의 물성과 비정형적 형태를 통해 정신적, 본질적인 영역을 탐구해온 아니쉬 카푸어는 이번 개인전에서 호튼 홀의 아름다운 경관과 미술적으로 소통하는 고유한 작품세계를 펼쳐 보인다. 

아니쉬 카푸어 재단의 디렉터 마리오 코도냐토(Mario Codognato)가 기획한 본 전시는 작가의 40여 년 예술세계를 아우르는 24점의 조각과 드로잉 작품들을 소개한다. 정원에 설치된 대표작 <Sky Mirror>(2018)는 5미터 지름의 스테인리스 소재 조각으로, 거울처럼 매끈한 표면은 시시각각의 하늘을 그대로 비춘다. 2001-2004년 사이에 제작된 기하학적이면서 유기적인 대리석 조각 <Grace>(2004), <Eight Eight>(2004) 등도 공간 곳곳에 함께 소개된다. 저택 내부로 이어지는 전시 공간에서는 형형색색의 오목한 형태의 거울 연작들이 고전적인 장식과 한데 어우러져 신비롭고도 아름다운 풍경을 자아낸다. 유서 깊은 호튼 홀의 공간과 조화를 이루는 작품들을 통해 관객들의 신체적, 정신적 감각의 확장을 일깨우는 이번 전시는 오는 11월 1일까지 계속된다. 

[Source from Houghton Hall website]
12 Bill Viola, Subject of Solo Exhibition titled Bill Viola. Mirrors of the Unseen at Espacio Fundación Telefónica, Madrid, Spain

Bill Viola, Walking on the Edge, 2012 © Bill Viola Studio

Artists: Bill Viola (빌 비올라)
Exhibition Dates: Jun 26, 2020 – Jan 10, 2021
Exhibition Venue: Espacio Fundación Telefónica, Madrid, Spain
Website: espacio.fundaciontelefonica.com/en/evento/bill-viola-mirrors-of-the-unseen/

The internationally renowned contemporary video artist Bill Viola is the subject of a major solo exhibition titled Bill Viola. Mirrors of the Unseen at Espacio Fundación Telefónica, Madrid, Spain, through January 10, 2021. Kira Perov, Viola’s wife and the Executive Director of Bill Viola Studio, curated the extensive presentation which encompasses over 20 major works created over the past four decades. Viola is widely known to explore fundamental and existential themes by portraying the sublime in universal human experiences including birth, life, and death through video. Utilizing his signature slow-motion technique, Viola allows viewers to witness the action and the expression of emotions on the faces of the actors in detail, revealing the collapse of consciousness.  

Upon entering the exhibition located across the fourth floor of the foundation, visitors encounter one of Viola’s early works created in the 1970s titled The Reflecting Pool (1977-1979). Viola reconstructs viewers’ concepts of time and memory by displaying surrealistic images, unaffected by time, reflected on the pond. The 4-channel large-scale video titled Martyrs (2014), commissioned by St. Paul’s Cathedral, UK,–– exemplifies the human endurance to bear pain and hardship in order to uphold their values, beliefs, and principles. Here, adversity is represented by natural elements such as earth, wind, water, and fire. Additional works include Walking on the Edge (2012), which signifies the detachment between father and son, followed by Self Portrait, Submerged (2013), and Ablutions (2015) which encourage viewers to explore the existent yet imperceptible dimensions of the world. 

빌 비올라, 마드리드 텔레포니카 재단에서 개인전 《Bill Viola. Mirrors of the Unseen》 개최

비디오 아트의 거장 빌 비올라의 대규모 개인전 《Bill Viola. Mirrors of the Unseen》이 마드리드에 위치한 텔레포니카 재단에서 내년 1월 10일까지 열린다. 빌 비올라 재단 디렉터이자 그의 부인 키라 페로브(Kira Perov)가 기획한 이번 전시는 1970년대 후반부터 최근까지 빌 비올라의 응축된 40년 예술세계를 폭넓게 펼쳐 보인다. 삶, 죽음 등 근원적이고 존재론적인 주제를 ‘비디오’라는 매체로 표현해온 빌 비올라는 이번 개인전에서 특유의 슬로우 모션 기법을 통해 익숙한 의식의 흐름에 균열을 가하는 20여 점의 작품들을 선보인다. 

재단 건물 4층 전시장을 아울러 진행되는 본 전시에서는 먼저 빌 비올라의 초기작인 1970년대 비디오 작품 <The Reflecting Pool>(1977-1979)을 만날 수 있다. 연못 안팎의 시간이 각기 다르게 흐르는 이 작품은 수면에 비친 비현실적인 이미지를 통해 우리가 존재하는 세계의 시공간을 재고하게끔 한다. 4채널 대형 비디오로 구성된 영국 세인트 폴 대성당 커미션 작품 <Martyrs>(2014)는 흙, 바람, 물, 불 속에서 고통을 견뎌내는 인간의 모습을 통해 인간의 의지와 인내력, 희생의 숭고함을 표현한다. 이 밖에도 닿을 수 없는 아버지와 아들의 거리를 상징적으로 나타낸 비디오 작품 <Walking on the Edge>(2012)를 비롯해 <Self Portrait, Submerged>(2013), <Ablutions>(2015) 등 현실에 존재하지만 보이지 않는 세계를 발견하고 사유하도록 하는 주요 작품들이 함께 공개된다.

[Source from Espacio Fundación Telefónica website]
13 Daniel Boyd Announced as Recipient for 2020 ACT Architecture Awards across Four Categories

Daniel Boyd, Installation view of For our Country - Aboriginal and Torres Strait Islander memorial, Australian War Memorial, Canberra, 2019 Photo: Ben Hosking

Awarded Artist: Daniel Boyd (다니엘 보이드)
Award Institution: 호주 건축가 협회(Australian Institute of Architects)
Website: www.architecture.com.au/news_media_articles/national-aboriginal-and-torres-strait-islander-memorial-tops-act-architecture-awards/

For Our Country (2019), a memorial designed in collaboration of the Australian artist Daniel Boyd and the Melbourne-based architecture studio Edition Office, has received accolades at the 2020 ACT Architecture Awards by winning across four different categories. Organized by the Australian Institute of Architects, the ACT Architecture Awards recognizes architectural achievements in categories such as public architecture, residential, commercial, education, and sustainability. For Our Country won the esteemed Canberra Medallion along with the Cynthia Breheny Award for Small Project Architecture, the Pamille Berg Award for Art in Architecture, and the Robert Foster Award for Light in Architecture. 

The memorial, which is currently installed in the Australian War Memorial in Canberra, commemorates the services of Aboriginal and Torres Strait Islanders who sacrificed for their country. The thousands of transparent lenses set throughout the wall represent multiple perspectives that interpret history, while the reflections of light express the spiritual integrity and pride that the Aboriginal and Torres Strait Islanders hold in connection to their country. In regards to the nomination, Australian Institute of Architects ACT Jury Chair, Marcus Graham, remarked: “Physically small, but carrying an enormous weight of significance, For Our Country reflects honestly upon a complex history, and looks forward to greater cultural understanding.” The awards ceremony, which was held virtually via Youtube due to the impact of COVID-19 and social distancing restrictions, gave recognition to a total of 43 recipients across 14 categories. 

다니엘 보이드, ACT Architecture Awards 2020에서 4개 부문 수상

호주 출신 작가 다니엘 보이드(Daniel Boyd)와 멜버른 건축사무소 에디션 오피스(Edition Office)의 기념비 조각 <For Our Country>(2019)가 ACT Architecture Awards 2020에서 4개 부문을 수상했다. 호주 건축가 협회(Australian Institute of Architects)가 주관하는 이 상은 지속 가능하다 평가 받은 공공, 주거, 상업, 교육 건축물에 수여된다. <For Our Country>는 최고 권위의 상인 ‘Canberra Medallion’을 비롯하여 소규모 건축물을 대상으로 하는 ‘The Cynthia Breheny Award for Small Project’, 건축과 예술이 훌륭하게 결합된 작품에 수여하는 ‘The Pamille Berg Award for Art in Architecture’, 빛을 활용한 건축물을 선정하는 ‘The Robert Foster Award for light in Architecture’를 수상했다. 

현재 캔버라의 호주 전쟁 기념관에 설치된 <For Our Country>는 조국을 위해 희생한 원주민 및 토레스 해협 토착민을 기리는 작품이다. 벽면을 채운 수천 개의 투명한 렌즈는 역사를 바라보는 다양한 시각을 상징하며, 렌즈를 통해 들어오는 빛은 원주민들의 영적인 힘과 나라를 지켜온 긍지를 표현한다. 심사위원장 마커스 그레이엄(Marcus Graham)은 “물리적으로 작지만 엄청난 중요성을 가진 <For Our Country>는 복합적인 역사를 반영하고 있으며, 나아가 더 깊은 문화적 이해를 창출한다”고 선정 이유를 밝혔다. 시상식은 지난 6월 5일, 코로나 19로 인한 사회적 거리두기의 일환으로 유튜브 스트리밍을 통해 진행되었으며 총 14개 부문, 43명(팀)이 수상했다. 

[Source from AIA website]
14 Elmgreen & Dragset Participate in Group Exhibition OH! MY CITY at PARADISE ART SPACE, Incheon

Elmgreen & Dragset, City in the Sky, 2019, stainless steel, steel, aluminium acrylic glass, LED lights, 400 x 500 x 220 cm. Courtesy of the Artists, Kukje Gallery, Massimo De Carlo, and Perrotin. Photo: Myungrae Park. 

Artists: Elmgreen & Dragset (엘름그린 & 드라그셋)
Exhibition Dates: June 18 – Oct 4, 2020 
Exhibition Venue: PARADISE ART SPACE, Incheon, Korea
Website: www.p-city.com/front/artSpace/overview

The artist duo Elmgreen & Dragset are currently participating in the group exhibition OH! MY CITY held at PARADISE ART SPACE in Incheon. The exhibition, which presents the works of five international contemporary artists including Anibal Catalan and Chiharu Shiota, explores the multilateral meanings of cities, extending beyond their physical boundaries. Known for their signature humor and poignant sarcasm against social clichés and cultural structures pervasive in everyday life, Elmgreen & Dragset present three works that reinterpret conventional cityscapes. 

Installed within Paradise Walk, the hallway that connects PARADISE ART SPACE to Paradise City, is City in the Sky (2019)—a large-scale installation that depicts a scaled model of an imaginary city, flipped upside down. This marks the first time this work has been showcased in Korea. Inspired by financial centers being built in megacities such as Hong Kong, Shanghai, and London, City in the Sky portrays the complex layers and aspirations that impact the cityscape as the competition among global metropolises intensifies. The artists expanded on this idea, creating a kaleidoscopic overview of a fictional urban landscape in which illuminated skyscrapers are rendered as post-architectural archetypes, prompting viewers to imagine their own ideal city. The Observer (Kappa) (2019), installed in PARADISE ART SPACE, displays a lone figure deep in thought, casually leaning over the railing of a balcony. The balcony transgresses boundaries,  being at once private and public, and the work represents a portrait of an individual observing the myriad features of a city. Facing The Observer (Kappa) is a new variation of Powerless Structures, Fig. 429 (2012), of which the original version was first introduced at the Echigo-Tsumari Satoyama Museum of Contemporary Art KINARE in 2013. The exhibition, which provides an opportunity to experience the everyday city from an artistic perspective, runs through October 4, 2020. 

엘름그린 & 드라그셋, 인천 파라다이스 아트스페이스 그룹전 《OH! MY CITY》 참가

작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)이 인천 파라다이스 아트스페이스에서 열리는 그룹전 《OH! MY CITY》에 참여한다. 엘름그린 & 드라그셋을 비롯하여 아니발 카탈란(Anibal Catalan), 시오타 치하루(Chiharu Shiota) 등 현대미술가 5인의 작품들로 꾸려지는 이번 전시는 물리적 차원을 넘어 다양한 의미의 공간으로서의 도시를 조명한다. 일상과 도시에 만연한 문화구조에 질문을 제기하고, 특유의 위트와 비판정신으로 재해석해온 엘름그린 & 드라그셋은 이번 전시에서 도시의 풍경을 새로운 관점으로 매개한 작품 3점을 선보인다. 

특히 가상의 도시를 뒤집은 형태의 작품 <City in the Sky>(2019)는 작품통로 공간인 파라다이스 워크에 설치되어 국내에서 첫 선을 보인다. 홍콩, 상하이, 런던 등 세계 금융 중심지에서 영감 받은 이 작품은 대도시들 간의 고조된 경쟁과 야망을 함축하며, 도시의 마천루를 따라 빛나는 빛은 관객들로 하여금 각자가 꿈꾸는 이상적인 도시를 상상하게 한다. 이어지는 전시장에 설치된 <The Observer(Kappa)>(2019)는 공과 사의 경계인 발코니에서 홀로 사색에 잠긴 인물 형상을 나타낸 작품으로, 도시의 다양한 양상을 관찰하는 어느 개인의 자화상을 상징한다. 또한 지난 2013년 일본 에치고 쓰마리 사토야마 현대미술관 KINARE에서 공개되었던 <Powerless Structures, Fig. 429>(2012)는 전시장 내 공간에서 새로운 구성으로 소개된다. 익숙한 공간인 도시를 예술의 관점으로 바라볼 수 있는 기회를 제공하는 이번 전시는 오는 10월 4일까지 계속된다.

[Source from PARADISE ART SPACE press release]
15 Kukje Gallery Collaborates with Space-Centered Digital Experiential Design Company d’strict

Installation view of WAVE, 2020, Coex Artium, Seoul, Korea. Copyright 2020. d’strict holdings. All rights reserved. Image provided by d’strict.

Kukje Gallery is pleased to announce a collaborative relationship and a series of upcoming public art projects with the space-centered digital experiential design company d'strict. Having recently been the subject of accolades from both Korea and abroad for their public art project titled WAVE, an immersive video art installation that features giant blue waves crashing onto the wraparound display atop Coex Artium in Seoul's Samseong-dong, d'strict creates user-centered experiences for a wide range of public spaces including flagship stores, hotels, and theme parks with spectacular visual contents that employ cutting edge digital media technology. While WAVE was initially developed as a promotional advertising product for which the company's extensive experience and expertise came into play, the installation has progressed into a work of art which flawlessly integrates art and technology, presenting the artistic value and realization of technology in everyday life. Not only within this context but also in face of the global pandemic, WAVE effectively functions as a groundbreaking public art installation that spans the dimensions of both time and space in the heart of the cosmopolitan city of Seoul. In the coming months, d’strict plans to reveal Soft Body, a depiction of human and object collisions onto the screen, and WHALE, a portrayal of a virtual whale navigating its way through a big screen acting as a large water tank.

The joint effort between Kukje Gallery and d’strict represents the evolution of media art technology, along with the changes that will be brought upon the industry’s landscape, defined by the dynamics between creators and viewers/users, everyday life and art. With confidence in its success with commercial projects in recent years, d’strict is currently planning its very own artist unit in order to further explore the aesthetic potential of media art. Grounded on its persisting interest in the digitalization of the art market following the global pandemic, further exemplified by the launch of the online viewing room – kukje ON – and its ongoing digital archive, Kukje Gallery will wholeheartedly support and participate in the forthcoming creative journey of this unit. This much-anticipated encounter between the two leading entities of the art and technology sectors signals an exciting venture and a meaningful challenge in the contemporary art discourse, all of which is made possible by rediscovering the hidden values of art through the integration between art and everyday life, and sharing media art as a new phenomenon reflecting our generation today.

Established in 2004, the digital media technology-based d’strict has built a name for its commitment to curating space-centered public art projects and expanding the boundaries of the digital media business through means of digital media technology including holographic displays and projection mapping. Based on the company’s cutting edge technology, d’strict has developed distinguished visual content including Live Park (2011), the world’s first-ever digital theme park; Live Pavilion (2018), an interactive pavilion for the 2018 Pyeongchang Winter Olympics; Nexen UniverCity (2019), a three-dimensional space designed for Nexen Tire. d’strict was named the winner of the iF DESIGN AWARD (2005, 2007, 2011, 2013, 2014, 2016, 2018, 2020), Red Dot Design Award (2006), and London International Awards (2004, 2006). Corporate partnerships include those with leading companies such as Samsung Electronics, SK, LG, Hyundai Motor Company, and IKEA. Following its expansion into the Chinese market in 2015 with the launch of d’strict china, the company soon plans to open another division in Vietnam in order to further extend its business opportunities abroad. Currently, d’strict is in the final stages of preparation for ARTE MUSEUM in Jeju Island, Korea, the country’s largest permanent media art display scheduled to open within the first-half of this year.

국제갤러리, 공간기반 디지털 경험 디자인 회사 디스트릭트(d’strict)와 협력

국제갤러리는 디지털 기반 디자인 회사 디스트릭트(d’strict)와 협력관계를 맺고 향후 다채로운 아트 프로젝트를 선보일 예정이다. 현재 삼성동 코엑스 아티움 대형 전광판에 거대한 파도 영상의 퍼블릭 아트 프로젝트 <WAVE>로 국내외의 큰 주목을 받고 있는 디스트릭트는 탄탄한 디지털 미디어 기술력을 활용한 감각적인 콘텐츠를 통해 브랜드 매장, 호텔, 테마파크 등 다양한 공간에서의 사용자 경험을 디자인해왔다. <WAVE> 역시 이들의 경험과 노하우를 담은 일종의 상품이자 광고로 기획 및 제작되었지만, 디스트릭트는 기술과 예술이 융합한 <WAVE>를 통해 기술의 예술적 가치와 이를 일상에서 구현해내는 작업의 개념을 일깨웠다. 실제 <WAVE>는 현 팬데믹 상황이라는 시간의 측면에서나 서울 도심 한복판이라는 공간의 개념에서 공히 획기적인 공공미술로 기능하고 있다. 향후 거리를 가로지르는 사람과 사물이 화면에 잇따라 부딪치는 모습을 제작한 <Soft Body>, 고래가 스크린을 유영하는 <WHALE> 시리즈도 차례로 공개될 예정이다.

이번 디스트릭트와 국제갤러리와의 협력은 현 시대 미디어아트 기술의 진화는 물론 창작자-관객/사용자, 일상-예술의 관계 등 미디어 환경의 결정적인 변화를 짐작하게 하는 대목이다. 디스트릭트는 수 년에 걸쳐 심화해온 상업적 프로젝트와는 별개로, 미디어아트 자체의 예술성과 가능성을 실험하기 위해 일종의 미디어 아티스트 유닛의 결성을 본격적으로 기획 중이다. 국제갤러리는 디스트릭트 내 아티스트 유닛의 창의적, 예술적 활동을 적극적으로 지원하고 함께 진행해 나갈 예정인데, 이는 이번 코로나 19 이후 디지털 뷰잉룸 ‘국제 온’, 디지털 아카이브, 가상공간에서의 전시관람 경험을 제공하는 등 미술시장 디지털화의 가능성을 탐색해온 행보와 맥락을 같이 한다. 따라서 각자의 자리에서 제 역할에 충실해온 두 대상의 만남은 현재 현대미술이 추구하는 방향, 즉 일상과 예술의 경계를 허물어 예술의 숨은 가치를 발견하고, 시대를 반영하여 선도하는 새로운 현상으로서의 미디어아트를 활발히 공유할 수 있는 유의미한 시도 및 실험이 될 것이라는 기대를 모으고 있다. 

지난 2004년 설립 이래 최고의 디지털 미디어 기술을 기반으로 공공의 장소에서 누구나 즐길 수 있는 콘텐츠를 지속적으로 연구해온 디스트릭트는 홀로그래픽 디스플레이, 프로젝션 맵핑 등 디지털 미디어 기술을 활용한 서비스를 제공하며 디지털 미디어 사업 영역의 개척을 선도해왔다. 이렇게 진일보한 기술력을 바탕으로 세계 최초 디지털 테마파크 Live Park(2011), 평창 동계올림픽 Live Pavilion(2018), 3D 입체공간 Nexen UniverCity(2019) 등 차별화된 결과물을 만들어냈다. 주요 수상 경력으로는 iF 디자인 어워드(2005, 2007, 2011, 2013, 2014, 2016, 2018, 2020), 레드닷 디자인 어워드(2006), 런던 국제 광고제(2004, 2006) 등이 있다. 삼성전자, SK, LG, 현대자동차, IKEA 등 유수의 브랜드와 파트너십을 맺고 있으며, 2015년 중국 시장 진출을 위해 설립한 ‘디스트릭트 차이나’에 이어 올해 베트남에 추가 법인을 설립하는 등 글로벌 시장으로 활동 영역을 넓히는 중이다. 현재는 올해 상반기 제주에 개관할 국내 최대 규모의 상설 미디어아트 전시관 ‘ARTE MUSEUM’ 준비에 박차를 가하고 있다.