KUKJE GALLERY
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1 Elmgreen & Dragset, Subject of Major Retrospective 2020 at the Espoo Museum of Modern Art (EMMA), Finland

2020 by Elmgreen & Dragset at EMMA – Espoo Museum of Modern Art Sep 26 2020 – Jan 17 2021. Photo: Paula Virta / EMMA

Artists: Elmgreen & Dragset (엘름그린 & 드라그셋)
Exhibition Dates: Sep 26, 2020 – Jan 17, 2021
Exhibition Venue: EMMA – Espoo Museum of Modern Art, Helsinki, Finland
Website: www.emmamuseum.fi/en/exhibitions/elmgreen-dragset/

Elmgreen & Dragset are the subject of a major retrospective titled 2020 at the Espoo Museum of Modern Art (hereafter EMMA) in Helsinki, Finland, in celebration of the 25th anniversary of their collaboration. The artist duo reinterprets familiar spatial structures and cultural stereotypes that surround us today with their signature criticality and subversive wit. The exhibition space, transformed into a familiar yet surreal parking lot environment, provides a unique perspective to how we perceive the year 2020, throughout these unprecedented times caused by the pandemic. 

The parking lot, displaying cars and traffic signs along with Elmgreen & Dragset’s site-specific installations, delivers a seemingly familiar yet uncannily peculiar atmosphere. Sculptural installations including The Outsiders (2020), portraying two men lying together in the back of an old Mercedes estate car, followed by The Wait (2013-2020) and I Must Make Amends (2018), focus on the social properties and implications of the automobile—a private property owned by a majority of people today—revealing the perceptions and power structures in our society. The artist duo uses the parking lot—a public yet mobile environment—as a metaphor for the circumstances we face in 2020, where space and time have become temporary. Running through the works is an underlying concern for the loss of togetherness and a culture that emphasizes the individual within a post-pandemic community. Released in accordance with the exhibition, the Finnish rapper Paperi T’s new song and performancecan be seen via the museum’s website. 


엘름그린 & 드라그셋, 핀란드 EMMA 현대미술관 개인전 《2020》 개최

엘름그린 & 드라그셋의 듀오 결성 25주년을 기념한 개인전 《2020》이 핀란드 EMMA 현대미술관에서 오는 1월 17일까지 열린다. 엘름그린 & 드라그셋은 현대인을 둘러싼 공간과 사회적 클리셰에 끊임없이 질문을 제기하고, 이를 특유의 위트와 비판정신으로 표현한 작업을 선보여 왔다. 이번 전시에서 이들은 전시 공간 전체를 초현실적인 주차장으로 변모시키며 유례없는 팬데믹 시기인 ‘2020년’을 새로운 관점으로 재해석한다. 

자동차와 주차 표식, 그리고 장소특정적 설치 작품이 어우러진 주차장은 익숙한 듯 낯선 풍경으로 관객의 시선을 사로잡는다. 오래된 벤츠 뒷자석에 두 남자가 누워있는 형상의 조각 <The Outsiders>(2020)를 비롯해 <The Wait>(2013-2020), <I Must Make Amends>(2018) 등은 거의 모든 현대인의 사적 소유물인 동시에 다양한 사회적 의미를 지닌 자동차의 속성에 주목한다. 엘름그린 & 드라그셋은 공공장소지만 누구도 머무르지 않는 비장소적 특징을 지닌 주차장이라는 공간을 통해 어딘가에 들어갔다 빠르게 떠나야만 하는 2020년의 상황을 은유적으로 나타낸다. 작가의 관점으로 매개된 주차장은 팬데믹 상황 속에서 진행되는 개인화와 공동체 의식의 상실, 그 이후의 삶에 대한 질문을 던진다. 특별히 미술관 웹사이트에서는 이번 전시를 위해 핀란드의 가수 파페리 티가 직접 만든 노래를 전시와 함께 감상할 수 있다. (https://emmamuseum.fi/en/ed2020/)

[Source from EMMA – Espoo Museum of Modern Art press release]
 
 
2 Koo Bohnchang, Subject of Solo Exhibition Light Shadow: Koo Bohnchang at the Korean Cultural Centre AU Australia Gallery, Sydney, Australia

Koo Bohnchang (b.1953), Vessel (MG 08 BW), 2005, archival pigment print, 100 x 80 cm. Courtesy of the artist.

Artists: Koo Bohnchang (구본창)
Exhibition Dates: Aug 28, 2020 – Nov 13, 2020
Exhibition Venue: Korean Cultural Centre Australia Gallery, Sydney, Australia
Website: www.koreanculture.org.au/exhibition/

The photographer Koo Bohnchang is the subject of a solo exhibition titled Light Shadow: Koo Bohnchang at the Korean Cultural Centre AU (hereafter KCC), Sydney, Australia, through November 13, 2020. Established in 2011 in celebration of the 50th anniversary of diplomatic relations between Korea and Australia, the KCC has served a pivotal role in introducing the arts and culture of Korea to local audiences. The exhibition, organized by the KCC as part of Australia’s largest photography festival called ‘Head On Photo Festival,’ showcases Koo’s Vessels series, which captures the essence of white porcelains from Korea’s Joseon Dynasty. 

Throughout his career, Koo has traveled widely in search of white porcelains of the Joseon Dynasty scattered across different institutions around the world—namely Kyoto’s Koryo Museum of Art along with other renowned institutions in Paris and London—meticulously documenting each vessel as if it were a portrait of a person. The 39 works on view extend beyond the mere visual depiction of the vessel as a subject, conveying the imperfect yet unique beauty of it imbued with warmth and spirit. The exhibition includes a series of 12 photographs presenting the moon jar in the form of the moon rising and falling across 12 phases, as well as a collection of three scrolled photographs of the vessel. These works are accompanied by an essay written on Koo’s white porcelains by the Korean novelist Park Wansuh. Due to COVID-19, the KCC will be sharing exhibition-related content, including the artist interview, online via the institution’s Facebook page to heighten visitor experience. 


구본창, 시드니 한국문화원에서 개인전 《백자 사진전: 구본창》 개최

사진작가 구본창의 호주 첫 개인전 《백자 사진전: 구본창》이 오는 11월 13일까지 시드니 한국문화원에서 열린다. 한국-호주 수교 50주년을 기념하여 2011년 처음 시드니에 문을 연 한국문화원은 한국의 문화예술을 현지에 소개하는 다채로운 활동을 전개해왔다. 한국문화원이 호주 최대 규모의 사진축제 헤드온 포토페스티벌(Head On Photo Festival)의 일환으로 기획한 이번 전시에서 구본창은 한국 백자 고유의 숨결을 담아낸 <백자> 연작을 선보인다.

교토의 고려미술관을 시작으로 파리, 런던 등 전세계 박물관에 흩어져 있는 조선의 백자를 카메라에 담아온 구본창은 마치 초상화를 찍듯 백자의 모습을 섬세하게 포착한다. 본 전시에서는 대상을 시각적으로 재현하는데 그치지 않고, 순백자가 가진 온기, 비정형성, 불완전함의 깊은 아름다움을 담아낸 <백자> 연작 39점을 만날 수 있다. 달항아리를 달이 뜨고 지는 12단계로 표현한 사진 연작 12점, 달항아리 사진을 족자로 설치한 작품 3점도 한자리에 소개된다. 또한 소설가 박완서(1931~2011)가 생전에 쓴 ‘백자송’의 내용도 작품과 함께 펼쳐진다. 한편 한국문화원은 펜데믹 상황을 고려하여 작가 인터뷰 영상 등 온라인으로 즐길 수 있는 콘텐츠를 문화원 페이스북을 통해 공개해 작품에 대한 이해를 돕는다.

[Source from Korean Cultural Centre Australia website]
 
 
3 MeeNa Park participates in Group Exhibition Diving into the Color at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea

MeeNa Park, 14 Shades of Monochrome and Green, Blue, Red and Black Light, 2020, lights, wall painting

Artists: MeeNa Park (박미나)
Exhibition Dates: July 22, 2020 – Feb 28, 2021 
Exhibition Venue: National Museum of Modern and Contemporary Art, Gwacheon, Korea
Website: www.mmca.go.kr/eng/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=202006150001275

The contemporary artist MeeNa Park participates in the group exhibition Diving into the Color, held at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea, from July 22, 2020. The largest children’s exhibition to be held at the museum’s Gwacheon branch since its opening in 1986, the presentation includes works by six artists including MeeNa Park, Kim Yongkwan, Kim Jin Song, Park Kiwon, Back Inkyo, and Jo Sook Jin, presenting vibrant, colorful spaces that aim to awaken the senses and imagination of visiting children. MeeNa Park, who has challenged stereotypical norms by collecting and researching different compositions of color according to her own standards, will be showcasing an installation and a series of approximately 180 paintings as part of the exhibition. 

The exhibition, which takes place across an area of 2,645㎡ at the Circular Gallery on the first floor, is comprised of three sections titled ‘Exhibition Zone,’ ‘Activity Zone,’ and ‘Learning Zone.’ Displayed on the outer walls of the gallery is Park’s mural titled 14 Shades of Monochrome and Green, Blue, Red and Black Light (2020), showcasing 14 shades of monochrome along with green, blue, red, and black light in the shape of a rectangular cube. The work, which utilizes various color theories involving color, monochrome, brightness, and color adaptation, provides a hands-on experience with color characteristics and theories for children. Further installed on the walls are Coloring Drawings (2020) and 12 Colors (2020), a vast collection of approximately 180 drawings that provide a multisensory experience with color. Alongside these physically engaging works of art, the Activity Zone offers a program titled “Moving Color! Breathing Sculpture!” where visitors can create works of their own, while the Learning Zone provides an education program titled “Open Yard.” The museum will also be offering accessible tour programs for children with disabilities including vision impairment and hearing loss. The exhibition, which provides an opportunity to engage with and discover the joy of contemporary art within a colorfully curated environment, runs through February 28, 2021. 


박미나, 과천 국립현대미술관 그룹전 《신나는 빛깔 마당》 참가

현대미술가 박미나는 과천 국립현대미술관에서 7월 22일부터 진행되는 어린이 전시 《신나는 빛깔 마당》에 참여한다. 1986년 과천관 개관 이후 최대 규모로 열리는 이번 어린이 전시는 박미나, 김용관, 김진송, 박기원, 백인교, 조숙진 6인의 작가들이 어린이의 감각과 상상력을 일깨울 수 있는 다채로운 색의 공간을 펼쳐 보인다. 자신만의 기준으로 색상을 수집, 연구하여 기존의 인식 체계를 전환하는 색채 작업을 펼쳐온 박미나는 이번 전시에서 여러 가지 색깔 재료를 사용한 설치작 1점과 회화 연작 180여 점을 선보인다. 

2,645㎡ 규모의 원형 전시실에서 펼쳐지는 본 전시는 전시, 체험, 교육 공간으로 구성된다. 박미나 는 전시 공간에 외벽 벽화 ‘무채색 14단계’와 내부 벽화 ‘녹색, 파랑, 빨강, 검정 광원’으로 이루어진 직육면체 형태의 작품 <무채색 14단계와 녹색, 파랑, 빨강, 검정 광원>(2020)을 소개한다. 유채색과 무채색, 명도, 색순응 등 다양한 색의 원리를 활용한 본 작품은 아이들로 하여금 색의 특징과 원리를 몸으로 경험할 수 있는 기회를 제공한다. 또한 벽면에는 수많은 색으로 구성된 <색칠 공부 드로잉>(2020), <12 Colors>(2020) 연작 180여 점이 설치되어 색에 대한 다양한 감각을 일깨운다. 또한 전시 공간 외에 나만의 작품을 만들어 보는 체험 공간 ‘엉뚱한 상상조각’과 교육 공간 ‘모두의 마당’이 함께 운영되며, 시각, 청각 장애아동을 위한 전시 해설 프로그램이 제공될 예정이다. 일상과 닿아 있는 색의 공간에서 현대미술의 즐거움을 스스로 발견할 수 있는 이번 전시는 내년 2월 28일까지 계속된다.

[Source from MMCA press release]
 
 
4 Park Chan-kyong Participates in Yokohama Triennale 2020: Afterglow

Park Chan-kyong, Belated Bosal, 2019, HD film, black & white, 4-channel sound, 55 min. Courtesy of the artist. Photo: Hong Cheolki

Artist: Park Chan-kyong (박찬경)
Exhibition Dates: July 17 – Oct 11, 2020 
Exhibition Venue: Yokohama Museum of Art, Japan
Website: www.yokohamatriennale.jp/english/2020/

The contemporary artist Park Chan-kyong is currently participating in Yokohama Triennale 2020, held from July 17, 2020, in Yokohama, one of Japan’s major cultural hubs. Initiated in 2001, the triennale has been held every three years since, shaping conversations around contemporary art and showcasing an extensive roster of both established and emerging artists from across the globe. Raqs Media Collective, a collective of three artists based in New Delhi, India, is the artistic director of this year’s event which is titled Afterglow, referring to the Big Bang’s destructive energy that inspired creativity over time and gave birth to life, along with its radiation that is simultaneously toxic and therapeutic. The triennale aims to focus on the cycle of destruction/toxicity and recovery/care in the contemporary world that continues to affect its members, exploring methods of sustainability and survival. Visitors are welcome to experience the presentation across three venues: the Yokohama Museum of Art, PLOT 48, and NYK MARITIME MUSEUM. 

On display at the Yokohama Museum of Art is Belated Bosal (2019), which was showcased last year at the artist’s solo exhibition titled MMCA Hyundai Motor Series 2019: Park Chan-kyong – Gathering, in the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Seoul. Belated Bosal, a 55-minute long film that creates comprehensive discourse across religious and historical events such as the parinirvana of Buddha Sakyamuni and the Fukushima Nuclear Accident, critically explores the potentials of art as a method of communication in a post-disaster society. This year’s 90-day long Yokohama Triennale runs through October 11, 2020, presenting works by 67 international artists including Park Chan-kyong, Aono Fumiaki, and Nick Cave, followed by relevant digital content such as ‘Episōdo’—filmed conversations around participating artists and works—and ‘Sourcebook’—an archive documenting artists’ working processes. 


박찬경, 요코하마 트리엔날레 2020 《AFTERGLOW》 참가

현대미술가 박찬경은 7월 17일부터 일본 대표 문화도시 요코하마에서 열리는 요코하마 트리엔날레 2020에 참여한다. 2001년 시작한 요코하마 트리엔날레는 3년마다 열리는 국제미술전으로 국제적으로 명성 높은 작가뿐 아니라 신진 예술가들을 폭넓게 소개함으로써 다각적인 현대미술의 동향을 제시해왔다. 인도 뉴델리를 거점으로 활동하는 3명의 작가로 구성된 락스 미디어 콜렉티브(Raqs Media Collective)가 예술감독을 맡은 이번 트리엔날레는 잔광, 여운이란 뜻의 ‘AFTERGLOW’를 주제로 지구상의 생명체를 탄생시킨 빅뱅의 파괴적인 에너지와 이로부터 파생된 방사선이 지니는 파괴와 독성 그리고 회복과 치유의 순환적 성질에 주목한다. 지금도 우리에게 영향을 미치는 이러한 에너지의 흐름 속에서 현대인의 지속과 생존의 방법을 모색하는 이번 트리엔날레는 요코하마 미술관, 플롯 48, 유센 역사 박물관을 아울러 진행된다. 

박찬경은 지난해 국립현대미술관 개인전 《MMCA 현대차 시리즈 2019: 박찬경 - 모임 Gathering》에서 선보인 바 있는 영상 작품 <늦게 온 보살>(2019)을 요코하마 미술관에서 전시한다. ‘석가모니의 열반’이라는 종교적 사건과 동시대 재난인 ‘후쿠시마 원전 사고’를 하나의 담론으로 엮어 낸 55분 길이의 영상 <늦게 온 보살>은 재난 이후 우리 사회에서 미술 언어가 가질 수 있는 가능성을 비판적으로 모색한다. 박찬경을 비롯해 아오노 후미아키(Aono Fumiaki), 닉 케이브(Nick Cave) 등 총 67명의 작가들이 참여하는 이번 트리엔날레는 본 전시와 함께 작가와 작품, 다양한 담론에 대한 논의를 담은 영상 콘텐츠 ‘Episōdo’, 트리엔날레 준비 과정에서 수집한 자료들을 모은 ‘Sourcebook’ 등 다채로운 디지털 콘텐츠를 제공한다. 본 트리엔날레는 오는 10월 11일까지, 총 90여 일간 진행된다. 

[Source from Yokohama Triennale 2020 website]
 
 
5 Anish Kapoor, Subject of Solo Exhibition Anish Kapoor at Houghton Hall at Houghton Hall in Norfolk, UK 

Anish Kapoor, Sky Mirror, 2018, stainless steel. Eight Eight, 2004, onyx. Courtesy the artist and Lisson Gallery. © Anish Kapoor. All rights reserved DACS, 2020. Photo: Pete Huggins 

Artists: Anish Kapoor (아니쉬 카푸어)
Exhibition Dates: Jul 12 – Nov 1, 2020 
Exhibition Venue: Houghton Hall, Norfolk, UK
Website: www.houghtonhall.com/?page_id=3181

The internationally acclaimed contemporary artist Anish Kapoor is the subject of a solo exhibition titled Anish Kapoor at Houghton Hall, which opened on July 12, 2020, at Houghton Hall located in Norfolk, in the east of England. Built by Sir Robert Walpole, Great Britain’s first Prime Minister in around 1722, Houghton Hall is one of the country’s finest examples of Palladian architecture. Currently owned by the Cholmondeley family, the venue has displayed works by internationally acclaimed artists including Richard Long, Damien Hirst, and Henry Moore, since opening to the public in 1976. Kapoor, known for his practice that engages the physicality of materials and non-linear forms in order to explore concepts of the body, existence, and spirituality, showcases his unique artistic vocabulary and establishes an aesthetic dialogue with the classical architecture of the house and the idyllic beauty of the grounds

Curated by Mario Codognato, director of the Anish Kapoor Foundation, the exhibition will present 24 sculptures as well as a selection of drawings representative of the artist’s ground-breaking body of work created over the past four decades. Installed on the grounds is Kapoor’s iconic Sky Mirror (2018), a 5-meter diameter mirror created with stainless steel reflecting the movements of the sky. Also installed outdoors are a number of carved marble sculptures created from 2001 to 2004 featuring geometrical yet organic forms, including Grace (2004) and Eight Eight (2004). Shown throughout the galleries inside the house is a series of colored concave mirrors which come into harmony with the classical décor to create an enchanting and elegant atmosphere. The exhibition, which broadens the psychological and physical perceptions of visitors with artworks that seamlessly blend in and come into continuous dialogue and engagement with Houghton’s history, runs through November 1, 2020. 


아니쉬 카푸어, 영국 호턴 홀 개인전 《Anish Kapoor at Houghton Hall》 참가

현대미술의 거장 아니쉬 카푸어의 개인전 《Anish Kapoor at Houghton Hall》이 잉글랜드 동부에 위치한 호튼 홀에서 7월 12일부터 열린다. 호튼 홀은 영국 초대 총리 로버트 월풀(Sir Robert Walpole)을 위해 1722년경 지어진 대저택으로 특히 팔라디오 양식의 걸작으로 손꼽히는 건축물이다. 현재 콜몬들리(Cholmondeley)가 소유의 저택인 이 곳은 1976년 처음 대중에게 공개된 이후, 리차드 롱(Richard Long), 데미안 허스트(Damien Hirst), 헨리 무어(Henry Moore) 등 저명한 미술가들의 작품들을 전시해왔다. 재료의 물성과 비정형적 형태를 통해 정신적, 본질적인 영역을 탐구해온 아니쉬 카푸어는 이번 개인전에서 호튼 홀의 아름다운 경관과 미술적으로 소통하는 고유한 작품세계를 펼쳐 보인다. 

아니쉬 카푸어 재단의 디렉터 마리오 코도냐토(Mario Codognato)가 기획한 본 전시는 작가의 40여 년 예술세계를 아우르는 24점의 조각과 드로잉 작품들을 소개한다. 정원에 설치된 대표작 <Sky Mirror>(2018)는 5미터 지름의 스테인리스 소재 조각으로, 거울처럼 매끈한 표면은 시시각각의 하늘을 그대로 비춘다. 2001-2004년 사이에 제작된 기하학적이면서 유기적인 대리석 조각 <Grace>(2004), <Eight Eight>(2004) 등도 공간 곳곳에 함께 소개된다. 저택 내부로 이어지는 전시 공간에서는 형형색색의 오목한 형태의 거울 연작들이 고전적인 장식과 한데 어우러져 신비롭고도 아름다운 풍경을 자아낸다. 유서 깊은 호튼 홀의 공간과 조화를 이루는 작품들을 통해 관객들의 신체적, 정신적 감각의 확장을 일깨우는 이번 전시는 오는 11월 1일까지 계속된다. 

[Source from Houghton Hall website]
 
 
6 Bill Viola, Subject of Solo Exhibition titled Bill Viola. Mirrors of the Unseen at Espacio Fundación Telefónica, Madrid, Spain

Bill Viola, Walking on the Edge, 2012 © Bill Viola Studio

Artists: Bill Viola (빌 비올라)
Exhibition Dates: Jun 26, 2020 – Jan 10, 2021
Exhibition Venue: Espacio Fundación Telefónica, Madrid, Spain
Website: espacio.fundaciontelefonica.com/en/evento/bill-viola-mirrors-of-the-unseen/

The internationally renowned contemporary video artist Bill Viola is the subject of a major solo exhibition titled Bill Viola. Mirrors of the Unseen at Espacio Fundación Telefónica, Madrid, Spain, through January 10, 2021. Kira Perov, Viola’s wife and the Executive Director of Bill Viola Studio, curated the extensive presentation which encompasses over 20 major works created over the past four decades. Viola is widely known to explore fundamental and existential themes by portraying the sublime in universal human experiences including birth, life, and death through video. Utilizing his signature slow-motion technique, Viola allows viewers to witness the action and the expression of emotions on the faces of the actors in detail, revealing the collapse of consciousness.  

Upon entering the exhibition located across the fourth floor of the foundation, visitors encounter one of Viola’s early works created in the 1970s titled The Reflecting Pool (1977-1979). Viola reconstructs viewers’ concepts of time and memory by displaying surrealistic images, unaffected by time, reflected on the pond. The 4-channel large-scale video titled Martyrs (2014), commissioned by St. Paul’s Cathedral, UK,–– exemplifies the human endurance to bear pain and hardship in order to uphold their values, beliefs, and principles. Here, adversity is represented by natural elements such as earth, wind, water, and fire. Additional works include Walking on the Edge (2012), which signifies the detachment between father and son, followed by Self Portrait, Submerged (2013), and Ablutions (2015) which encourage viewers to explore the existent yet imperceptible dimensions of the world. 


빌 비올라, 마드리드 텔레포니카 재단에서 개인전 《Bill Viola. Mirrors of the Unseen》 개최

비디오 아트의 거장 빌 비올라의 대규모 개인전 《Bill Viola. Mirrors of the Unseen》이 마드리드에 위치한 텔레포니카 재단에서 내년 1월 10일까지 열린다. 빌 비올라 재단 디렉터이자 그의 부인 키라 페로브(Kira Perov)가 기획한 이번 전시는 1970년대 후반부터 최근까지 빌 비올라의 응축된 40년 예술세계를 폭넓게 펼쳐 보인다. 삶, 죽음 등 근원적이고 존재론적인 주제를 ‘비디오’라는 매체로 표현해온 빌 비올라는 이번 개인전에서 특유의 슬로우 모션 기법을 통해 익숙한 의식의 흐름에 균열을 가하는 20여 점의 작품들을 선보인다. 

재단 건물 4층 전시장을 아울러 진행되는 본 전시에서는 먼저 빌 비올라의 초기작인 1970년대 비디오 작품 <The Reflecting Pool>(1977-1979)을 만날 수 있다. 연못 안팎의 시간이 각기 다르게 흐르는 이 작품은 수면에 비친 비현실적인 이미지를 통해 우리가 존재하는 세계의 시공간을 재고하게끔 한다. 4채널 대형 비디오로 구성된 영국 세인트 폴 대성당 커미션 작품 <Martyrs>(2014)는 흙, 바람, 물, 불 속에서 고통을 견뎌내는 인간의 모습을 통해 인간의 의지와 인내력, 희생의 숭고함을 표현한다. 이 밖에도 닿을 수 없는 아버지와 아들의 거리를 상징적으로 나타낸 비디오 작품 <Walking on the Edge>(2012)를 비롯해 <Self Portrait, Submerged>(2013), <Ablutions>(2015) 등 현실에 존재하지만 보이지 않는 세계를 발견하고 사유하도록 하는 주요 작품들이 함께 공개된다.

[Source from Espacio Fundación Telefónica website]
 
 
7 Daniel Boyd Announced as Recipient for 2020 ACT Architecture Awards across Four Categories

Daniel Boyd, Installation view of For our Country - Aboriginal and Torres Strait Islander memorial, Australian War Memorial, Canberra, 2019 Photo: Ben Hosking

Awarded Artist: Daniel Boyd (다니엘 보이드)
Award Institution: 호주 건축가 협회(Australian Institute of Architects)
Website: www.architecture.com.au/news_media_articles/national-aboriginal-and-torres-strait-islander-memorial-tops-act-architecture-awards/

For Our Country (2019), a memorial designed in collaboration of the Australian artist Daniel Boyd and the Melbourne-based architecture studio Edition Office, has received accolades at the 2020 ACT Architecture Awards by winning across four different categories. Organized by the Australian Institute of Architects, the ACT Architecture Awards recognizes architectural achievements in categories such as public architecture, residential, commercial, education, and sustainability. For Our Country won the esteemed Canberra Medallion along with the Cynthia Breheny Award for Small Project Architecture, the Pamille Berg Award for Art in Architecture, and the Robert Foster Award for Light in Architecture. 

The memorial, which is currently installed in the Australian War Memorial in Canberra, commemorates the services of Aboriginal and Torres Strait Islanders who sacrificed for their country. The thousands of transparent lenses set throughout the wall represent multiple perspectives that interpret history, while the reflections of light express the spiritual integrity and pride that the Aboriginal and Torres Strait Islanders hold in connection to their country. In regards to the nomination, Australian Institute of Architects ACT Jury Chair, Marcus Graham, remarked: “Physically small, but carrying an enormous weight of significance, For Our Country reflects honestly upon a complex history, and looks forward to greater cultural understanding.” The awards ceremony, which was held virtually via Youtube due to the impact of COVID-19 and social distancing restrictions, gave recognition to a total of 43 recipients across 14 categories. 


다니엘 보이드, ACT Architecture Awards 2020에서 4개 부문 수상

호주 출신 작가 다니엘 보이드(Daniel Boyd)와 멜버른 건축사무소 에디션 오피스(Edition Office)의 기념비 조각 <For Our Country>(2019)가 ACT Architecture Awards 2020에서 4개 부문을 수상했다. 호주 건축가 협회(Australian Institute of Architects)가 주관하는 이 상은 지속 가능하다 평가 받은 공공, 주거, 상업, 교육 건축물에 수여된다. <For Our Country>는 최고 권위의 상인 ‘Canberra Medallion’을 비롯하여 소규모 건축물을 대상으로 하는 ‘The Cynthia Breheny Award for Small Project’, 건축과 예술이 훌륭하게 결합된 작품에 수여하는 ‘The Pamille Berg Award for Art in Architecture’, 빛을 활용한 건축물을 선정하는 ‘The Robert Foster Award for light in Architecture’를 수상했다. 

현재 캔버라의 호주 전쟁 기념관에 설치된 <For Our Country>는 조국을 위해 희생한 원주민 및 토레스 해협 토착민을 기리는 작품이다. 벽면을 채운 수천 개의 투명한 렌즈는 역사를 바라보는 다양한 시각을 상징하며, 렌즈를 통해 들어오는 빛은 원주민들의 영적인 힘과 나라를 지켜온 긍지를 표현한다. 심사위원장 마커스 그레이엄(Marcus Graham)은 “물리적으로 작지만 엄청난 중요성을 가진 <For Our Country>는 복합적인 역사를 반영하고 있으며, 나아가 더 깊은 문화적 이해를 창출한다”고 선정 이유를 밝혔다. 시상식은 지난 6월 5일, 코로나 19로 인한 사회적 거리두기의 일환으로 유튜브 스트리밍을 통해 진행되었으며 총 14개 부문, 43명(팀)이 수상했다. 

[Source from AIA website]
 
 
8 Elmgreen & Dragset Participate in Group Exhibition OH! MY CITY at PARADISE ART SPACE, Incheon

Elmgreen & Dragset, City in the Sky, 2019, stainless steel, steel, aluminium acrylic glass, LED lights, 400 x 500 x 220 cm. Courtesy of the Artists, Kukje Gallery, Massimo De Carlo, and Perrotin. Photo: Myungrae Park. 

Artists: Elmgreen & Dragset (엘름그린 & 드라그셋)
Exhibition Dates: June 18 – Oct 4, 2020 
Exhibition Venue: PARADISE ART SPACE, Incheon, Korea
Website: www.p-city.com/front/artSpace/overview

The artist duo Elmgreen & Dragset are currently participating in the group exhibition OH! MY CITY held at PARADISE ART SPACE in Incheon. The exhibition, which presents the works of five international contemporary artists including Anibal Catalan and Chiharu Shiota, explores the multilateral meanings of cities, extending beyond their physical boundaries. Known for their signature humor and poignant sarcasm against social clichés and cultural structures pervasive in everyday life, Elmgreen & Dragset present three works that reinterpret conventional cityscapes. 

Installed within Paradise Walk, the hallway that connects PARADISE ART SPACE to Paradise City, is City in the Sky (2019)—a large-scale installation that depicts a scaled model of an imaginary city, flipped upside down. This marks the first time this work has been showcased in Korea. Inspired by financial centers being built in megacities such as Hong Kong, Shanghai, and London, City in the Sky portrays the complex layers and aspirations that impact the cityscape as the competition among global metropolises intensifies. The artists expanded on this idea, creating a kaleidoscopic overview of a fictional urban landscape in which illuminated skyscrapers are rendered as post-architectural archetypes, prompting viewers to imagine their own ideal city. The Observer (Kappa) (2019), installed in PARADISE ART SPACE, displays a lone figure deep in thought, casually leaning over the railing of a balcony. The balcony transgresses boundaries,  being at once private and public, and the work represents a portrait of an individual observing the myriad features of a city. Facing The Observer (Kappa) is a new variation of Powerless Structures, Fig. 429 (2012), of which the original version was first introduced at the Echigo-Tsumari Satoyama Museum of Contemporary Art KINARE in 2013. The exhibition, which provides an opportunity to experience the everyday city from an artistic perspective, runs through October 4, 2020. 


엘름그린 & 드라그셋, 인천 파라다이스 아트스페이스 그룹전 《OH! MY CITY》 참가

작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)이 인천 파라다이스 아트스페이스에서 열리는 그룹전 《OH! MY CITY》에 참여한다. 엘름그린 & 드라그셋을 비롯하여 아니발 카탈란(Anibal Catalan), 시오타 치하루(Chiharu Shiota) 등 현대미술가 5인의 작품들로 꾸려지는 이번 전시는 물리적 차원을 넘어 다양한 의미의 공간으로서의 도시를 조명한다. 일상과 도시에 만연한 문화구조에 질문을 제기하고, 특유의 위트와 비판정신으로 재해석해온 엘름그린 & 드라그셋은 이번 전시에서 도시의 풍경을 새로운 관점으로 매개한 작품 3점을 선보인다. 

특히 가상의 도시를 뒤집은 형태의 작품 <City in the Sky>(2019)는 작품통로 공간인 파라다이스 워크에 설치되어 국내에서 첫 선을 보인다. 홍콩, 상하이, 런던 등 세계 금융 중심지에서 영감 받은 이 작품은 대도시들 간의 고조된 경쟁과 야망을 함축하며, 도시의 마천루를 따라 빛나는 빛은 관객들로 하여금 각자가 꿈꾸는 이상적인 도시를 상상하게 한다. 이어지는 전시장에 설치된 <The Observer(Kappa)>(2019)는 공과 사의 경계인 발코니에서 홀로 사색에 잠긴 인물 형상을 나타낸 작품으로, 도시의 다양한 양상을 관찰하는 어느 개인의 자화상을 상징한다. 또한 지난 2013년 일본 에치고 쓰마리 사토야마 현대미술관 KINARE에서 공개되었던 <Powerless Structures, Fig. 429>(2012)는 전시장 내 공간에서 새로운 구성으로 소개된다. 익숙한 공간인 도시를 예술의 관점으로 바라볼 수 있는 기회를 제공하는 이번 전시는 오는 10월 4일까지 계속된다.

[Source from PARADISE ART SPACE press release]
 
 
9 Kukje Gallery Collaborates with Space-Centered Digital Experiential Design Company d’strict

Installation view of WAVE, 2020, Coex Artium, Seoul, Korea. Copyright 2020. d’strict holdings. All rights reserved. Image provided by d’strict.

Kukje Gallery is pleased to announce a collaborative relationship and a series of upcoming public art projects with the space-centered digital experiential design company d'strict. Having recently been the subject of accolades from both Korea and abroad for their public art project titled WAVE, an immersive video art installation that features giant blue waves crashing onto the wraparound display atop Coex Artium in Seoul's Samseong-dong, d'strict creates user-centered experiences for a wide range of public spaces including flagship stores, hotels, and theme parks with spectacular visual contents that employ cutting edge digital media technology. While WAVE was initially developed as a promotional advertising product for which the company's extensive experience and expertise came into play, the installation has progressed into a work of art which flawlessly integrates art and technology, presenting the artistic value and realization of technology in everyday life. Not only within this context but also in face of the global pandemic, WAVE effectively functions as a groundbreaking public art installation that spans the dimensions of both time and space in the heart of the cosmopolitan city of Seoul. In the coming months, d’strict plans to reveal Soft Body, a depiction of human and object collisions onto the screen, and WHALE, a portrayal of a virtual whale navigating its way through a big screen acting as a large water tank.

The joint effort between Kukje Gallery and d’strict represents the evolution of media art technology, along with the changes that will be brought upon the industry’s landscape, defined by the dynamics between creators and viewers/users, everyday life and art. With confidence in its success with commercial projects in recent years, d’strict is currently planning its very own artist unit in order to further explore the aesthetic potential of media art. Grounded on its persisting interest in the digitalization of the art market following the global pandemic, further exemplified by the launch of the online viewing room – kukje ON – and its ongoing digital archive, Kukje Gallery will wholeheartedly support and participate in the forthcoming creative journey of this unit. This much-anticipated encounter between the two leading entities of the art and technology sectors signals an exciting venture and a meaningful challenge in the contemporary art discourse, all of which is made possible by rediscovering the hidden values of art through the integration between art and everyday life, and sharing media art as a new phenomenon reflecting our generation today.

Established in 2004, the digital media technology-based d’strict has built a name for its commitment to curating space-centered public art projects and expanding the boundaries of the digital media business through means of digital media technology including holographic displays and projection mapping. Based on the company’s cutting edge technology, d’strict has developed distinguished visual content including Live Park (2011), the world’s first-ever digital theme park; Live Pavilion (2018), an interactive pavilion for the 2018 Pyeongchang Winter Olympics; Nexen UniverCity (2019), a three-dimensional space designed for Nexen Tire. d’strict was named the winner of the iF DESIGN AWARD (2005, 2007, 2011, 2013, 2014, 2016, 2018, 2020), Red Dot Design Award (2006), and London International Awards (2004, 2006). Corporate partnerships include those with leading companies such as Samsung Electronics, SK, LG, Hyundai Motor Company, and IKEA. Following its expansion into the Chinese market in 2015 with the launch of d’strict china, the company soon plans to open another division in Vietnam in order to further extend its business opportunities abroad. Currently, d’strict is in the final stages of preparation for ARTE MUSEUM in Jeju Island, Korea, the country’s largest permanent media art display scheduled to open within the first-half of this year.


국제갤러리, 공간기반 디지털 경험 디자인 회사 디스트릭트(d’strict)와 협력

국제갤러리는 디지털 기반 디자인 회사 디스트릭트(d’strict)와 협력관계를 맺고 향후 다채로운 아트 프로젝트를 선보일 예정이다. 현재 삼성동 코엑스 아티움 대형 전광판에 거대한 파도 영상의 퍼블릭 아트 프로젝트 <WAVE>로 국내외의 큰 주목을 받고 있는 디스트릭트는 탄탄한 디지털 미디어 기술력을 활용한 감각적인 콘텐츠를 통해 브랜드 매장, 호텔, 테마파크 등 다양한 공간에서의 사용자 경험을 디자인해왔다. <WAVE> 역시 이들의 경험과 노하우를 담은 일종의 상품이자 광고로 기획 및 제작되었지만, 디스트릭트는 기술과 예술이 융합한 <WAVE>를 통해 기술의 예술적 가치와 이를 일상에서 구현해내는 작업의 개념을 일깨웠다. 실제 <WAVE>는 현 팬데믹 상황이라는 시간의 측면에서나 서울 도심 한복판이라는 공간의 개념에서 공히 획기적인 공공미술로 기능하고 있다. 향후 거리를 가로지르는 사람과 사물이 화면에 잇따라 부딪치는 모습을 제작한 <Soft Body>, 고래가 스크린을 유영하는 <WHALE> 시리즈도 차례로 공개될 예정이다.

이번 디스트릭트와 국제갤러리와의 협력은 현 시대 미디어아트 기술의 진화는 물론 창작자-관객/사용자, 일상-예술의 관계 등 미디어 환경의 결정적인 변화를 짐작하게 하는 대목이다. 디스트릭트는 수 년에 걸쳐 심화해온 상업적 프로젝트와는 별개로, 미디어아트 자체의 예술성과 가능성을 실험하기 위해 일종의 미디어 아티스트 유닛의 결성을 본격적으로 기획 중이다. 국제갤러리는 디스트릭트 내 아티스트 유닛의 창의적, 예술적 활동을 적극적으로 지원하고 함께 진행해 나갈 예정인데, 이는 이번 코로나 19 이후 디지털 뷰잉룸 ‘국제 온’, 디지털 아카이브, 가상공간에서의 전시관람 경험을 제공하는 등 미술시장 디지털화의 가능성을 탐색해온 행보와 맥락을 같이 한다. 따라서 각자의 자리에서 제 역할에 충실해온 두 대상의 만남은 현재 현대미술이 추구하는 방향, 즉 일상과 예술의 경계를 허물어 예술의 숨은 가치를 발견하고, 시대를 반영하여 선도하는 새로운 현상으로서의 미디어아트를 활발히 공유할 수 있는 유의미한 시도 및 실험이 될 것이라는 기대를 모으고 있다. 

지난 2004년 설립 이래 최고의 디지털 미디어 기술을 기반으로 공공의 장소에서 누구나 즐길 수 있는 콘텐츠를 지속적으로 연구해온 디스트릭트는 홀로그래픽 디스플레이, 프로젝션 맵핑 등 디지털 미디어 기술을 활용한 서비스를 제공하며 디지털 미디어 사업 영역의 개척을 선도해왔다. 이렇게 진일보한 기술력을 바탕으로 세계 최초 디지털 테마파크 Live Park(2011), 평창 동계올림픽 Live Pavilion(2018), 3D 입체공간 Nexen UniverCity(2019) 등 차별화된 결과물을 만들어냈다. 주요 수상 경력으로는 iF 디자인 어워드(2005, 2007, 2011, 2013, 2014, 2016, 2018, 2020), 레드닷 디자인 어워드(2006), 런던 국제 광고제(2004, 2006) 등이 있다. 삼성전자, SK, LG, 현대자동차, IKEA 등 유수의 브랜드와 파트너십을 맺고 있으며, 2015년 중국 시장 진출을 위해 설립한 ‘디스트릭트 차이나’에 이어 올해 베트남에 추가 법인을 설립하는 등 글로벌 시장으로 활동 영역을 넓히는 중이다. 현재는 올해 상반기 제주에 개관할 국내 최대 규모의 상설 미디어아트 전시관 ‘ARTE MUSEUM’ 준비에 박차를 가하고 있다. 
 
 
10 Kimsooja, Subject of Solo Exhibition Sowing Into Painting held at Wanås Konst, Sweden

Kimsooja, A Laundry Field, Wanås Konst, 2020. Photo Mattias Givell

Artists: Kimsooja(김수자)
Exhibition Dates: May 9 – Nov 1, 2020 
Exhibition Venue: Wanås Konst, Sweden
Website: www.wanaskonst.se/en-us/Art/Art-Projects-2020/Kimsooja

The contemporary artist Kimsooja is the subject of a solo exhibition titled Sowing Into Painting, on view through November 1, 2020, at Wanås Konst, located in the south of Sweden. An arts venue that comes directly into contact with nature—such as the green meadows, lawns, and a forest—since its establishment in 1987 Wanås Konst is widely recognized for both its permanent and temporary presentations of works which are displayed in harmony with its natural surroundings. Kimsooja’s exhibition title, Sowing Into Painting, evokes the artist’s new way of working, which involves using the land as her canvas that frames her artistic practice. 
 
Works at the exhibition are displayed across a vast area, including both the outdoor venues and indoor Art Gallery. At the Sculpture Park, visitors are first welcomed by A Laundry Field (2020), an accumulation of 100 pieces of old-fashioned white bedsheets that represent the human life cycle. By hanging these sheets along the beech wood forest, Kim effectively incorporates aspects of nature into her working process. To Breathe (2020), a mirror floor installed in the old Hay Barn built in 1750, creates a novel landscape by reflecting and morphing its surroundings. The Art Gallery presents the artist’s Meta-Painting (2020) series which makes use of bottari, the Korean cloth bundles used to wrap personal belongings. As part of the exhibition, the artist also planted two varieties of flax in a field approximately 330m2 large. Flax is used to produce linseed oil, which is the main substance in oil paint. Kimsooja plans to extend her artistic vocabulary into nature throughout the exhibition period, while the seeds grow and change over the course of time. 


김수자, 스웨덴 바노스 콘스트에서 개인전 《Sowing Into Painting》 개최

현대미술가 김수자의 개인전 《Sowing Into Painting》이 스웨덴 남부에 위치한 바노스 콘스트에서 2020년 11월 1일까지 열린다. 바노스 콘스트는 잔디밭, 들판, 숲에 이르는 다양한 자연환경을 경험할 수 있는 예술 공간으로, 1987년 설립 이래 대자연과 조화를 이루는 다채로운 작품들을 꾸준히 선보여왔다. 이 곳에서 김수자는 전시 제목인 ‘씨 뿌려 그리기’라는 새로운 작업 방식을 통해 대지를 캔버스 삼아 고유한 예술 세계를 펼쳐 보인다.

본 전시는 야외 공간과 실내 전시 공간인 아트 갤러리에서 전개된다. 먼저 숲 속 조각 공원에는 침대보 100장을 걸어놓은 설치작 <A Laundry Field>(2020)이 전시된다. 인간의 생로병사를 상징하는 침대보를 숲에 걸어두는 방식을 통해 작가는 캔버스의 영역을 자연으로 확장해나간다. 1750년에 지어진 건초 헛간에 설치된 거울을 활용한 작업 <To Breathe>(2020)는 주변 공간을 변모시키며 새로운 풍경을 만들어낸다. 이어지는 아트 갤러리에서는 ‘보따리’를 활용한 연작 <Meta-Painting>(2020)을 소개한다. 또한 작가는 이번 전시의 일환으로 100평 규모의 텃밭에 이 지역의 주 재배 식물인 아마(亞麻) 씨앗 두 종을 파종했다. 아마 줄기는 전통적인 캔버스의 원료로, 씨앗의 기름은 유화 물감에 사용되는 원료다. 작가는 전시 기간 동안 아마 씨앗이 자라 열매를 맺는 과정을 통해 자연과 함께 유동하는 예술의 장을 펼쳐 보일 예정이다. 

[Source from Wanås Konst web page]
 
 
11 Kukje Gallery Announces the Representation of Daniel Boyd

Artist portrait of Daniel Boyd. Photo: Chunho An

Kukje Gallery is pleased to announce the representation of the Australian artist Daniel Boyd. Last December, Kukje Gallery Busan showcased Boyd’s solo exhibition Recalcitrant Radiance, which marked the artist’s first encounter with the Korean audiences. Following the success of this much anticipated presentation, Boyd’s signature works are currently on view at the gallery’s online viewing room, kukje ON. Going forward, Kukje Gallery will be introducing a comprehensive selection of Boyd’s works to both local and international audiences, with a focus on enhancing Boyd’s artistic potential and expanding his worldwide presence as one of Australia’s most acclaimed young artists. 

Daniel Boyd, who was born in 1982 in the coastal city of Cairns, Australia, engages with his Aboriginal heritage by consistently reinterpreting established perspectives of Australian colonial history. The artist’s paintings are covered with clear white dots of glue, which are superimposed onto images of icons that played significant roles in the formation of the nation’s history. In each painting, a dot acts as a “lens” through which the artist views the world. Using a technique that borrows from Australian Aboriginal dot painting, these numerous lenses facilitate the artist to read the world as multiple histories, as opposed to a singular narrative. Amalgamating the dualities between black and white, darkness and light, the viewer takes on an active role in connecting the domains between the positive and the negative, and realigning the viewpoints between the past and present. Hence, the artist offers the viewers with an opportunity to fill and enlighten the dark void of the unknown with individual knowledge and different backgrounds, completing the picture as one enters and exits through disparate vantage points.

About the Artist
Daniel Boyd is based in Sydney and has exhibited his work internationally since 2005. Boyd has participated in major biennales and exhibitions including All the World's Futures, 56th Venice Biennale, Venice (2015) curated by Okwui Enwezor and Mondialito curated by Hans Ulrich Obrist and Asad Raza at the Boghossian Foundation. He was the recipient of the 2014 Bulgari Art Award, and his works are in the collections of the Natural History Museum, London; Kadist Collection, Paris; National Gallery of Australia, Canberra; Tasmanian Museum and Art Gallery, Hobart; National Gallery of Victoria, Melbourne; Art Gallery of New South Wales, Sydney; as well as numerous private collections.


국제갤러리, 다니엘 보이드(Daniel Boyd)와 전속계약

국제갤러리는 최근 호주 출신 작가 다니엘 보이드(Daniel Boyd)와 공식 전속계약을 체결했다. 국제갤러리는 지난 2019년 12월 부산점에서 열린 다니엘 보이드의 개인전 《항명하는 광휘(Recalcitrant Radiance)》를 통해 국내에서는 처음으로 작가를 소개한 바 있다. 현재 국제갤러리의 온라인 뷰잉룸 ‘국제 온(kukje ON)’에서도 그의 대표작을 살펴볼 수 있으며, 향후에도 명실상부 호주 대표 작가인 다니엘 보이드의 다채로운 작업 및 가능성을 국내외 관객 및 고객에게 더욱 적극적으로 알리고 공유할 예정이다. 

1982년 호주 케언즈(Cairns)에서 태어난 다니엘 보이드는 원주민 출신으로, 자신의 배경을 바탕으로 호주의 역사를 새로운 관점으로 꾸준히 재해석해왔다. 그의 회화에는 호주 역사 형성 과정에서 주요 역할을 한 다양한 이미지가 등장하는데, 상당 부분이 풀(glue)로 찍은 하얗고 투명한 점들로 뒤덮여 있다. 각 점은 작가가 세상을 바라보는 일종의 ‘렌즈’로, 수많은 렌즈를 통해 세상을 단일한 역사 구조가 아닌 다수의 서사로 읽어내고자 하는 의도를 담고 있다. 또한 흑과 백, 어둠과 빛 간의 양극을 적극적으로 연결하고 합치시킨 그의 작품은 보는 이로 하여금 회화를 독해하고 과거와 현재 사이의 시점을 재조율하게 한다. 이로써 작가는 어둠과 미지의 영역을 각자의 지식, 배경, 상상력으로 채워 밝히며, 새로운 의미의 가능성을 타개해야 한다고 피력하고 있다. 

작가소개
다니엘 보이드는 2015년 오쿠이 엔위저(Okwui Enwezor)가 기획한 제56회 베니스 비엔날레 《모든 세계의 미래(All the World’s Futures)》, 2017년 한스 울리히 오브리스트(Hans Ulrich Obrist)와 아사드 라자(Asad Raza)가 부뤼셀의 보고시안 파운데이션에서 기획한 《몬디알리토(Mondialito)》 등에 주요 전시에 참여했다. 2014년 불가리 미술상을 수상하였으며, 그의 작품은 캔버라의 호주 내셔널 갤러리, 호바트의 타즈마니아 박물관, 멜버른의 내셔널 빅토리아 갤러리, 시드니의 뉴사우스웨일스 아트 갤러리 등 호주 대부분의 주요 기관뿐 아니라 런던 자연사 박물관과 파리의 카디스트 컬렉션 등 세계적인 유수 기관에 소장되어 있다. 현재 호주 시드니에 거주하며 작업하고 있다.
 
 
12 Haegue Yang, Kira Kim, Kyungah Ham, and Suki Seokyeong Kang Participate in Group Exhibition Collecting for All at the Seoul Museum of Art

Installation view of Collecting for All, Seoul Museum of Art, Korea, 2020 ⓒ 2020 Seoul Museum of Art All rights reserved

Artists: Haegue Yang(양혜규), Kira Kim(김기라), Kyungah Ham(함경아), Suki Seokyeong Kang(강서경)
Exhibition Dates: Apr 16 – Jun 14, 2020 * Available for viewing from May 6, 2020. RSVP at www.yeyak.seoul.go.kr/reservation/view.web?rsvsvcid=S200421085040042177
Exhibition Venue: Seoul Museum of Art(서울시립미술관)
Website: www.sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?currentPage=1&glolangType=ENG...

The contemporary artists Haegue Yang, Kira Kim, Kyungah Ham, and Suki Seokyeong Kang are participating in the group exhibition Collecting for All, held at the Seoul Museum of Art through June 14, 2020. The exhibition, curated to provide a closer look into the museum’s collection of 5,173 works accumulated since 1985, presents 86 works from the collection, along with 45 works by artists from the collection.

Each of the six galleries located across the main branch of the museum addresses an independent theme. The Reference Room celebrates the accomplishments of female artists whose works frame varying artistic and historical discourses, one of which is Suki Seokyeong Kang’s installation Black Meanders (2011-2016) constructed of 18 different units. Displayed alongside Kang’s work is Haegue Yang’s installation Yes-I-Know-Screen (2011), which brings together doors used for Korean traditional housing in the form of folding screens. Floating Village_Song of Jaeryang Wi (2015), a collaborative video piece produced by Kira Kim and Hyungkyu Kim, is projected at the Collective Lab. Upon entering the Media Theater, visitors can engage with Le Tricheur, a painting by the 17th century French artist Georges de La Tour, followed by Kyungah Ham’s new media work, The Sharper and Fortune Teller (2009), which narrates the tale of a charlatan and a fortune teller. Other galleries of the exhibition include: the Green Library, featuring a collection of books on nature; the Performance Stage, showcasing performance art; and the Crystal Gallery, introducing an interactive light installation. 


강서경, 김기라, 양혜규, 함경아 서울시립미술관 그룹전 《모두의 소장품》 참가

현대미술가 강서경, 김기라, 양혜규, 함경아가 참여하는 그룹전 《모두의 소장품》이 2020년 6월 14일까지 서울시립미술관 서소문 본관에서 열린다. 우리 모두의 문화 자산인 소장품을 가까이서 보고 누릴 수 있도록 마련된 이번 그룹전은 서울시립미술관이 지난 1985년부터 수집한 총 5,173점의 소장 작품 중 86점과 소장 작가들의 작품 45점을 선보이는 대규모 전시로 꾸려진다. 

전시는 서소문 본관 전관에 걸쳐 총 여섯 개의 공간으로 나누어 진행된다. 다양한 예술, 역사를 참조하여 작업하는 여성 작가들의 소장품으로 구성된 ‘레퍼런스 룸’에서는 총 18점의 개별 단위들이 모인 강서경의 설치작 <검은 유랑>(2011-2016)과 한국 전통 가옥에서 쓰였던 문을 병풍 형태로 연결한 양혜규의 설치작 <그래-알아-병풍>(2011)이 전시된다. 김기라는 김형규 작가와 함께 작업한 비디오 작품 <떠다니는 마을_위재량의 노래>(2015)를 ‘콜렉티브 랩’에서 선보인다. ‘미디어 씨어터’에서는 17세기 프랑스 화가 조르주 드 라투르(Georges de La Tour)의 <사기꾼>과 <점쟁이>를 모티프로 한 함경아의 뉴미디어 작품 <사기꾼과 점쟁이>(2009)를 관람할 수 있다. 이 외에도 자연을 주제로 한 소장품과 다양한 주제의 책 컬렉션을 만날 수 있는 ‘그린 라이브러리’, 퍼포먼스 기반의 작품들로 꾸려진 ‘퍼포먼스 스테이지’, 빛을 활용한 환상적인 소장품으로 구성된 ‘크리스탈 갤러리’를 통해 우리 삶의 면면을 담은 다채로운 소장품들을 만날 수 있다. 

[Source from the Seoul Museum of Art press release]
 
 
13 Na Kim, Subject of Solo Exhibition Bottomless Bag at Buk-Seoul Museum of Art 

Installation view of Bottomless Bag, Buk-Seoul Museum of Art, Seoul Museum of Art, 2020. Photo: Unreal Studio ⓒ 2020 Seoul Museum of Art All rights reserved

Artist: Na Kim(김영나)
Exhibition Dates: Mar 26 – Sep 13, 2020 * Available for viewing from May 6, 2020. RSVP at www.yeyak.seoul.go.kr/reservation/view.web?rsvsvcid=S200504110149254014
Exhibition Venue: Children’s Gallery, Buk-Seoul Museum of Art(서울시립 북서울미술관 어린이갤러리)
Website: www.sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?exNo=497062&glolangType=ENG&searchDateType=CURR&museumCd=ORG08

The graphic designer Na Kim is the subject of a solo exhibition titled Bottomless Bag at the Seoul Museum of Art’s (hereafter SeMA) Buk-Seoul Museum of Art (hereafter Buk-SeMA) branch through September 13, 2020. This presentation marks the 14th edition of the children’s exhibition to take place at the museum. Widely recognized for her multifaceted practice that spans art and design, Kim reshapes her use of visual language to an unprecedented dimension by combining the formal elements of graphic design. Bottomless Bag owes its title to a little tool bag that used to be sold at stationary stores in front of elementary schools mainly during the 1980s to the 1990s. On view will be a selection of 11 works including murals, installations, and video which embody the moments and memories attached to objects from the past. 

The Children’s Gallery, in which the exhibition is held, is transformed into Kim’s very own “bottomless bag,” revealing the artist’s unique exploration into and relationship with her collection of archived objects. The idea of ‘collecting,’ which is the central theme for SeMA this year as well as a representation of Kim’s design methodology, suggests the importance of archived objects by reflecting upon the value and beauty of everyday life. The exhibition presents eight new works including the video installation RYB and G (2020) and print installation Self Portrait (2020), along with three earlier works including 2’13”, 4.6 Meters (2019), a set of three spiral staircases painted in primary colors, previously displayed at the Gwangju Design Biennale last September. Beck Jee-sook, Director of SeMA, has remarked: “By perceiving graphic design as a method for communication, the audience will be encouraged to cultivate a level of visual literacy which will allow them to interpret, critically assess, and create their own images upon encountering Kim’s unique design methodology and visual language through this exhibition.” 


김영나, 서울시립 북서울미술관에서 어린이 전시 《물체주머니》 개최

그래픽 디자이너 김영나의 개인전 《물체주머니》가 서울시립 북서울미술관에서 2020년 9월 13일까지 열린다. 북서울미술관이 14번째로 마련한 어린이 전시인 김영나의 개인전은 디자인과 미술을 넘나들며 전방위적으로 활동하는 작가가 고유의 디자인적 사고를 통해 시각 언어를 새롭게 재배치한 자리다. 전시 제목인 ‘물체주머니’는 1980-90년대 학교 앞 문방구에서 팔던 학습 도구 주머니 이름으로, 《물체주머니》는 추억의 사물들에 깃든 시간과 기억을 담은 벽화, 설치, 영상 등 총 11여 점의 작품을 선보인다. 

전시 공간은 디자이너의 ‘물체주머니’로 김영나가 수집과 아카이빙을 통해 발견한 사물의 의미를 작가만의 규칙으로 해석하고 관계를 만들어 나가는 방식을 펼쳐 보인다. 2020년 서울 시립미술관의 기관 의제인 동시에 김영나의 디자인 방법론인 ‘수집’은 수집을 통해 발견한 사물의 의미를 체험함으로써, 일상의 가치와 아름다움을 성찰하는 태도를 제안한다. 전시는 영상 설치작 <빨강, 노랑, 파랑 그리고 녹색>(2020), 평면 설치작 <자화상>(2020)을 포함한 신작 8점을 새롭게 선보이며, 지난 9월 광주비엔날레에서 선보인 삼원색의 나선형 계단형 작품 <2분 13초, 4.6 미터>(2019)도 함께 공개된다. 백지숙 서울시립미술 관장은 이번 전시를 통해 “디자인은 소통의 언어라는 관점에서 김영나의 디자인적 사고와 시각 언어를 통해 관람자들이 이미지를 해석하고 비판하고 창조하는 시각적 문해력(visual literacy)을 기를 수 있기를 기대한다”라고 밝혔다. 

[Source from the Buk-SeMA press release]
 
 
14 Byron Kim and Kyungah Ham Participate in Group Exhibition Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas held at the Centre for Heritage, Arts and Textile (CHAT), Hong Kong

Installation view of Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas, CHAT (Centre for Heritage, Arts and Textile), Hong Kong, 2020. Photo: Courtesy of CHAT

Artists: Byron Kim(바이런 킴), Kyungah Ham(함경아)
Exhibition Dates: Mar 21 – Jul 26, 2020 
Exhibition Venue: CHAT (Centre for Heritage, Arts and Textile), Hong Kong
Website: www.mill6chat.org/event/unconstrained-textiles-stitching-methods-crossing-ideas/

The contemporary artists Byron Kim and Kyungah Ham are currently participating in the group exhibition Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas, running through July 26, 2020 at the Centre for Heritage, Arts and Textile (hereafter CHAT), Hong Kong. CHAT, which opened its doors to the public last March, is a part of the heritage conservation project of The Mills, formerly a textile factory owned by the Nan Fung Group. Committed to curating programs that introduce the heritage and aesthetics of textile arts, CHAT’s current exhibition showcases seven artists who explore undiscovered potentials of textiles within contemporary art discourse, breaking free of the stereotype that textile belongs to the domains of female artists, crafts, and design. 

As part of the exhibition, Kyungah Ham presents a colorful array of embroidery paintings including her signature SMS series. The process of sending camouflaged messages across the border to North Korea, where the hand embroiderers interweave the message stitch by stitch into the form of an embroidery painting, followed by an unforeseeable period of waiting for the embroiderers’ response, encompasses the realities of a divided nation identified by censorship, smuggling, confidentiality, and tension. Meanwhile, Byron Kim’s paintings of bruised skin employ textile techniques such as dyeing the canvas to deliver the tenderness and sensitivity of human flesh. Kim’s work discusses the ways that people interact with society by depicting the skin as an easily damageable yet recoverable layer connecting the inner and outer dimensions of the human body. A virtual Curator Tour, led by CHAT’s director Takahashi Mizuki, is also provided online (youtube.com/watch?v=SdY5L28r0tM&feature=youtu.be) for public access. 


바이런 킴, 함경아 홍콩 CHAT 그룹전 《Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas》 참가

현대미술가 바이런 킴, 함경아가 홍콩 CHAT에서 열리는 그룹전 《Unconstrained Textiles: Stitching Methods, Crossing Ideas》(2020년 7월 26일까지)에 참여한다. 작년 3월 개관한 CHAT은 홍콩 섬유 산업을 주도해온 난펑 그룹(Nan Fung Group)의 섬유 공장을 개조하여 만든 예술 공간으로, 섬유 예술의 유산과 정신을 조명하는 전시와 다채로운 프로그램을 선보이고 있다. 7명의 작가가 참여하는 이번 그룹전은 오랫동안 여성, 공예, 디자인의 영역으로 분류되었던 섬유 예술의 새로운 가능성을 동시대 미술의 맥락에서 탐구한다.

함경아는 이번 전시에서 대표 연작 <SMS>를 비롯한 다수의 자수 회화 연작을 선보인다. 메시지가 숨겨진 도안을 북한으로 보내고, 익명의 북한 자수 노동자들이 한 땀 한 땀 자수로 새긴 결과물을 돌려받는 방식으로 제작되는 함경아의 자수 회화에는 검열, 밀수, 암호, 긴장감 등 보이지 않는 분단의 현실이 내재되어 있다. 바이런 킴은 캔버스를 피부로 전환시켜 외상을 표현한 <멍(Bruise)> 회화 연작을 소개한다. 작가는 섬세한 피부의 질감을 표현하기 위해 먼저 섬유 염색 기술로 캔버스 천을 염색하고, 그 위에 멍을 그려나간다. 작품은 내부와 외부의 경계이자, 쉽게 상처받는 동시에 놀라운 치유의 능력을 지닌 ‘피부’를 통해 우리가 세상과 관계 맺는 방식을 이야기한다. 한편 전시는 유튜브에 공개된 CHAT 디렉터 타카하시 미즈키(Takahashi Mizuki)의 ‘큐레이터 투어(Curator Tour)’를 통해서도 관람 가능하다. (youtube.com/watch?v=SdY5L28r0tM&feature=youtu.be)

[Source from the Centre for Heritage, Arts and Textile press release]
 
 
15 Ugo Rondinone Participates in Among The Trees, Group Exhibition at Hayward Gallery, London

Ugo Rondinone, Cold Moon, 2011. Courtesy of studio rondinone

Artist: Ugo Rondinone (우고 론디노네)
Exhibition Dates: Mar 4 – May 17, 2020 
Exhibition Venue: Hayward Gallery, London
Website: www.southbankcentre.co.uk/whats-on/exhibitions/hayward-gallery-art/among-the-trees

The internationally acclaimed contemporary artist Ugo Rondinone is currently participating in a group exhibition titled Among The Trees (on view through May 17, 2020) held at Hayward Gallery in London. The exhibition, which celebrates the 50th anniversary of Earth Day, includes works by a roster of 38 international contemporary artists including Eija-Liisa Ahtila, Peter Doig, and Robert Smithson. Artists involved in the exhibition collectively explore the beauty of trees along with the symbolic significance of these living organisms, ultimately capturing the multifaceted implication of trees in the context of humanity and civilization. 

Among the Trees features a wide range of works including immersive video installations, life-sized sculptures, paintings, and drawings. Widely recognized for his signature poetic exploration of nature appertaining to the passage of time and introspection of the inner self, Rondinone introduces Cold Moon (2011), an aluminum cast of an olive tree more than 2,000 years old. The twisted and gnarled form of the olive tree encompasses vast passages of time. The exhibition also presents an extensive selection of works based on the guiding subject of trees, such as the Cameroonian artist Pascale Marthine Tayou’s sculpture Plastic Tree B (2010) and Italian artist Giuseppe Penone’s sculpture Albero Porta – Cedro/Door Tree – Cedar (2012). Ralph Rugoff, Director of Hayward Gallery, has remarked: “At a moment when the destruction of the world’s forests is accelerating at a record pace, Among the Trees brings together the work of leading international artists who urge us to think about the essential roles that trees and forests play in our lives and psyches.” 


우고 론디노네, 런던 헤이워드 갤러리 그룹전 《Among The Trees》 참가

세계적인 현대미술가 우고 론디노네가 런던 헤이워드 갤러리에서 열리는 그룹전 《Among The Trees》(2020년 5월 17일까지)에 참가한다. 올해 50주년을 맞은 ‘지구의 날’을 기념하여 열리는 이번 그룹전은 우고 론디노네를 비롯해 에이야-리사 아틸라(Eija-Liisa Ahtila), 피터 도이그(Peter Doig), 로버트 스미스슨(Robert Smithson) 등 전세계 38명의 현대미술가들이 참여한다. 나무의 시각적인 아름다움과 살아있는 유기체로서의 의미를 동시에 조명하는 이번 전시는 인류의 삶과 문명에 없어서는 안될 존재인 나무의 의미를 다각적으로 탐구한다. 

본 전시는 비디오 작품, 실제 크기의 조각, 회화, 드로잉 사진을 아우르는 다양한 작품들로 구성된다. 특유의 시적 감각으로 자연이라는 소재를 시간의 흐름과 인간 내면의 관점에서 꾸준히 탐구해온 우고 론디노네는 이번 그룹전에서 2000년 이상 된 올리브 나무를 뜬 알루미늄 조각 <Cold Moon>(2011)을 선보인다. 수천 년에 걸쳐 압축된 올리브 나무의 형상을 통해 작가는 광활한 시간의 흐름을 담아낸다. 또한 전시는 카메룬 작가 파스칼 마르틴느 타유(Pascale Marthine Tayou)의 조각 <Plastic Tree B>(2010), 이탈리아 미술가 주세페 페노네(Giuseppe Penone)의 조각 <Albero Porta - Cedro/Door Tree – Cedar>(2012) 등 나무를 소재로 한 다채로운 작품들을 선보인다. 헤이워드 갤러리 관장 랄프 루고프(Ralph Rugoff)는 “그 어느 때보다 숲이 빠르게 파괴되고 있는 이 시점에, 이번 전시는 관객들이 우리의 삶과 내면에서 나무와 숲이 갖는 의미를 새롭게 바라보도록 한다”고 밝혔다. 

[Source from Hayward Gallery press release]