KUKJE GALLERY
The Art of Dansaekhwa
Aug 28, 2014 - Oct 19, 2014
K1 K2 K3 Seoul
Introduction
Works
Installation Views
Media Coverage
Publications
Artists
 ㆍ Chung Chang-Sup
 ㆍ Chung Sang-Hwa
 ㆍ Ha Chong-Hyun
 ㆍ Kim Guiline
 ㆍ Lee Ufan
 ㆍ Park Seo-Bo
 ㆍ Yun Hyong-Keun
 

Kukje Gallery is pleased to present The Art of Dansaekhwa, an exhibition showcasing masterworks by the seminal artists who founded and promoted its development in Korea. By showcasing these artists together the exhibition aims to re-contextualize the origins of Dansaekwha through the lens of Korean modernism.

Korean Dansaekhwa, also referred to as baeksaekpa (the School of White) emerged in the 1970s as a reaction against the academicism of the National Art Exhibition, which had been the dominant style. This distinction was in contrast to the activities of the 1967 Young Artists Coalition (which eventually led to the collaborative groups A.G. and S.T.) whose work was characterized by installations and happenings. By remaining true to their original focus, the Dansaekwha artists who had led the school of art informel in the late-1950s were, by the 1970s, the primary focus in Korea, becoming synonymous with contemporary art. The Dansaekhwa artists’ radical approach to painting was embodied by fusing the western concept of the surface with a distinctly Korean philosophy and aesthetic. This willingness to both adopt and modify ideas from western modernity allowed for the movement to reach beyond the confines of its own regional influences and encouraged Dansaekwha to widen its horizons and become international.

The exhibition presents the works of Chung Chang-Sup, Chung Sang-Hwa, Ha Chong-Hyun, Kim Guiline, Lee Ufan, Park Seo-Bo, and Yun Hyong-Keun the seven artists who spearheaded the Dansaekhwa movement in the 1970s. By highlighting early works from the 1970s and 80s the exhibition conveys the vibrancy and immediacy of the original Dansaekwa artists. The Art of Dansaekwha especially captures the importance of traditional Korean philosophy, the innovative use of materials, and the performative nature of studio practice, all of which were key components of the movement. The exhibition illustrates these ideas amongst the overlapping and complimentary elements of the artists’ works, capturing their disciplined approach and aesthetic vocabularies. The working process of Dansaekhwa can be considered as a type of “performance” based on the highly specific technical methods used when creating the artworks. In this way the performance of making a painting achieves a level of mindfulness akin to that seen in meditation. Dansaekwha artists pushed the boundaries of artistic practice melding materials with subject and the canvas with the self, both adopting and challenging the new western ideals entering the country. This emphasis on developing specific techniques and using traditional materials in order to synthesize their distinct creative voices and philosophies linked all of the artists, defining the movement.

The Art of Dansaekhwa at Kukje Gallery provides a rare opportunity to reinvestigate the historical evolution of modern art practice in Korea. Having developed at a time of rapid change in Korea’s political and socio-economic landscape, Dansaekwha reflects the social milieu in which these artists lived and worked. The exhibition not only conveys how the Dansaekhwa movement flourished within the then-contemporary art scene, but more importantly it establishes the significance and value of Korean Dansaekhwa within the broader context of global art history.


국제갤러리는 한국미술의 대표적인 성과로 평가 받고 있는 단색화와 이 흐름을 이끌었던 거장들의 작품을 중심으로 한국 모더니즘의 맥락에서 단색화를 재조명하는 <단색화의 예술>전을 개최한다.

한국의 단색화는 국전이라고 하는 아카데믹한 미술에 대한 반동으로 비롯되었다. 1970년대의 단색화 혹은 백색파는 당시만하더라도 현대미술과 이음동의어(異音同義語)로 통하였으며, 1950년대 후반의 앵포르멜 운동의 주역이었던 단색화 작가들은 1967년의 <청년작가연립전>에서 <A.G.> 와 <S.T.>로 이어지는 오브제, 설치, 해프닝, 이벤트 등등의 실험적 내지는 전위적인 운동에서 빗겨나 있다가 70년대 초반에 이르러 다시 현대미술의 주요한 구심점을 형성하였다. 70년대의 단색화가 지닌 회화에 대한 부정의 정신은 현대미술의 맥락에서 볼 때 평면성이란 서구적 개념에 한국의 정신성을 접목시키는 결과를 낳았다. 단색화 작가들의 이 같은 서구 모더니티의 수용과 절충은 국제적 보편주의를 향한 행진의 서곡이었으며 이른바 회화에 있어서 현대성의 획득이 이루어지면서 지역적인 한계로부터 벗어나 국제적인 열린 지평으로 나아가게 되었던 것이다.

이번 전시에서는 1970년대 단색화 운동에서 핵심적인 역할을 한 김기린, 박서보, 윤형근, 이우환, 정상화, 정창섭, 하종현 등 일곱 작가의 작품을 선보임으로써 1970-80년대에 제작된 초기 단색화를 중심으로 한국 단색화 운동의 생생한 면모를 보여주고자 한다. 특히 한국 단색화의 요체로 손꼽히는 정신성, 촉각성, 행위성이 일곱 작가의 작품 속에 고르게 스며 있고, 이들이 하나의 장 안에서 서로 겹치거나 스며드는 가운데 궁극의 지점을 향해 나아가는 것을 보여주고자 한다. 가령, 촉각성은 행위의 ‘반복’을 통해 마치 선(禪) 수행하듯 종국에는 고도의 정신성을 획득한다. 과정으로서의 단색화의 제작 방식은 물성과 주체, 화폭과 자아의 합일을 이루는 일종의 ‘수행(performance)’이라고 할 수 있다. 이우환의 반복되는 선과 점의 행렬, 박서보의 선묘, 정상화의  물감의 뜯어내기와 메우기, 윤형근의 넓은 색역(色域)의 중첩, 정창섭의 한지의 겹칩, 하종현의 배압(背壓)의 행위, 김기린의 물감의 분무(噴霧) 행위 등 반복적 행위는 이들의 작품 속에 고르게 녹아 있다.

이번 국제갤러리 전시 <단색화의 예술>은 서구식으로 재편되고 있었던 당대 사회상과 급변하는 정치적 상황 속에서도 순수한 예술적 혁신을 위한 전위정신를 가지고자 했던 단색화 운동의 모습을 재조명한다. 더 나아가 당대 해외 미술의 현장 속에 적극적으로 모습을 드러내었던 단색화 운동을 통해 해외 미술사적 맥락 속에서 그 가치를 가늠해 볼 수 있을 것이다.
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